Danilo Castro

Metavida em metalinguagem

2012-02-29T08:22:00.013-08:00

Saymon Morais em A Assassina

O espetáculo é uma emboscada. Quem desejar cair numa armadilha bem planejada, basta conferir A Assassina, do grupo novato Teatro Elo. Com texto de Natália Régia, que também protagoniza a obra, e direção de Aline Campelo, os assassinatos são apenas pretextos para um besteirol inteligente, que culmina numa grande homenagem aos que têm o teatro como fonte de renda e de vida.

São camadas e camadas metateatrais, onde embarcamos sob um clima de suspense numa história que pode ser infinita, se quisermos. Revivemos os conceitos de Brecht, Grotowski, Stanislavski e de tantos outros pais do teatro universal, mas em carapuças pândegas, irônicas, que brincam com as múltiplas possibilidades de construção e desconstrução de personagens. A coreografia proposta por Saymon Morais é imponente, sendo um dos pontos fortes do trabalho, e se torna cômica principalmente por se opor ao estilo canastrão encabeçado pelo grupo.

O espetáculo, que começou como um trabalho de pouco mais de vinte minutos ainda no Festival de Esquetes da Companhia Teatral Acontece (Fecta), em 2010, encorpou-se, tornou-se mais firme, robusto, ao contrário da primeira temporada pós-esquete, no Teatro Sesc Emiliano Queiroz, em junho de 2011. Na época, o trabalho cresceu meio desorganizado, cheio de enxertos que não se conectaram bem com o todo. Hoje há uma nova Assassina solta por aí, que pode se impor ainda mais, confiante, pronta para matar o público de rir, como o musical esteriotipadíssimo que pegou os espectadores veteranos de surpresa.

Ficcionalizando a vida, seria esse um espetáculo direcionado a quem é de teatro ou o público comum se apropria dos dilemas típicos do fazer teatral? "O seu drama pessoal não deve estar no palco", diz o diretor (Naiane Andrade) aos seus atores-personagens. Mas, depois de cairmos em gargalhadas com as presepadas cênicas, recebemos um choque de realidade com depoimentos, dramas dos atores em suas labutas por reconhecimento. Vamos do topo ao chão em ínfimos segundos, numa queda energética que pode prejudicar o trabalho. Definitivamente, expor a vida real ensaiada e tentar torná-la crível como o cotidiano não é fácil. Esse é o maior desafio a ser enfrentado pelo grupo.

Danilo Castro

29/02/2012

Serviço] A Assassina vai estar em cartaz no dia 28 de março, o teatro do Centro Cultural Banco do Nordeste recebe a produção em duas sessões, às 15h e às 18h. A entrada é gratuita.

Visite o site do Teatro Elo.

Os pássaros fluorescentes

2012-02-27T16:00:00.012-08:00

Fada Berylune (Jéssica Teixeira) em O Pássaro Azul

Adaptar é construir uma nova obra. Faz-se tão difícil quanto a própria criação. Em O Pássaro Azul, espetáculo infantil do grupo cearense Pavilhão da Magnólia, o coletivo traz cenas ousadas e incandescentes numa adaptação (Victor Augusto) homônima a partir do texto do autor belga Maurice Meterlinck.

O universo infantil é mutante, talvez mais que o universo adulto justamente por estarmos contaminados de coisas que se tornaram arcaicas. As crianças já nascem embebidas numa contemporaneidade tecnológica incrível. No espetáculo, o Pavilhão traz valores fundantes (inclusive da cultura popular tradicional, através da musicalidade ao vivo de Marcos Venícius) para a formação de um indivíduo dentro de uma concepção fora de padrões tradicionais, mas é preciso cuidado.

Em meio ao cítrico em alto contraste com a escuridão, um teatro de imagens fluorescentes encandeia nossos olhos, que se tornam infantes, ludibriados pelo encantamento proposto. Mas, ao mesmo tempo em que a estética é o ponto forte do trabalho, talvez seja necessário dar mais precisão às mudanças de luz para que não fiquemos perdidamente imersos num mundo de iluminações superabundantes.

Achar os momentos certos para fisgar o público pode ser mais válido que bombardeá-lo com uma bela proposta luminosa. A mesma precisão que sugiro para a luz e seus tons e nuances, equiparo à necessidade de marcas e atuações talvez mais compactas ou elaboradas, não tão dispersas. Rachel Jataí (gatinha Tylete), com seu estilo caricatural e segmentado - como um desenho animado - mostra uma composição física com ações refinadas e Silvianne Lima (Maria Clara) com sua voz limpa e suave, traz uma atuação infante e bastante crível. Ambas são atrizes que se destacam no trabalho.

À direção (Nelson Albuquerque) cabe o olhar apurado para polir o potencial disperso dos atores, que têm uma energia brincante que contagia os espectadores mais exigentes: as Crianças. Sintetizar o espetáculo, reduzindo a entropia pode ser uma boa saída para canalizar a estética, que deve ser pano de fundo diante do cunho social do trabalho. Com sete espetáculos no currículo, o grupo vem se consolidando como um dos principais realizadores de teatro infantil no Ceará. Que esses pássaros multicoloridos voem cada vez mais alto.

Danilo Castro

27/02/2012

Serviço] O Pássaro Azul vai estar em cartaz aos sábados e domingos do mês de março, no Teatro Dragão do Mar, sempre às 17h. O ingresso é R$10 e R$20. Crianças até três anos não pagam e crianças acima de três anos, mesmo sem carteira estudantil, pagam meia.

Visite o site do grupo Pavilhão da Magnólia

A gêmea de Thatcher

2012-02-26T08:25:00.007-08:00

Meryl Streep e Margaret Thatcher,
a verdadeira dama de ferro

Em A Dama de Ferro, com duas indicações ao Oscar 2012 (melhor atriz e melhor maquiagem), a diretora Phyllida Lloyd consegue adentrar num universo extremamente feminino e singular, mostrando a vida da ex-primeira ministra da Inglaterra Margaret Thatcher (Meryl Streep): uma mulher determinada, de família humilde, que chegou ao poder a contragosto de um padrão social machista. É de se louvar quando ela se impõe diante de vários homens que a ridicularizam por ser mulher, ao mesmo tempo em que sua firmeza leva-a, após uma década de poder, ao descontrole.

Fazer um filme político contando a história do Reino Unido sem comprar uma causa, talvez seja o mais difícil. Ficar em cima do muro pode ser um tiro no pé ou ser extremamente necessário. Creio que o melhor da dramaturgia seja o contexto histórico, que é levantado sem se posicionar quanto às atitudes de Thatcher. Seu conservadorismo extremo e suas decisões fazem com que nos sintamos livres para amá-la ou odiá-la. O filme não induz, não julga, apenas expõe uma mulher que mudou a história do mundo ao se tornar a primeira ministra a comandar uma nação.

Sua oposição aos sindicatos, ao socialismo e decisões como manter taxas de impostos iguais para ricos e pobres ou a cruel e irrevogável batalha de retomada das Malvinas, aos meus olhos leigos, que não conheciam sua história e fazem neste parágrafo uma análise superficial, distanciaram-me dela. Doeu-me saber que as ilhas situadas em litoral argentino, mas pertencentes ao governo britânico à força desde 1833, foram alvo de uma disputa que matou mais de 600 soldados argentinos. Sim, houve proposta de negociação e concílio, mas Thatcher não aceitou.

Durante toda a trama, que começa cotidiana ao vermos a ex-ministra quase impossibilitada de comprar uma garrafa de leite numa quitanda, vamos crescendo junto ao filme, que é robusto e firme como a protagonista, mas aos poucos se revela profundo e sensível ao vermos a mãe, a esposa, os seus delírios e alucinações que o peso da idade trouxe consigo.

A veterana Meryl Streep, sem delongas, está tão bem como Thatcher, que simplesmente me esqueci de observar seu trabalho técnico de atriz. Fui fisgado e me deixei levar. Basta assistir aos vídeos da ex-primeira ministra e comparar com as cenas interpretadas por Meryl. É incrível a construção do seu trabalho.

Danilo Castro

26/02/2012

Veja o traller do filme:

Matéria publicada no caderno Vida & Arte - Jornal O Povo (26/02/2012)

2012-02-25T20:34:00.006-08:00

Seara da Ciência faz última apresentação no Centro Dragão do Mar

Com entrada franca, o Grupo de Teatro Científico Seara da Ciência encerra hoje a temporada de Cearense Por Opção: Uma Desbiografia de Rodolfo Teófilo. A montagem tem texto escrito por Andrei Bessa

Por Teresa Monteiro

Na montagem, o protagonista Rodolfo Teófilo
é interpretado por seis atores

Tendo por inspiração o livro O Poder e a Peste (Edições Demócrito Rocha, 1998), do jornalista cearense Lira Neto, o Grupo de Teatro Científico Seara da Ciência elaborou Cearense Por Opção: Uma Desbiografia de Rodolfo Teófilo. O espetáculo, escrito por Andrei Bessa, tem sua última apresentação marcada para hoje (26), às 20 horas, no teatro do Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura (Praia de Iracema).

Alternando momentos cômicos e trágicos, a montagem centra foco em um grupo de jornalistas que tenta impedir a destruição da casa onde viveu o cientista e escritor baiano Rodolfo Teófilo (1853-1932), um dos fundadores da Academia Cearense de Letras e membro da Padaria Espiritual.

Por meio de recursos em flashback, o protagonista - interpretado por seis atores - aparece em contextos inusitados, recriados com liberdade poética para retratar os acontecimentos da época, por isso o nome desbiografia.

SERVIÇO

Cearense por Opção: Uma Desbiografia de Rodolfo Teófilo

Quando: última apresentação hoje (26), às 20h.

Onde: teatro do Centro Dragão do Mar (rua Dragão do Mar, 81 - Praia de Iracema).

Entrada franca.

Outras info.: 3488 8600.

Para ler a matéria no site do O Povo, clique aqui.

O sobrado de Clarice

2012-02-22T17:06:00.006-08:00

"E as máscaras? Eu tinha medo, mas era um medo vital e necessário porque vinha de encontro à minha mais profunda suspeita de que o rosto humano também fosse uma espécie de máscara"

C. L. - Restos de Carnaval

Estátua de Clarice.
Ao fundo, o sobrado onde viveu na infância

A tarde da última sexta (17) poderia ter sido uma tarde qualquer, mas passei por um momento epifânico de amor, quem sabe, e mudei completamente o rumo do meu Carnaval, que até agora me resta, ressoando em pedaços de felicidade. Se eu tivesse pensado mais, teria desistido, provavelmente. No dia seguinte, após doze horas de viagem, estava eu em Recife, terra onde Clarice viveu boa parte da história que descobri através dos seus contos ou de “Clarice,” de Benjamin Moser, escritor que conheci no ano passado.

Um dos primeiros textos que li de Clarice foi “Restos de Carnaval”, aos 17 anos, pouco antes de entrar na faculdade de Letras. – Como eu não a conheci antes? – E, como estava eu em pleno Carnaval pernambucano, não poderia deixar de visitar a casa onde ela morou e tentar entender essa coisa doida que paira entre mim e ela, algo talvez oriundo das ruelas de lá, que se impregnaram na estrangeira recifense, pingaram nos seus textos e respingaram em mim. Num de seus escritos, ela deixou o endereço onde viveu, a partir daí fui procurar, com alguma sensação estranha de investigação, como se estivesse prestes a fazer uma grande descoberta.

Quem moraria lá depois de tantos anos da passagem de Clarice? Pensei atoleimadamente desbravador: apertarei a campainha e pedirei destemido para entrar. Clarice, pequenina, autorizaria, talvez. Ali, em frente à praça Maciel Pinheiro, na esquina da Rua da Matriz com Rua da Glória, na casa 387, que antes era 215, estava o antigo lar de Clarice se impondo sobre meus olhos. No Centro, em meio a casas seculares esguias e rachadas, encontrei o sobrado antigo de dois andares. Pensei na Clarice infante, brincando moleca por aquelas ruas, dividindo aquela casa com outras famílias, vivendo com dificuldades uma infância refugiada desde quando saiu de Tchetchelnik, na Ucrânia, perseguida por ser judia sem saber. Mas acima de tudo, ela era nordestina e fazia questão de dizer.

Na parede, uma placa-homenagem da imprensa local à escritora. O sobrado estava fechado, o térreo parecia uma loja, não sei ao certo. Em frente, uma estátua de Clarice sentada a datilografar ao lado de uma fonte pomposa. Ao redor, diversos mendigos viam o tempo passar, crianças banhavam-se na fonte, roupas eram estendidas na grama. O lugar é sujo, escuro. O Centro de Recife é úmido, sombrio e, talvez por ser uma manhã de Carnaval, com ruas ainda vazias, aquelas pessoas invisíveis aos pés de Clarice se destacaram aos meus olhos. Na Várzea, bairro periférico onde me hospedei, vi blocos de meninos vestidos de mulheres e meninas com roupas esquisitas, improvisadas, brincando destemidos com quem passava na rua. Lembrei da fantasia de papel crepom que Clarice usou, em pequena, feita com os restos da fantasia de outra menina, e rememorei meus carnavais pelas ruas de calçamento de Flecheiras.

O Carnaval de Pernambuco deixou restos em mim. Restos de uma folia democrática que ainda não tinha visto nessas proporções. Restos de uma Clarice que ainda não conhecia me apregoaram como quando li seus primeiros escritos ou quando vi Beth Goulart em “Simplesmente Eu, Clarice Lispector”. Lá, vivi dias em que pude ser moleque desavergonhado, em que pude sorrir e conversar com qualquer pessoa. Ali, em meio a papangus misteriosos, serpentinas, fantasias bizarras, criatividade, frevos e marchinhas, senti mais ainda que todos somos iguais e que Clarice, afora toda a divinização da sua figura, também era apenas um de nós.

Danilo Castro

22/02/2012

A secura labiríntica da Separação

2012-02-11T19:11:00.000-08:00

Peyman Moaadi em A Separação

É um filme seco. Sem pompas poéticas, efeitos especiais, música. Em A Separação, Asghar Farhadi (roteirista, produtor e diretor do filme) trabalha a essência de uma dramaturgia daquelas que vão fisgando a cada minuto e quando as coisas parecem impossíveis, mais nós são propostos dentro de uma trama humana e cotidiana. A câmera solta e os diálogos mal acabados reforçam a simplicidade proposta. Não sabemos o que houve na vida do casal iraniano Simin (Leila Hatami) e Nader (Peyman Moaadi) para culminar naquilo, nem saberemos qual será o seu destino. É uma história comum, eivada de mentiras, verdades, desconfianças, desilusões, segredos e fé. Mas é uma rasteira para quem espera uma discussão centrada na vida de um casal. A profundidade que os temas alcançam envolvem diversos outros personagens, que tornam o enredo cada vez mais labiríntico. A Separação não é lá, nem cá. É quase, é o momento inexato em que duas partes se descolam. O filme é opaco, mas aí mora seu brilho. É um recorte entre dois mundos, habita algum lugar entre a união e a distância de dois seres.

Danilo Castro

12/02/2012

Fique por dentro] Dentre as premiações que o longa recebeu, destacam-se as do festival de Berlin 2011. Urso de prata de melhor atriz (Sarina Farhadi, Sareh Bayat, Leila Hatami), Urso de Prata de melhor ator (Shahab Hosseini, Peyman Moadi, Asghar Farhadi), Urso de Ouro para Asghar Farhadi. Separação foi o primeiro filme da história a ganhar três Ursos no Festival de Berlim.

Veja o traller do filme:

Depois que a coisa toda começou

2012-02-05T04:48:00.000-08:00

Patrícia Selonk em, Antes da Coisa Toda Começar

A discussão não é segmentada. Dentro das histórias pitorescas e comuns ao mesmo tempo, encontramos os pontos de conexões com as nossas histórias, são experiências humanas e universais. Quem nunca viveu seus momentos de existencialismo suicida? Somos ou já fomos jovens e vivemos ou vivíamos nossos deslumbres com sonhos impossíveis que, com o peso do tempo, metamorfosearam-se numa crise estranha que nos arrebata em algum momento depois que a coisa toda começou.

Antes da Coisa Toda Começar, da Companhia Armazém de Teatro, traz um grandioso espetáculo dentro de uma discussão extremamente intimista proposta pelos dramaturgos Paulo de Moraes e Maurício Arruda Mendonça. Essa noção de espaços e tamanhos entre forma e conteúdo me levaram a um questionamento pueril e ousado. Seria essa a melhor forma de dizer?

O espetáculo é literalmente um show, com uma maquinaria cenográfica incrível, concertos a la rock and roll (direção musical de Ricco Viana), iluminação hiperbólica e ofuscante, projeções conectadíssimas com a concretude cênica. Mas essa superabundância sígnica ou esse caos imagético, num enredo que talvez caminhe e nos leve junto a outra vibe, causaria um estranhamento não calculado? Ou isso tudo faz parte do nosso universo contemporâneo, onírico, fragmentado, urbano, em estado de transe, sob efeito de doses de absinto?

Ao mesmo tempo, depois que a coisa toda começou a andar, contrapus-me com outras reflexões. O cenário, apesar do seu gigantismo, não é, em nenhum momento, um mero apetrecho cênico. Além da usabilidade, ele nos comunica impressões, sensações e é uma marca do grupo. Por ser mutante e carregar um aspecto rígido e pesado, mas ao mesmo tempo com uma leveza e flexibilidade, esse gigantismo não pode ser confundido com um caráter espetaculoso e vazio.

O teatro cearense muitas vezes opta pelo “teatro pobre” (no melhor sentido da expressão) em virtude do pouco apoio às artes cênicas no nosso Estado e das dificuldades de financiamento. Talvez isso tenha colaborado com montagens mais sintéticas, práticas e que não precisam de um mundo de aporias para comunicar sua essência.

A montagem do grupo reforça ainda mais uma identidade criada na sua trajetória de 24 anos, que começou no Paraná e hoje está consolidada nacionalmente. Que o Theatro José de Alencar continue trazendo bons projetos a preços acessíveis para dialogar com a cena e o povo fortalezense.

Danilo Castro

05/02/2012

Veja o traller do espetáculo:

Dica] O espetáculo ainda está em cartaz hoje (5/02), no Theatro José de Alencar, às 20h. O ingresso custa R$ 20 a inteira e R$ 10 a meia. Vale a pena conferir. Para saber mais detalhes sobre o trabalho do grupo, visite o site da Companhia Armazém de Teatro.

Cearense por Opção encerra temporada no Teatro Dragão do Mar

2012-02-02T16:49:00.002-08:00

Aline Sampaio e Raquel Mendes em
Cearense por Opção

O Teatro Dragão do Mar de Arte e Cultura recebe novamente o espetáculo “Cearense por opção: uma desbiografia de Rodolfo Teófilo”, do Grupo de Teatro Científico Seara da Ciência. As sessões desta temporada aconteceram aos domingos de fevereiro (exceto dia 19), sempre às 20h. A última apresentação é domingo (26) e entrada é franca.

A história conta que um grupo de jornalistas tenta impedir a destruição de um patrimônio histórico, a casa onde viveu Rodolfo Teófilo. Com recursos de falshbacks a ilustre figura de Rodolfo aparece em contextos inusitados. Tudo com liberdade poética para recriar os acontecimentos da época, por isso é utilizado o nome "desbiografia". A narrativa mescla tons cômicos e trágicos.

O texto de Andrei Bessa é inspirado no livro “O poder e a peste” do jornalista cearense Lira Neto. O espetáculo utiliza uma linguagem acessível e atual, onde os atores Thiago Maia, Felipe Sales, Danilo Castro, Aline Sampaio, Raquel Mendes e o próprio Andrei vivem o protagonista.

Rodolfo Teófilo foi cientista e escritor. Um de seus maiores feitos foi a campanha de vacinação contra a varíola (doença que vitimou milhares de cearenses na passagem do século XIX para o XX) e foi um dos fundadores da Academia Cearense de Letras e membro da Padaria Espiritual.

Grupo de Teatro Científico Seara da Ciência

O grupo é um órgão da Universidade Federal do Ceará (UFC), que tem o intuito de popularizar a divulgação da ciência. Teve início na Seara da Ciência no ano 2000, quando foram encenados quatro monólogos: “Lavoisier”, “Einstein”, “Darwin” e “Seara da Ciência”.

O termo Teatro Científico é utilizado para que os espetáculos não sejam confundidos com Teatro Pedagógico, que tem o objetivo de moralizar o público. No Teatro Científico a arte entra como uma estratégia de comunicação, para aproximar o público do universo da ciência, que muitas vezes está distante das pessoas.

Serviço] O quê: Espetáculo "Cearense por opção: uma desbiografia de Rodolfo Teófilo"
Quando: Dias 5, 12, 26 de fevereiro, sempre às 20h
Onde: Teatro Dragão do Mar
ENTRADA FRANCA

Os (in)cômodos de Ivanov

2012-01-30T07:31:00.000-08:00

Cena de Ivanov, do Teatro Máquina

Parece-me que Ivanov, do Teatro Máquina, acomodou-se bem melhor em cômodos. No palco, ainda que o público seja posicionado bem próximo à cena e, por causa disso, invadimos - como se fôssemos espiões - a intimidade do casal que um dia já foi feliz, definitivamente não é a mesma coisa. Há uma grande e encantadora diferença quando quando nos inserimos em ambientes de um casarão do século XVIII.

Ali, entre paredes espessas e um pé direito enorme, entranhamos de vez na vida daquele casal doentio. Somos como fantasmas onipresentes, sentimos os cheiros, o calor, o vento que balança as folhas das árvores, percebemos os sons e a beleza de suas barreiras e ecos quando emitidos de locais diversos num casarão secular, coisa que o palco provavelmente nunca nos ofereceria com tanta nitidez e realidade que só a vida possui. Vivenciamos uma percepção completamente diferenciada e talvez mais próxima do próprio Ivanov depressivo de Tchekhov. Os meus incômodos quanto ao naturalismo em palco da versão original diluíram-se quando o Máquina tornou-se vida quase real na Casa de Juvenal Galeno.

Entretanto, não sei o porquê, a figura de Gavrila (Loreta Dialla) ofuscou-se, não me chegou como um "à parte" estranhíssimo, e o estratégico incômodo das taças tilintando prestes a estourarem no chão mal aconteceu, uma pena. Além disso, ainda com as epifanias por quais as personagens passam e com a projeção audiovisual de um passado não muito distante - traços estilísticos muito bem propostos - senti no casarão um outro Teatro Máquina.

Diante de espetáculos que trabalham de alguma forma com maquinarias, um estranhamento mais evidente ou cenas com a ficção esfacelada, e de outras características que se firmaram como identidade do grupo, a exemplo do cenário original de Ivanov, do futurismo com os patins de "Leonce + Lena" (2005), da manipulação de "O Cantil" (2008), das repetições de "Répéter" (2009), do jogo de encaixes com o cenário de "João Botão" (2011), como provocação me questionei: na nova versão de Ivanov, onde está a máquina do Máquina?

Danilo Castro

30/01/2012

Dica] A casa de Juvenal Galeno funciona de segunda à sexta, das 8h às 12h e de 14h às 17h. A visitação e a utilização dos espaços é gratuita, mas necessita de agendamento prévio através do telefone: 32523561. Outra dica é que espetáculo estará em cartaz na versão original aos domingos de fevereiro no palco principal do Theatro José de Alencar. Para ter mais informações, conheça o Diário Ivanov, do Teatro Máquina.

A aula cênica de Maurice

2012-01-28T11:53:00.000-08:00

Ator Maurice Durozier na conferência "Palavra de ator"

Às vezes uma discussão se faz extremamente banal e pertinente ao mesmo tempo. É capaz de ser pueril, mas atingir em essência. Não é incrível ou inovadora, mas é renovadora. Aquilo que já sabemos e pouco discutimos justamente por “já sabermos” é levado tão a sério e é tão fundamental, que sempre se torna novo.

Após um café da manhã compartilhado entre artistas locais, Maurice Durozier, ator da companhia francesa Théâtre du Soleil, apresentou uma discussão cênica numa espécie de leitura didático-dramática que aconteceu hoje (28/01) no Theatro José de Alencar. O ator veio a convite da Vila das Artes, equipamento da Prefeitura de Fortaleza.

A aula intitulada “Palavra de ator”, beirou uma palestra cênica, com participação de atrizes locais que conduziram os ensaiados questionamentos leigos, ingênuos, mas francos e fundantes. O ator contou trechos de sua trajetória, transitando do existencialismo artístico ao mais básico conceito teatral da relação entre ator e personagem ou entre vida e ficção.

Ele versou sobre a importância da experimentação quando se é jovem e sobre o direito de errar que compreendeu ainda mais após a aproximação com os métodos do visionário Antonin Artaud e seu "Teatro da Crueldade", ritualístico e totalizante. Maurice também repudiou o narcisismo artístico, quando ator expõe o ego à frente da persona e faz-se sem credibilidade. Então me lembrei da célebre frase de Stanislavski que deveríamos tê-la como mandamento. “Ame a Arte que há em você. Não você na Arte”.

Dica: A atriz fortalezense Christiane Góis esteve na França recentemente em residência no Théâtre du Soleil. Para conhecer mais das suas experiências, visite o blog Residencial Soleil.

Saiba mais] Abhinaya: um teatro de códigos gestuais e emoções

Durante a conferência, Maurice deixou mais uma vez evidente sua forte influência oriunda do teatro tradicional indiano, o Abhinaya. Com algumas demonstrações técnicas, vimos que cada gesto significa um estado psicológico, uma emoção, das mais leves às mais intensas e profundas. Esses códigos são transmitidos pelos atores ao público, que já traz uma carga de conhecimento sobre a composição visual e compreende as correlações de forças na atuação coreográfica indiana.

Abaixo um vídeo da atriz e pesquisadora Silvana Duarte em uma cena do espetáculo “Kuruyadunandana do guru Kelucharam Mohapatra” (não encontrei a tradução), no estilo Abinaya, onde a intensa paixão é o exemplo que o poeta Jayadeva ( autor do escrito que serviu como ponto de partida para o espetáculo) usa para expressar a complexidade do amor humano e divino.

Danilo Castro

28/01/2011

Fonte da pesquisa: Padmaa Arte e Cultura

Ator do Théâtre du Soleil volta à Fortaleza

2012-01-21T05:18:00.000-08:00

Maurice Durozier, ator do Théatre du Soleil. Fonte da foto.

A ligação de Maurice Durozier, ator da companhia francesa Théâtre du Soleil, com o movimento teatral em Fortaleza parece que deu certo. Pela quarta vez no Ceará, o ator do "Teatro do Sol" volta à terra da luz, dessa vez a convite da Vila das Artes em parceria com o Instituto de Cultura e Arte da Universidade Federal no Ceará (ICA-UFC). O intuito é realizar debates, exibição de filmes e apresentações.

De 25 a 27 de janeiro, serão exibidos filmes na Casa Amarela Eusélio Oliveira (Av. da Universidade, 2591, Benfica) sobre os espetáculos do Théâtre du Soleil (“Le Dernier Caravansérail”; “Espetáculo Les Éphémères”), sempre a partir das 14h. Haverá apresentação e debate com o público.

No dia 28, sábado, Maurice apresentará a conferência-espetáculo “Palavra de Ator” no Theatro José de Alencar, 10h. O ator falará sobre o que lhe foi transmitido nas relações que fez durante sua carreira com atores, encenadores e artistas pelo mundo.

As vagas são abertas ao público, gratuitas e limitadas. Para participar, clique aqui e se inscreva.

Mais informações: (85) 32521444 e no blog da Vila das Artes.

Conheça o site do Théâtre du Soleil

Retornar sem resquícios

2011-12-19T13:14:00.000-08:00

Elvis Jordan e Larissa Cândido em "O Pagador de Promessas"

Uma das maiores dificuldades em espetáculos de formação é encontrar os consensos, já que a união é estabelecida pela burocracia de uma relação de turma que se formou e está unida por obrigação e não de maneira instintiva ou com intuito de confluir os mesmos ideais, como acontece em grupos. Depois de dois anos da primeira apresentação, o espetáculo “O Pagador de Promessas”, antes da 10ª turma do Curso Superior de Tecnologia em Artes Cênicas, hoje do grupo O Pagador, mantém-se vivo. Um bom exemplo para futuras montagens do curso de Licenciatura em Teatro do Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do Ceará (IFCE).

Infelizmente as comparações serão sempre inevitáveis. Se anteriormente Fernando Lira (diretor) trouxe a concepção de duplicidade dos personagens, onde dois atores dividiam uma mesma persona e isso, apesar das dificuldades, era o ponto forte do trabalho, hoje, por opção do grupo, há um grande desafio a ser enfrentado pela nova roupagem, pelos novos atores novos. É agora que cada ator tem a liberdade de não se enquadrar num molde pré-estabelecido por atuações anteriores.

Os personagens são independentes, individuais e livres dentro da criação de cada artista. Além disso, não há estilo vocal ou corporal a ser compartilhado com o seu duplo, portanto, que novos fluidos brilhem além da versão anterior. Um bom começo talvez seja não tomá-la como maior referência e estudar o texto original, não o adaptado. Com a musicalidade popular (direção de Simone Sousa), também ponto fortíssimo do trabalho, penso diferente. Não se deve jogar fora o que foi conquistado e buscar algo novo. A música pode e deve preencher ainda mais o espaço cênico como já fez um dia.

O texto de Dias Gomes e de diversos grandes dramaturgos é construído em cima de uma “linha quase-melódica” que oscila entre os mais graves e agudos, traz entretons e nunca cai numa monocórdia. O espetáculo consegue se escorar na potencialidade textual e na simultaneidade cênica proposta pelo diretor, mas é preciso que parte dos atores não se entregue de vez à cena. É preciso encontrar como revelar um pouquinho mais de cada personagem a cada entrada, porque há de se descobrir a riqueza da complexidade das almas em cena e não apenas expô-las para apreciação superficial. Um autor joga pretensiosamente fagulhas antes de incendiar um enredo. Se em minha primeira cena eu revelo tudo que sou, poderei não despertar mais interesse até o fim do espetáculo, entrarei em chamas e virarei cinzas. Há também curvas dramáticas (ou “linhas quase-melódicas”) que cada ator deve construir para além do todo. O ator é o dramaturgo de si mesmo.

Talvez não faça mais sentido duplicar o Zé do Burro (João de Lima) apenas para resgatar o que já existiu, mas encontrar a maneira correta de inserir o mesmo ator na sua lembrança e de continuar coisificando-o em cruz sem a necessidade de outro ator (também Zé do Burro) carregando-o para reencontrar uma cena construída outrora. Se foi possível na famosa “Cena do Pesadelo”, por que não estender a toda a nova concepção?

Quando o trágico, o sóbrio, o erótico ou qualquer outra característica sensitiva proposta torna-se risível (e não cômica) por fugir das rédeas do espetáculo, há de se repensar certas cenas ou assumir de vez essas características, transformando-as em cômicas. Como a “Cena do Lundu” e a “Cena do Monsenhor”, que despertam risos descontextualizados no público.

Elvis Jordan (Sacristão e Carijó) deu um salto incrível na firmeza da atuação em relação à versão anterior, trouxe personagens sólidos e opositores em breves participações. Larissa Cândido (Repórter), Amidete Aguiar (Minha Tia), Jennifer Suzana (Beata - com suas ações bem elaboradas e precisas) continuam trazendo grande destaque ao trabalho. Circe Macena (Dedé Cospe Rima e Iansã) e Marcelo Freitas (Galego), apesar de serem inéditos no elenco, são um bom potencial pela energia contagiante e pela criatividade na recriação de suas personagens. Creio que seja necessário que “O Pagador de Promessas” supere os resquícios do que já foi e consolide-se de vez com o novo e tradicional olhar encabeçado pelo grupo.

Danilo Castro

19/12/2011

Acesse o blog do grupo O Pagador.

O espetáculo torto

2011-12-04T18:55:00.000-08:00

Giordano Castro em "1 Torto"

A necessidade de um ambiente preparado para que seja cênico um trabalho me é quase natural. Acho que isso talvez seja o que me afastou. Uma sala comum, com cadeiras comuns, sob luzes comuns me deixaram inerte. Na penumbra, no lugar atmosfericamente preparado para o ritual, diante do cênico, do figurino, do cenário (e não necessariamente do espetaculoso), prendo-me mais, acho. “1 Torto”, do grupo pernambucano Magiluth, é um trabalho claro. Mas o claro não me deixa mergulhar no depósito de aporias proposto, onde as máscaras mal se impõem, onde a vida de Giordano Castro, sob a direção de Pedro Wagner, é o mote para o espetáculo. Esse pessoalismo é a prova de que nossas vidas são potenciais para a arte. O fluxo de idéias inconclusas ou desconexas costuram um trabalho de retalhos estranhos e interessantes de serem vistos. É um espetáculo torto, sem nenhuma ironia de minha parte agora, pois tem mais um aspecto de exercício e, que bom, propõe-se a isso, ao inacabado, ao espontâneo. Não seria legal se a proposta tentasse ser megalomaníaca e não perdesse a característica de ensaio. É porque a gente tem uma necessidade de ver o extracotidiano em cena. É o costume que temos de querermos a convenção. “Eu fico me perguntando se o espetáculo já não começou lá fora”, se quando eu comprei meu bilhete aquilo já não era um pedaço do espetáculo que só eu tive acesso. Talvez nossas vidas sejam pedaços de um grande espetáculo. Talvez “1 Torto” também seja isso.

Danilo Castro

05/12/2011

Abaixo segue um vídeo com trechos do espetáculo:

Conheça o blog do Grupo Magiluth.

Memórias póstumas do menino morto

2011-12-03T14:04:00.000-08:00

Inspirado pelo vídeo do Samuel Brasileiro, resolvi contar um pouco da minha história através de algumas imagens que são muito representativas pra mim. Não sei se isso é exposição demais da minha vida, mas não é gratuito. Nossas vidas também são histórias em potencial para a arte. E a arte é transformadora. São momentos que revejo e me fazem muito feliz. O título é redundante, eu sei, mas é proposital. A música é "Valsa de Retalhos", do instrumentista cearense Marco Leonel Fukuda. O áudio da narração não ficou muito bom, mas também acho bonito esse aspecto amador da edição. Enfim, sem justificativas eufemistas, assistam:

Assista também ao vídeo do Samuel.

O imprevisível fluxo de Vida

2011-11-08T19:16:00.000-08:00

Ranieri Gonzalez, em Vida., da CBT

A incoerência é algo tão coerente, que, num piscar de olhos, a gente se entrega sem medo ao ilógico. O cotidiano é assim, desestruturado, desarrumado e a gente teima em estruturar o mundo e não se permitir à beleza da confusão pansemiótica que se faz, desfaz-se e refaz-se todos os dias diante dos nossos olhos, ouvidos, pele, nariz, psique. Vida., da Cia. Brasileira de Teatro (CBT), de Curitiba, é assim: um texto sem pontos finais e com muitas, muitas vírgulas, onde a palavra se concretiza numa brincadeira linguística na boca dos atores, que, antes de qualquer coisa, entregam-se como seres humanos se entregam ao suicídio, sem pensar, porque o suicida quando pensa demais, desiste. Raciocinar é um tiro no pé. Incoerentemente, aqui a reflexão não se faz importante, mas permitir-se à ilogicidade cênica tão verossímil quanto a própria vida. Vida. é um pulo no abismo, é caótico e arrebatador. São duas horas que nos levam a um vácuo no tempo, no espaço, e simplesmente nos deixamos fluir, como uma criança seduzida por guloseimas. Vida. é o enaltecimento do fluxo da consciência em contrassenso aos estruturalistas. As atrizes Giovana Soar e Nadja Naira e os atores Ranieri Gonzalez e Rodrigo Ferrarini mais parecem performers por entregarem-se ao trabalho com trechos de suas próprias vidas. Quatro músicos exilados numa sala sem janelas, de uma cidade que não sabemos qual é, tecem pensamentos que se entranham uns nos outros e se perdem neles mesmos. Com texto e direção de Márcio Abreu, Vida. é um trabalho com características essencialmente pós-dramáticas. Imagético, superabundante, musical, corpóreo, simultâneo, estranho e sem a convenção aristotélica início-coerência-nó-clímax-desenlace. É absurdo como os textos de Beckett ou Ionesco e cruel na medida em que as coisas não se justificam. É uma ruptura elaboradíssima da convenção. É um mergulho dramatúrgico ou des-dramatúrgico e colaborativo nas profundezas populares peneiradas do erudito texto Leminskiano. Vida., deveria chamar-se Vida,, com uma vírgula ao fim, em vez de um ponto final.

Danilo Castro

9/11/2011

Abaixo, um vídeo onde o grupo comenta um pouco do processo de construção do espetáculo.

Conheça o site da Cia Brasileira de Teatro.

Febre gelada

2011-11-05T20:51:00.000-07:00

Hermila Guedes em "Essa Febre Que Não Passa"

Adaptar é tão difícil quanto criar. Na verdade não há adaptação que não seja uma criação. Partir de um texto para gerar uma obra cênica é traduzir não apenas replicando o que está escrito para a concretude do real, até porque seria impossível se não fosse assim, mas descobrir com maestria onde a palavra se faz gesto, imagem, e dilui-se para dar vida à luz, ao som, ao beijo, ao choro é fundamental nesse processo de transcrição criativa.

“Essa Febre Que Não Passa” é uma adaptação do coletivo pernambucano Angu de Teatro, que partiu do texto homônimo de Luce Pereira, dando vida material à obra. Diga-se de passagem, com uma roupagem bastante pessoalista, com histórias íntimas das próprias atrizes que hora ou outra se confundem com as personagens. Essa aproximação é interessantíssima até mesmo para evidenciar que o processo criativo é colaborativo e, consequentemente, deshierarquizado, onde todos são coautores da história.

Com um caráter genuinamente feminino, o espetáculo se mostra bem construído em cima de belas cenas imagéticas, mas talvez o excesso do caráter narrativo cause um certo distanciamento, uma ruptura que nos afasta da febre. O calor não me acometeu porque as personagens mais contavam que viviam suas histórias. Quando a gente vê o personagem arder, doer, sofrer, viver, em vez de vê-lo contar que ardeu, doeu, sofreu, viveu, nos aproximamos muito mais do seu íntimo.

O espetáculo traz um jogo cenográfico em projeções e tecidos que compõem e ambientalizam as histórias, mas que não me comunicaram muito para além de uma boa ideia inserida no espetáculo. Senti a necessidade de ver o cenário mais conectado com as atrizes, com as histórias em vez de vê-lo como ambientação. É bem subjetivo e talvez pessoal esse meu comentário, mas senti que faltou coesão no trabalho como um todo. Queria que fosse impossível assistir uma das cenas sem o cenário, mas é quase como se ele não me fizesse muita falta apesar da boa e prática ideia. Digo o mesmo em relação à musicista com o imenso violoncelo. Se o som fosse mecânico e não tivéssemos sua figura diante de nós, não faria tanta diferença, por vezes ela some, mesmo com toda expressividade do seu som e do próprio violão. É uma figura mal aproveitada. Como a tela branca que não é utilizada ou o batom vermelho que não se torna carne ou sangue no corpo da atriz.

Essa Febre Que Não Passa não é daquelas que chegam aos 40 graus, infelizmente. Talvez por ser um espetáculo novo, as atrizes se mostram disponíveis, mas não entregues por inteiro à cena. Ceronha Pontes, Hermila Guedes, Hilda Torres, Márcia Cruz, Mayra Waquim e Nínive Caldas sob a direção de André Brasileiro e Marcondes Lima ainda podem descobrir um caráter mais visceral, suado, onde o vermelho realmente aguce nossa vista, onde não somente a delicadeza feminina possa ser explorada no texto de Luce, até porque as próprias personagens se mostram bem mais ambíguas e cheias de possibilidades. O espetáculo ainda é um potencial de intensidade mal aproveitado, mas que pode sim ser mais.

Visite o blog do Coletivo Angu de Teatro!

Danilo Castro

06/11/2011

Do cotidiano à poesia

2011-10-29T20:22:00.000-07:00

Espetáculo de dança Alaksa

Alaska, espetáculo de dança da coreógrafa argentina Diana Szeimblum, silenciou-nos até o mais possível íntimo. Era impossível não se deixar fisgar. Quatro bailarinos e dois músicos preencheram o maestroso palco principal do Theatro José de Alencar na 8ª Bienal Internacional de Dança do Ceará. Mas o que havia de diferente no trabalho do grupo se a iluminação era tão simples, se o cenário não passava de algumas poucas cadeiras numa arena branca, se os figurinos eram tão comuns que nem pareciam figurinos? Bem, quando Grotowski, famoso teórico teatral, clama “Em Busca de um Teatro Pobre”, é disso que ele fala. De um trabalho onde o foco está nos atores, bailarinos, performers ou artistas cênicos. Quando se cai na armadilha das pompas cenográficas e nesse embelezamento ludibrioso, é possível que se perca a essência do espetáculo. Em Alaska, o interessante é perceber que os pontos mais triviais das relações humanas começam com simples trocas de olhares e pequenas ações, mas transcendem em poesia, extrapolam as barreiras dos clichês da dança contemporânea e, o melhor, não precisam de mais nada além de excelentes bailarinos em cena, virtuosos, entregues à dança como se aqueles momentos lhe fossem os últimos momentos possíveis para exercerem seus ofícios. O espetáculo lembra em alguns momentos o trabalho da bailarina alemã Pina Bausch, famosa pelo conceito “Tanztheater” (Dança-Teatro), onde seus bailarinos dançam a vida cotidiana e brincam com a repetição de sons e movimentos. A Dança-Teatro é a dança com efeito de teatralidade. No trabalho de Pina, e também no de Diana, isso é revelado na expressividade de movimentos que oscilam entre cotidianos e abstratos, fortemente marcados pela repetição de gestos dentro de um contexto narrativo. Nós, atores e atrizes, temos que vivenciar mais a dança, não só assistindo espetáculos, mas fazendo oficinas, cursos, treinamentos, porque o corpo consciente e preparado para a cena muitas vezes fala bem mais que a voz no nosso típico "teatrão".

Saiba mais sobre a 8ª Bienal Internacional de Dança do Ceará

Danilo Castro

29/10/2011

Arte para virar o mundo ao avesso

2011-10-23T18:59:00.000-07:00

Danilo Castro em cena do curta Rua de Brilhantes

Um ator que não vive a vida, não ganha subsídios para reproduzi-la cenicamente. Um ator que não se desamarra dos seus estigmas, oferece-se limitado à arte. E, definitivamente, a impossibilidade de transgressão tem caminho contrário ao da criação. Como ser artista sem se doar por completo? Como fazer arte sem pensar na sua função transformadora? Com o decorrer dos meus trabalhos com o teatro, venho percebendo quão importante é pensarmos na arte para além do entretenimento, pensarmos nela como ferramenta de combate por um mundo mais justo. E não é necessário um discurso panfletário para isso. Basta que sejamos cidadãos, críticos, com pensamentos coerentes, com respeito às diferenças.

Esse caráter social naturalmente veio se revelando em Revoar, espetáculo em que enfrentávamos a violência sexual contra crianças e adolescentes, em Uma rapadura, 3 atores & uma História, onde fazemos uma campanha de incentivo à leitura, em O Pagador de Promessas, onde o sincretismo religioso e a crítica à imprensa sensacionalista foram temas evidenciados no texto do Dias Gomes, dentre outros trabalhos que me dão orgulho como artista.

Os grupos Coletivo Cambada e 3x4 de Teatro trabalharam conjuntamente produzindo curtas-metragens para o 5º For Rainbow - Festival de Cinema e Cultura da Diversidade Sexual, que tem realização do Centro Popular de Cultura e Ecocidadania (Cenapop) com apoio do Governo do Estado do Ceará, da Prefeitura Municipal de Fortaleza através da Secretaria de Cultura de Fortaleza, Banco do Nordeste do Brasil, Casa Amarela Eusélio Oliveira e Universidade Federal do Ceará (UFC).

Assim nasceu o “Rua de Brilhantes”, um curta que fala de sonhos, que mostra os desejos de travestis que só tiveram a rua como oportunidade de sustento. Sonhos calados por uma sociedade que as oprimiu em todas as fases de suas vidas. Como exigir que elas saiam das ruas, se ninguém dá emprego a uma travesti? Como exigir que elas estudem se, na prática, elas não são aceitas em escolas? Até mesmo em ambientes acadêmicos, onde há um falso cosmopolitismo, elas são alvo de discriminação, como me disse Luma Andrade, primeira travesti com doutorado do Brasil, quando tive oportunidade de entrevistá-la no início do ano. Como querer que sejam delicadas e sociáveis, se a igreja e a comunidade as excluem ou taxam-nas de anormais? Se elas são violentadas verbalmente, agredidas fisicamente e muitas vezes só têm a noite como morada? Nada mais natural do que ter a agressividade como instinto de defesa. É uma relação de causa e consequência, não de vilão e vilania.

O dever de visibilizar os LGBTs (Lésbicas, Gays, Bissexuais, Travestis e Transexuais) não pode ser visto como um incentivo à perversão ou ao “homossexualismo”*, absolutamente. A orientação sexual e a identidade de gênero independem de raça, religião ou classe social. Temos que pregar o respeito e o convívio com as diferenças, por isso a importância de visibilizar os oprimidos. Viver por uma noite a Virgínia Lispector (nome da personagem) era algo inimaginável pra mim até que me surgisse a oportunidade. O mais fácil era dizer não. Não por preconceito, mas por não me achar suficientemente capaz de carregar a alma densa de uma travesti em tão pouco tempo. E não é fácil. Sair na rua carregando no corpo o signo da diferença me tornou um bicho para apreciação, motivo de chacota ou apetrecho sexual. Imagine quantas mil coisas diferentes passaram na minha cabeça. Sentir-me travesti foi um baque, eu achava que sabia de todo o preconceito que elas vivem, mas depois de me passar por uma, entendi pelo menos um pouco que é bem mais complexo tudo isso. A prostituição acaba sendo vista quase como uma fase obrigatória na vida de uma travesti. Mas sabe o que elas mais querem? Casar com um homem bom, ter filhos, estudar, ter uma profissão digna. Coisas que a maioria das mulheres desejam. Mas esses sonhos simples são praticamente impossíveis quando se tem uma identidade de gênero diferente do sexo biológico, quando se tem um comportamento diferente daquilo que é imposto como padrão.

Mas com tantos bons atores para fazer esse papel, por que eu? Bem, a concepção proposta é de uma travesti que “canta” em Libras (Língua Brasileira de Sinais), então logo lembraram de mim devido a minha fluência no idioma. Tomei isso como uma missão, era impossível negar. Viver esse trabalho me transformou. Agora desejo que a exibição desse curta seja capaz, pelo menos um pouco, de transformar o público também. Quando resolvi ser artista, nunca imaginei que isso poderia ser uma ferramenta valiosíssima para virar o mundo ao avesso, atordoar nossas próprias convenções, hoje não consigo não pensar nisso.

Exibição: 29 de outubro, 18h, na Casa Amarela – Av. da Universidade, 2591, Benfica. - Entrada Franca.

Direção de Andrei Bessa

Danilo Castro como Virgínia Lispector

Assistência de Direção de Silvero Pereira

Argumento de Gyl Giffony e Andrei Bessa

Operação de Câmera por Luciana Gomes

Maquiagem e caracterização por Bernardo Vitor
Trilha sonora de Ayrton Pessoa (Bob)

Supervisão de Valdo Siqueira e Luciana Gomes

Para finalizar, indico o vídeo abaixo de um artista plástico francês, JR, que descobriu na arte uma forma incrível de intervir no cotidiano e, de alguma forma, transformar a vida de muitas pessoas.

*o termo "homossexualismo" foi abolido e deve ser substituído por "homossexualidade", já que o sufixo "ismo" também é utilizado para designar patologias.

Anacrônico Otelo

2011-10-15T06:35:00.000-07:00

Ana Paula Prudêncio em Otelo, do Coletivo Cambada*

Trabalhar com teatro é conseguir domar o tempo, utilizando-o e ressignificando-o nas suas mais diversas formas de expressão. O ritual teatral acontece numa experiência para além da cronológica e cotidiana vida. No momento em que entramos em contato com a cerimônia onde público e artistas compactuam do fenômeno artístico, o que acontece nesse entremeio do que é apresentado e o que é recebido, isso sim é o teatro, uma nova realidade que nós artistas e espectadores temos o poder de criar.

Com pouco tempo de carreira, o jovem grupo de jovens mostra-se sólido, com maturidade suficiente para conquistar gregos e troianos devido à propriedade evidenciada no espetáculo. Mais de um ano de processo foi essencial para que o coletivo atingisse esse resultado. Como Yuri Yamamoto disse certa vez, temos hoje em Fortaleza uma “Cambada de talentos” sedentos pela expressão e parece que o grupo pariu uma bela contradição estética para expor o pensamento de Shakespeare.

A presença de Joca Andrade (diretor), com sua experiência, concatenou todo aquele talento que talvez estivesse dissipado em tanto potencial nas figuras de Raquel Mendes (Rodrigo e Bianca), Jonathan Pessoa (Otelo), Andrei Bessa (Cássio), Ana Paula Prudêncio (Emília), Thalita Lopes (Desdêmona) e Walmick Campos (Iago). Extrapolando as próprias possibilidades, o grupo encontrou suas rédeas.

Otelo - O Mouro de Veneza, de William Shakespeare, ganhou nova roupagem no trabalho do Coletivo Cambada, que criou um clássico fora do tempo. É um texto tradicionalíssimo, numa estrutura dramática conservadora (apresentação-coerência-nó-clímax-desenlace) e que nos leva à catarse aristotélica muitas vezes negada ou repudiada pelo teatro contemporâneo. Isso porque às vezes “falta um domínio do teatro tradicional. As pessoas experimentam sem conhecer o que veio antes, então fica um pouco falso, apenas ilusoriamente experimental. Há uma preocupação em ser original que fica superficial”, disse Bárbara Heliodora numa entrevista para a Folha.

É muita pretensão tentar criar um épico sem característica dramática. Precisamos lembrar que o texto dramático muitas vezes também se mostra épico, narrativo, distanciado, crítico (o coro das tragédias ou o alívio cômico dos textos medievais podem provar isso) e vice-versa. O distanciamento não surgiu com Brecht, o teórico sistematizou seu uso como técnica e o Cambada soube aproveitar essa sistematização dentro do conservadorismo e convenções dramatúrgicas encontradas no texto shakesperiano.

Além da ressignificação estética, houve uma tradução textual (Andrei Bessa e Walmick Campos) em que a essência do pensamento de Shakespeare mostra-se sintetizada na versão Cambada, numa linguagem coerente e simples. O grupo soube descartar o excesso de um rebuscamento e sofisticação textual característicos do autor para se aproximar ainda mais do público através do que realmente importa: o amor, o ódio, o ciúme, a insanidade, a pureza, o mau-caratismo, o racismo e o sexismo, apesar de achar que os dois últimos temas que citei ainda mereçam ser evidenciados com posicionamentos claros do grupo pela pertinência social dessas discussões. O espectador abandona a vivência teatral sem se questionar mais profundamente sobre essas últimas questões.

Analisemos: o texto de Shakespeare é idealizado, define e oprime a mulher-amélia com o papel de Desdêmona (Thalita Lopes), titulando-a como padrão de mulher perfeita, além de associar o “mouro”, o mocinho, ao caráter mais brutal e animalesco do homem. São posicionamentos do autor. Para a época, talvez o racismo literário (e não como uma opção combativa) se justificasse, mas nos dias de hoje, apenas replicar o caráter sexista e o preconceito racial sem contestá-lo pode se tornar um problema. Um agravante é o uso do termo “negro”, equivocadamente substituído por “afrodescentente”, em tom sarcástico (porque há a ideia de que dizer “negro” é preconceituoso), rompendo a temporalidade medieval da obra com um “caco” e confirmando ideias racistas. Não que Iago (Walmick Campos) não possa ser racista. Pode e isso é essencial para evidenciar seu caráter, mas ele é racista num contexto em que o racismo não é trabalhado, sendo assimilado como algo natural. Isso é o que não pode acontecer.

O termo “afrodescendente” é vinculado à valorização cultural das origens da população negra brasileira e amplamente defendido hoje na sociedade, mas não como substituição do termo “negro”, que é encarado pelo movimento social também como uma afirmação de identidade e defesa de direitos. No teatro ou em qualquer obra, podemos cristalizar ideias opressoras por pura inocência, entretanto quem produz arte deve ter responsabilidade social com a sua produção. Não sei como propor agora soluções para se trabalhar essas questões sem didatismos, mas o grupo apenas replicou o texto sem contestá-lo na sua montagem. Shakespeare não se mostra suficiente na discussão porque estamos noutro tempo, não podemos atribuir a responsabilidade ao mesmo e simplesmente dizer “mas esse é o texto”. Nosso papel também é contrapor.

Quando pensamos nas tradicionais e essenciais ações físicas, conceitualizadas por Stanislavski, vemos uma tradução delas numa composição coreográfica que exprime o interior dos personagens de maneira poética e extracotidiana, mas que ultrapassa a codificação puramente técnica e atinge um caráter visceral, entregue de corpo e alma à cena. A preparação corporal (Jacqueline Peixoto e Jonathan Pessoa) foi fundante nesse processo.

Otelo mostra atores totalizados (sonoplastas e iluminadores) no seu processo de feitura e execução, atores criadores e colaboradores de um mesmo ideal consensuado pelo grupo. É o teatro cearense evidenciando-se com um espetáculo qualificado, profissional, inovador, de proposição. Afora o debate, que deve ser intensificado, e os momentos aqui-acolá em que se perde a verdade da interpretação de alguns atores, creio que o espetáculo está pronto para ser aclamado anacronicamente por longas datas e vivenciado por inteiro pela população cearense e, quiçá, nacional.

Danilo Castro

15/10/2011

Conheça o site do Coletivo Cambada!

*foto de Levy Mota

Ópera contra a barbárie

2011-10-11T20:35:00.000-07:00

Espetáculo Ópera dos Vivos, Cia. do Latão

O discurso brechtiano é didático e explícito, outras vezes se mostra ambíguo e capaz de estrategicamente ofuscar a nossa percepção do que é certo ou errado, do que deve ou não ser feito para então revermos nossos conceitos diante da obra. O que talvez inicialmente me causou enfado é justamente o excessivo discurso claramente ideológico, político, bem articulado, crítico e panfletário. Sim, esta é a palavra. Queria eu algo que não me entregasse duma vez a verdade das coisas, queria eu quebrar a cabeça e me obrigar a encontrar os porquês da poesia.

Foi um posicionamento imaturo, porque eu já devia estar ciente de que as mais belas flores não desabrocham num piscar de olhos. Aquele incômodo inicial diluiu-se a partir do momento em que o ditatismo pieguista metamorfoseia-se numa crítica voraz contra a mercantilização da arte, ganhando uma propriedade incrível com o passar dos atos até que não me houvesse mais espaço para além daquilo que aconteceu entre nós, os vivos, e a ópera.

Ópera dos Vivos, último espetáculo da Cia. Do Latão, com direção de Sérgio de Carvalho, é um grito rasgado para o mundo, um trabalho que se mostra quase como uma lição de casa para qualquer artista, ou melhor, para qualquer cidadão que acredita na luta por uma sociedade democrática. Não dá para sair do teatro sem pensar na sua real função, sem pensar na necessidade de clamar por uma arte onde o político seja tão essencial quanto o estético, onde a crítica seja tão fundamental quanto o entretenimento. Brecht não era avesso ao teatro recreativo, pelo contrário, ele acreditava no divertimento como uma ótima estratégia para fisgar ainda mais o seu público e propagar o seu “teatro de ideias”.

São quase quatro horas de espetáculo numa mistura caleidoscópica entre teatro, música, cinema e televisão, onde somos instigados a agir, a acordarmos da apatia que o mundo nos impõe, a ficarmos vivos. A Ópera é um banho de água fria, é desconfortável, é avessamente catártica, é sarcasticamente engraçada, é aquilo tudo que inicialmente não imaginei que fosse. É a Cia. do Latão se consolidando ainda mais com seu método esfacelador de aparências.

Cutuquemo-nos agora. De que serve a arte? Por que ser artista? Para ganhar dinheiro? Por que não? Mas quando não há propósito além desse, encontramos o ponto chave do problema. A arte, com seu caráter subjetivo e humano, deve ser estratégia fundamental para enfrentar a ordem vigente. É desonesto imaginar que produtos são assimilados como arte simplesmente porque entretêm na mesma proporção em que alienam.

Ópera dos Vivos é a teatralização do manifesto “Arte contra a barbárie”, encabeçado pelo grupo ao lado de diversas outras companhias de teatro em São Paulo, que lutam contra a cultura inserida no “mero comércio do entretenimento”. A ação resultou na criação de uma lei municipal de incentivo à pesquisa teatral de grupos paulistanos. Mas poucos dias antes da estreia em Fortaleza, Sérgio de Carvalho, em sua aula inaugural da Escola Pública de Teatro (Vila das Artes), disse: “Temos que lutar contra o mercado”. Eu me perguntei: “Qual?” porque a realidade do teatro no Ceará é bem diferente da realidade do teatro do idealizado eixo RJ-SP.

Talvez pelo fato de mal haver investidores em teatro, por não haver celebridades fazendo espetáculos, o teatro cearense mostra sua peculiaridade, ainda mais agora, diante da ascensão das escolas de formação no estado. Pela ausência desse mercado, nosso teatro construiu-se pouco a pouco alternativo, crítico, político, porque quem faz teatro no Ceará definitivamente não está buscando dinheiro, faz-se pela chama artística que arde em profissionais interessados em dialogar com o mundo e os seus conflitos, profissionais que lutam para sobreviver da arte, mas que a tem como uma filosofia para além do próprio sustento. O VII Festival de Teatro de Fortaleza acertou no alvo ao visibilizar teatro local para a população e trazer a Cia. do Latão como exemplo para os nossos grupos naturalmente colaborativos e que vem se profissionalizando cada vez mais. Isso é conceito.

Visite o site da Companhia do Latão.

Conheça o site do VII Festival de Teatro de Fortaleza e veja a programação completa.

Danilo Castro

12/10/2011

Para fazer o novo é preciso conhecer o tradicional

2011-10-07T19:19:00.000-07:00

Bárbara Heliodora, crítica teatral

O jornalista Paulo Werneck (Folha de S. Paulo, 25/9/2011) entrevistou a crítica Bárbara Heliodora. Suas palavras me soaram tão pertinentes e sensatas que resolvi postá-las aqui. Vale a pena! A militante na imprensa carioca desde 1957, repassa nesta entrevista a história do teatro brasileiro e aspectos de sua carreira; critica o falso experimentalismo nos palcos brasileiros; faz uma defesa do olhar conservador e denuncia os malefícios do mau teatro para a formação do público.

Folha - Como a sra. avalia o teatro brasileiro de hoje?

Barbara Heliodora - Há vários aspectos diferentes. Uma coisa positiva é que estão sendo levados [ao palco] muito mais textos brasileiros, mas é claro que, como é algo recente, ainda há muita coisa ruim. Mas acho que tem que ser, tem que continuar a insistir. Você pega dois países colonizados, os EUA e o Brasil. Os EUA também tiveram degredados. Tudo o que a gente teve aqui, eles tiveram lá também, mas eles foram colonizados pelos ingleses, que têm uma riqueza teatral imensa. Então, desde a colônia eles recebem uma influência teatral muito forte. Portugal não tinha tradição teatral para nos legar. Além disso, o tipo de colonização, com as grandes propriedades, as capitanias hereditárias, aquele negócio todo. Não houve uma formação de núcleos urbanos a não ser praticamente no final do século 19. Você não faz teatro se não tem plateia. A primeira arte cênica que teve plateia no Brasil foi o cinema, que era acessível por ser duplicável. O cinema nos EUA buscou o público que vinha do teatro; conosco, não, o teatro teve de ir catar público no cinema. Não houve essa transição, o que dificultou muito o processo. O pouco teatro que Portugal nos trouxe era francês, traduzido.Então, você tem na Independência, logo depois, o [dramaturgo e diplomata] Martins Pena [1815-48], que é maravilhoso. E aí volta um período de silêncio. Mais tarde, por volta de 1850 ou 60, há algum teatro. No fim do século, na República, aí sim há um período de intensa atividade cênica, com "As Borboletas", do Arthur Azevedo, entre outros. Depois disso houve surtos de teatro brasileiro, mas sem continuidade.

Que dificuldades isso trouxe?

Isso dificultou a linguagem. O problema dos autores brasileiros era que, até poucas décadas atrás, você aprendia que até podia falar errado, quer dizer, da forma como se fala no Brasil, mas que tinha de escrever da forma correta, como se fala português em Portugal. Hoje em dia não é mais assim, mas isso só desde o Nelson [Rodrigues]. O Nelson foi quem quebrou isso, porque ele é um bom repórter. Vários autores pré-Nelson, na hora em que se sentavam, escreviam o português correto. Esqueciam que o que estavam escrevendo para ser uma linguagem falada. E, quando o ator dizia aquilo no palco, soava falso, porque ninguém falava daquele jeito. Isso prejudicou muito a dramaturgia brasileira. Você não reconhecia o brasileiro em cena. A partir do Nelson, você começa a reconhecer o brasileiro em cena.

E quem fez isso depois do Nelson?

Depois tem, por exemplo, o Silveira Sampaio, que fez pela zona sul [do Rio] o que o Nelson fez pela zona norte. Só que é um autor que ninguém mais monta, a família dele causou muita dificuldade para as montagens. Mas ele fez comédias maravilhosas. A "Trilogia do Herói Grotesco" é sensacional. Ele tinha um talento fantástico, é pena que seja pouco conhecido. Um pouco depois veio o Millôr, que também domina a cena muito bem, de maneira que houve todo um movimento, mas eu acho que é porque o Brasil estava mudando. No momento tem muito autor brasileiro que é bom, mas nem tudo pode ser bom, a verdade é essa. Mas tem que insistir para que apareçam autores de fôlego.

Quem a sra. destaca entre os nomes novos da dramaturgia?

Ah, não sei, não quero dizer assim, porque não conheço o bastante. Por exemplo, vejo no jornal de São Paulo autores de quem nunca ouvi falar, porque estão em São Paulo. Aqui tem o [Jô] Bilac, que é bom, tem vários, mas algumas coisas são muito interessantes e outras são mais fracas.

E o que a sra. acha do teatro experimental, de vanguarda?

Às vezes, as pessoas se iludem um pouco, e o que fazem não chega a ser uma experiência válida. Falta um domínio do teatro tradicional. As pessoas experimentam sem conhecer o que veio antes, então fica um pouco falso, apenas ilusoriamente experimental. Há uma preocupação em ser original que fica superficial. Mas é preciso fazer. Eu sempre digo que o necessário são os conservadores, porque a mudança é fatal. Essa está sempre em dia. Então, para controlar um pouquinho, é preciso que alguém diga, "peraí", "aguenta aí". Mas vai passando o tempo e tudo vai mudando, e a mudança é desejável e inevitável.

A sra. se vê como conservadora?

Eu me vejo mais como neutra. Porque gosto das duas coisas. E acho que é uma ilusão considerar o teatro superado. Aqui é que tem isso, mas nos outros países a gente vê de tudo, tem que fazer uma coisa e outra. Porque o próprio público só vai realmente apreciar uma experiência se souber o que é teatro. Ele tem que já ter visto, para poder comparar uma coisa e outra e pensar: "Ah, mas isso aqui é novo"... Senão não tem referência.

A sra. acha que leva mais gente para o teatro ou faz um alerta sobre aquilo que não vale a pena?

Alguns produtores, diretores etc. já me disseram que a crítica negativa não tira ninguém do teatro. Mas a crítica positiva leva gente. Dizer que a crítica acaba com o espetáculo não é verdade.

A TV tem sido um centro de produção de dramaturgia, tem levado público ao teatro?

Não, acho que não. A televisão não só atrai um público que era do teatro. Há um grande problema para ir ao teatro ou a qualquer lugar. Casal jovem com filho pequeno não tem com quem deixar [o filho], então a televisão é uma distração para quem não tem condições de ir a lugar nenhum. É uma coisa difícil. Antigamente as famílias moravam juntas, sempre tinha uma tia em casa. Mas, hoje, como é muito unitário, não pode sair de casa porque não tem com quem deixar o filhinho pequeno.

A senhora não acredita numa dramaturgia vinda da televisão?

Não. São veículos completamente diferentes. A dramaturgia de telenovela é uma coisa, escrever para o teatro é outra coisa, e cinema é outra coisa. São caminhos diferentes. Agora, os melhores atores de televisão fizeram teatro. A televisão deveria ajudar o teatro porque o ator bem formado no teatro vai ser bom na televisão também. Uma coisa angustiante é que os cursos de teatro estão atulhados de candidatos que só pensam na TV. Não pensam em fazer carreira no teatro, estão todos pensando em fazer carreira na Globo.

A sra. falou da família de Silveira Sampaio. O diretor Marco Antonio Braz se queixou da família de Nelson Rodrigues, que seria o autor mais caro do mundo.

Ele fala é que eles querem 10%, que é o que todo autor pede, 10% no mundo inteiro.

Ele diz é que a família pede 10% do patrocínio.

Ai, eu não li, porque vi o título [da reportagem] e essas brigas me cansam. Mas o que acho é que o problema do custo do espetáculo, com a legislação e o clima atual, não há mais sobrevivência com bilheteria. Está todo mundo dependendo de ser financiado, só que com esses financiamentos dá para montar e ficar dois meses. Qual espetáculo se paga em dois meses? E o que que nós estamos vendo? Uma enxurrada de monólogos que é uma coisa horrorosa.

O mau teatro afasta o público?

Essa frase não é minha. Gianni Ratto dizia isso. Eu me lembro claramente de uma vez ele me perguntar, eu tinha ido a uma peça e ele disse: "Como é que foi?". Eu digo: "Ah, foi muito fraca". Ele disse: "Isso prejudica todo o teatro". Isso é que é... As pessoas da classe às vezes não têm noção disso. Uma pessoa que nunca foi ao teatro, o que acontece muito, vai pela primeira e vê uma coisa ruim, faz voto de castidade, nunca mais volta. É o tal negócio: o mau cinema tem o mito de que custa barato, é quase tanto quanto o teatro hoje em dia, pelo menos a fotografia não está borrada, né, aquela coisa. Então, as pessoas vão ao cinema e voltam na semana seguinte, entram no meio, aquelas coisas. Se é ruim, a pessoa não volta ao teatro durante muito tempo. Falta consciência. Prefiro um espetáculo que tentou muito, não conseguiu, mas a gente sente que foi sério. O pior são os autocomplacentes, que acham que tiram tudo de letra e fazem peças horríveis.

Como é a senhora se protege da complacência ao escrever?

Complacência é sempre condenável. A gente fala sobre o que viu.

Seu coração nunca amolece?

Não. Dói quando eu vejo um engano de gente que costuma até fazer bem. Procuro estabelecer que, quando vejo uma coisa que está errada, mas que a gente sente que foi bem trabalhada e que os atores estão atuando com responsabilidade, que houve uma direção... Pode ser que estivesse tudo errado, mas, como foi feito com seriedade, é outra coisa. O que acho horrível é que quando a gente sente que está todo mundo ali, sabe, "eu sou maravilhoso" e tal, o que eu fizer está bom. Isso eu acho horrível.

A crítica pode preservar o trabalho de grandes atrizes, como a Sarah Bernhardt, por exemplo?

Mas quem é que sabe como ela era? Eu, por exemplo, acho que ela devia ser horrível.

Acha mesmo?

Acho. Ela devia ser mais personalidade do que atriz. Porque era a Sarah Bernhardt. Mas eu não sei, a única coisa que ouvi dela gravado é um horror. É um trecho do "Horace" [imita Sarah]. Eu tenho a impressão que ela devia ser uma personalidade muito marcante. Agora, não sei a qualidade dela como atriz. Ninguém sabe. Ficar famoso é uma coisa, você saber como era é outra bem diferente. Cacilda [Becker] você não sabe como é que era, Cacilda era uma atriz deste tamanhinho, magrinha assim, e com uma vozinha assim [imita], e em "Quem tem Medo de Virginia Woolf" ela dizia que era gorda e todo mundo acreditava, ninguém reclamava que era dito que ela era gorda e na verdade não era. É a capacidade dela de persuasão.

Criticismo

2011-09-20T18:50:00.000-07:00

“Sempre que você estiver a ponto de criticar algo, primeiro decida o que você dará como alternativa positiva a ele. Se você não puder pensar em uma alternativa para a sua crítica, espere. Não faça a crítica. porque ela será inútil. Se você diz que esse remédio não é o correto, talvez você esteja certo; mas, então, onde está o remédio correto? A crítica nunca traz revolução. Ela é boa como parte de um programa positivo. Assim, primeiro decida sobre o programa positivo e mantenha um olho no programa positivo, critique. Então sua crítica será muito valiosa, apreciada até mesmo por aqueles que você critica. Ninguém se sentirá ofendido por ela porque, enquanto você estiver criticando, estará continuamente mantendo alguma alternativa positiva em mente e propondo algo.”

Osho

A ópera das malandras

2011-09-17T15:37:00.000-07:00

Espetáculo Ópera do Malandro - IFCE

Quando concebemos um objeto artístico, é necessário o tempo inteiro, de alguma forma, distanciarmo-nos para que possamos tentar analisar com o olhar do outro aquilo que construímos, analisar com o olhar alheio de espectador. É um exercício árduo, porque chega um momento em que aquilo já nos embebe de uma forma tão intensa que fica impossível nos espremermos até que nos tornemos uma esponja seca novamente. E o olhar livre e leigo do espectador é tão apurado quanto o do artista profissional. Muito provavelmente o espectador pode não conseguir analisar aquilo em sua profundidade técnica, mas nos seus comentários mais simples e desprendidos, ele consegue encontrar aquilo que nós, artistas, melhoraríamos, mas que foi impossível pela cegueira que o processo criativo proporcionou ao criador. Por isso vem se tornando cada vez mais importante a realização de ensaios abertos e debates pós-espetáculos.

No clássico de Chico Buarque de Hollanda “Ópera do Malandro”, espetáculo de conclusão da primeira turma de Licenciatura em Teatro do Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do Ceará (IFCE), com direção de Thiago Arrais, há uma concepção muito evidente, mas os atores estão em cena tão livres de um jeito que chega a incomodar, porque não se está claro aquilo como opção, parece algo mal lapidado, sem o refinamento tão necessário para que se possa expor uma obra, ainda mais no palco italiano, onde certas convenções simples estabelecidas pelo próprio espetáculo, não foram cumpridas. O teatro não é feito de regras, definitivamente, mas cada concepção determina as suas convenções, quando se define as suas e isso não é cumprido, aí está cerne do problema.

Nós, público, vemos atores disponíveis, interessados na cena, interessados no seu trabalho como peça de uma maquinaria complexa, mas que funcionou com engrenagens meio empenadas principalmente porque é muito difícil para o ator se perceber sozinho em cena, para isso recorre-se à figura do encenador, tão importante nesse processo, sobretudo quando se envolve um elenco numeroso. O que percebi foram atores sedentos por um direcionamento cênico, pareceu-me que cada um estava numa vibe diferente, criando sua própria direção a cada nova cena, então se estabeleceu um caos, mas não daqueles estratégicos, elaborados e tão belos de se ver em cena.

O público precisa ouvir, um musical em que o público não escuta os atores cantando precisa ter a sonoplastia revista, um detalhe fácil de resolver. O público também precisa enxergar. Creio que a iluminação (Paulo Victor Aires e Elano Chaves) deve ser novamente estudada, apesar de que a atmosfera penumbrosa e suburbana de gueto carioca foi trazida muito bem, mas as variações são poucas diante das muitas possibilidades, por isso a luz acabou se tornando mero apetrecho de ambientalização, pouco sendo utilizada como elemento comunicativo e estratégico para as cenas.

Pra mim há também um dilema simples e mal resolvido nessa história carioca encenada por cearenses. Algumas coisas me incomodaram nesse estilo que ora era genuinamente arretado, ora era genuinamente da gema. Pareceu-me uma concepção que precisaria de uma adaptação mais próxima de nós, do nosso teatro, do nosso gueto, para que não ficasse uma peça cearense travestida de carioca ou vice-versa. Pra mim ficou uma identidade mal assumida ou a identidade local ficou mal evidenciada, não sei.

Por fim, sem penumbras, parabenizo a todos que trabalharam no espetáculo. Sinto-me parte disso porque também vivenciei essa fase de encerramento de curso do IFCE outrora e tenho plena ciência de todas as dificuldades para se levantar um espetáculo desse porte numa turma de conclusão. Vale ressaltar também que as malandras do espetáculo são o brilho do trabalho. Elas roubam a cena, ainda que sem o senso de direção que afirmei no início, mas merecem destaque pela evidência que ganham naturalmente, sem nenhum esforço. Todas, umas mais a frente, outras menos, mas principalmente as malandras Terezinha (Liliana Brizeno), Margot (Marina Brito), Vitória (Ana Negreiros) e claro, Geni (Wellington Saraiva), a malandra mais fogosa.

Visite o site do espetáculo Ópera do Malandro!

Danilo Castro

17/09/2011

Raridade

2011-09-16T08:14:00.000-07:00

“Há pessoas que tem coisas importantes a dizer, porém não sabem como dizê-las. Outras dominam a arte da expressão a serviço do nada. Juntar coisas inteligentes e modos adequados de exprimi-las, eis a raridade.”

Carlos Drummond de Andrade

Amolemos a navalha

2011-09-09T20:25:00.000-07:00

Mychel Kayã, em Navalha na Carne - Grupo Imagens

A arte permite-nos que ressignifiquemos a vida. O teatro é aquilo que da vida colhemos disperso para transformamos em essência na cena. Talvez um dos maiores prazeres do artista seja inventar um mundo a partir daquilo que lhe é dito como mundo. O tempo da vida é sintetizado no teatro e a leitura daquilo que é vida se faz noutra dimensão, noutra proporção que só a arte permite.

Quando se parte do princípio de que aquilo é quase a vida ou a tentativa de se chegar o mais próximo disso, do submundo escatológico e visceral que Plínio Marcos tão bem expõe em Navalha na Carne, há um risco grande de se cair numa veracidade cênica pieguista, que transita entre a verdade e o artificial. É uma opção estética, não nos cabe julgar como erro, mas é uma opção difícil, tênue, que precisa ser reavaliada a todo instante para que a poesia não suma diante da verdade pura e utópica a que se deseja chegar. É preciso que entendamos a mimesis para além da imitação.

Com Navalha na Carne, o Grupo Imagens chega à terceira montagem da trilogia que começou com Abajur Lilás e Barrela, também de autoria de Plínio, mas há um diferencial que aos meus olhos tornou-se destoante em relação aos outros espetáculos do belo projeto trifásico que o grupo construiu. A crítica e a sensação inquietante que os finais dos dois primeiros espetáculos propõem, perdeu-se em Navalha. Depois dos bofetões e palavras ríspidas que tão aridamente atingem o público, sair do teatro sem o impacto da crítica que o texto exala foi um caminho que deixou de cutucar e atordoar o espectador para confortá-lo.

A dor, a perversão, o amor, a piedade, o ódio, o sexo e a possessão num mundo escatológico, doentio e marginal exposto em cena, num piscar de olhos, diluíram-se em meio ao público, que partiu do teatro satisfeito e sorridente. Esse atordoamento de outrora era algo que já havia se tornado uma assinatura nos outros dois espetáculos do grupo. Navalha não me gritou “Eu só vim incomodar”, não me atordoou em nada. Navalha me deixou surpreso pela ausência desse incômodo delicioso que até então havia sido muito bem proposto, uma pena.

O trabalho de Mychel Kayã é um destaque no espetáculo. Seria bom vê-lo mais vezes iluminando o jogo cênico. Sua figura ambígua é de extremo interesse aos nossos olhos, seu trabalho como Veludo é crível talvez principalmente porque pouco se vê a figura do ator por trás da persona. Vê-se alguém que vive, apenas, com a intensidade e entrega que a cena pede, sem resquícios do racional do ator se impondo sobre a atuação. Isso é muito bom.

A trilogia gerida por Edson Cândido através do Grupo Imagens é a prova concreta do potencial e da profissionalização dos grupos de teatro em Fortaleza. Que a pesquisa perdure com outras histórias, que surjam outras trilogias e que a identidade do grupo se consolide para que possamos nos incomodar sempre mais com uma navalha amolada e pronta para dilacerar-nos em carne viva.

Conheça o blog Plínio Marcos - Trilogia do Grupo Imagens.

Danilo Castro

09/09/2011

Julie

2011-08-13T22:37:00.001-07:00

Do portão, Julie olhava os seus passarem radiantes. Ela estava cansada como um cavalo de cargas. A diferença é que Julie não carregava peso, apenas rédeas invisíveis continham seus passos. Ser bibelô de um apartamento branco não lhe era mais possível ou era por conveniência. Ela não era leal, fugia à regra. Quando o portão deu brecha, num ímpeto de coragem, Julie correu pro mundo desnudo a sua frente como se aquele fosse seu último dia de vida e se entregou venturosa aos miasmas que por tantos anos quis conhecer. Virou latas de lixo, sujou-se de vida, passou fome, adoeceu várias vezes, curou poucas outras. Ela deixou de ser dela. Ela deixou de ser cadela, agora era uma cachorra doida de rua, enfeitiçada pelo cio acumulado dos anos. Desleal e sem dona, finalmente Julie descobriu a felicidade.

Danilo Castro

14/08/2011

E se eu me esquecesse que sou ator?

2011-08-04T19:32:00.000-07:00

“...o artista do teatro é o ator. Mas o ator tem que se conscientizar de que é um Cristo da humanidade e que seu talento é muito mais uma condenação do que uma dádiva”

Plínio Marcos

Espetáculo "E se..." do CPBT

É um espetáculo de atores. Esfaceladamente teatral, algo que particularmente me atrai bastante. Com características tipicamente brechtianas. Um espetáculo onde o teatro é mostrado ao avesso, onde público está em palco, onde atores não se escondem em coxias, onde não se pretende criar a ilusão dramática da realidade. Mas atores precisam esquecer do seu ofício em cena, precisam apenas viver o que suas personas necessitam. Isso não é fácil. Fazer aquilo como se nunca houvesse sido feito antes, deixar algo que está meticulosamente codificado ser fluido como se nunca houvesse sido dito/encenado antes é tarefa básica, mas, por vezes, árdua na arte de ator.

O espetáculo “E se...”, da turma noite 2011 do Curso Princípios Básicos de Teatro, (CPBT) tem uma concepção interessantíssima, atraente, madura. Cenário, iluminação e sonoplastia caminham unidos, como se tivessem a mesma força, mas acredito que ainda é possível explorar mais da teatralidade cenográfica das folhas de papel, dos pinceis, dos riscos, dos desenhos em cena. São idéias ótimas que ainda podem e devem se redescobrir.

A direção de Silvero Pereira é evidente nas cenas fortes, densas, doloridas, conflituosas, pesadas, mas que perdem com a pré-maturidade dos atores que, por vezes, não possuem as vísceras, a dor, a força que as cenas exigem. Creio que é preciso chão. Estrada. Tempo para maturação de um belo objeto estético criado durante do curso. O caminho não está errado. Os atores são disponíveis, mas ainda é preciso mais, muito mais até que para além de atores seja possível enxergar suas personagens vivendo em cena.

Há destaques no elenco, Cássia Roberta (Marina) é um deles. Sua segurança e precisão em cena fazem-na capaz de carregar a complexidade que as cenas pedem. Seu trabalho me chamou a atenção talvez também por algo subjetivo que me apregoou os olhos em sua figura e defino aqui como élan. Grotowski (Em Busca de um Teatro Pobre - 1965) fala que no teatro pobre, longe de pompas cenográficas, excessos com iluminação e indumentárias, é essencialmente preciso que o ator deixe aflorar a “luz espiritual” e não se preocupe em “atuar”.

O trabalho musical, com direção de Angela Moura, é envolvente, vozes que se unem e conquistam a cena, fisgam o público que se deixa levar em coro. Apenas solistas precisam trabalhar mais. Cantar não é impossível, mas quando se erra no canto, muito facilmente o erro se evidencia, não dá pra fugir, corrigir, por isso é preciso mais trabalho, mais consciência vocal para segurar a cena da maneira como ela se propõe.

O roteiro, diferentemente de Mixórdia, apesar de também trazer reflexões do fazer artístico, traz isso de maneira mais profunda, mais intensa. O teatro é analisado e inserido na dramaturgia com menos superficialidade. E fico feliz em saber que o roteiro é coletivo e que foi gerado um bom fruto, com histórias bem emaranhadas, nessa união.

Eu me pergunto o quanto ganharíamos se esquecêssemos que somos atores. Quando brigamos, quando gritamos, quando damos um tapa não pensamos por que estamos fazendo aquilo. Simplesmente o fazemos, a reflexão é um momento posterior. Na cena, é preciso fazer como na vida. É preciso bater em si antes de bater no outro, gritar com o corpo todo e não só com a garganta, entregar-se como num pulo no abismo, um caminho sem volta. Sem a renúncia de si e da consciência técnica que o teatro exige, isso nunca será possível. É paradoxal, mas necessário.

Desejo que o espetáculo deslanche pela nossa cidade e que viva por longas datas, fugindo do que normalmente acontece com espetáculos de conclusão de curso. Que o teatro abrace esses novos atores e que esse novos atores permitam-se ao teatro, permitam-se à Luz que Grotowski clama.

Conheça o site do espetáculo "E se...".

Danilo Castro
04/08/2011

Nós fazemos teatro

2011-07-15T19:54:00.000-07:00

Fernando Bonassi

"Contra a ignorância, o terror, a falta de educação, a propaganda de promessas, o conforto moral, a ordem acima do progresso, a fome, a falta de dentes, a falta de amores, o obscurantismo... nós fazemos teatro.

Fazemos teatro pra dar sentido às potencialidades, pra ocupar o tempo, pra desatolar o coração, pra provocar instintos, pra fertilizar razões, por uns trocados, por uma boa bisca, porque é fundamental e porque é inútil.

Pra subir na vida, pra cair de quatro, pra se enganar e se conhecer... contra a experiência insatisfatória; contra a natureza, se for o caso, nós fazemos teatro. Fazemos teatro pra não nos tornarmos ainda pior do que somos.

Pra julgar publicamente os grandes massacres do espírito. Pra viabilizar a esperança humana, essa serpente...

Nós fazemos teatro de manhã, de tarde e de noite. Nós somos uma convivência de emoções, 24 horas distribuindo máscaras e raízes.

Nós fazemos teatro de tudo, o tempo todo, porque acreditamos que a vida pode ser tão expressiva quanto a obra e que devemos ter a chance de concebe-la e forni-la artisticamente. Porque estamos acordados. Porque sonhamos os nossos pesadelos.

Nós fazemos teatro apesar daqueles que, por um motivo que só pode ser estúpido, estejam “contra” o teatro.

Aliás, o que pode ser “contra” algo tão “a favor”? Nós fazemos teatro contra a mediocrização do pensamento; a desigualdade entre os iguais e a igualdade dos diferentes.

Nós fazemos teatro contra os privilégios dos assassinos de gravata, batina, jaqueta, toga, minissaia, vestido longo, farda, camiseta regata ou avental.

Contra a uniformidade, nós fazemos teatro. Nós fazemos teatro contra o mau teatro que querem fazer da realidade.

Nós fazemos teatro pra explicarmo-nos – ainda que mal – e ao mal de todos nós dar algum destino menos infeliz. Nós fazemos teatro pra morrer de rir e pra morrer melhor.

Pra entender o inestimável, se esfregar no infalível, resvalar na nobreza, experimentar as mais sórdidas baixezas, pra brincar de Deus...

Nós fazemos teatro, comendo o pão que os Diabos amassam, os pratos feitos que as produções financiam e os jantares que as permutas permitem. Nós temos fome da fome do teatro. Porque onde houve e há teatro, houve e há civilização.

Fazemos teatro, sim, tem gente que não faz e está morrendo, essa é que é a verdade."

Fernando Bonassi, 1962

Escritor, roteirista, dramaturgo e cineasta

O estranho familiar

2011-07-12T19:50:00.000-07:00

“Nenhum ser humano é capaz de esconder um segredo.
Se a boca se cala, falam as pontas dos dedos”

Freud

Sigmund Freud

Bem por acaso, a psicanalista Lia Silveira chegou até meu blog e conheceu o “Processo do Rato”. A partir daí, Lia leu o conto e percebeu a relação com um conceito freudiano titulado por “Unheimlich” (termo alemão que significa o equivalente a “tenebroso”), que versa sobre o terror que nós temos não de algo externo, distante, mas de algo extremamente interno e peculiar. É o medo de nós mesmos, de algo que existe em nós e tentamos repugná-lo ou nos distanciar. Muitas vezes isso é impossível. Com o menino que se aleija ao deixar o rato comer-lhe os dedos acontece algo estranhamente familiar. Aquilo é proibido, repugnante, terrível, mas é ali, nos encontros bizarros de amor entre ele e o rato que ele se encontra, se realiza em si. Isso é interessantíssimo, mesmo com minha analogia barata do termo, a contribuição de Lia foi sim fundamental para eu reavivar o personagem-menino que criei e que é sim um pedaço de mim que ainda não sei onde vai chegar nesse processo. Cheguei a escrever para Lia, em resposta ao seu comentário, que estou temeroso em relação ao processo que estou construindo e tentando dar abertura pra que alheios participem dessa construção. Além da estética, musicalidade, teatralidade do que pretendo expor, não posso me esquecer do fundamental: o meu menino, o meu personagem a espinha dorsal dessa his/estória.

Clique aqui para conhecer o blog de Lia Silveira.

CRONOGRAMA DO RATO

2011-07-10T07:02:00.000-07:00

Estipulei um cronograma com metas para iniciar o Processo do Rato. Esse cronograma vai mudar bastante daqui até lá, e vai ser enxertado com muito mais coisas que surgirão. De início, os ensaios acontecerão aos sábados e a ideia é trazer colaboradores ao processo. Profissional da dança, do canto e pessoas que possam agregar valor de alguma forma ao meu trabalho daqui pra frente. Não sei ainda como vou conseguir apoio financeiro pra levantar esse trabalho, mas é hora de começar, é necessidade. A produção vai acontecer para além das datas de ensaio. Os locais dos ensaios abertos serão definidos com o andar da carruagem. Alguns nomes já passam pela minha cabeça, pessoas que sei que podem trazer muita contribuição nesse trabalho. Avante! Dissequemos o Rato!

Julho

9 – Criação do espaço “Processo do Rato” no blog

16 - Ensaio

26 - Ensaio

30 - Ensaio

Agosto

6 – Ensaio (Diálogo 1 com profissional da dança)

13 – Ensaio (Diálogo 1 com profissional da voz-canto)

20 - Ensaio

27 – Ensaio aberto

Setembro

3 – Ensaio + reunião com cenógrafo + iluminador + figurinista

10 – Ensaio (Diálogo 2 com profissional da voz-canto)

17 - Ensaio

24 – Ensaio aberto

Outubro

1 – Ensaio (Diálogo 2 com profissional da dança)

8 – Ensaio + reunião com designer gráfico p/ identidade visual

15 - Ensaio

22 - Ensaio

29 – Ensaio Aberto

Novembro

5 – Ensaio

12 – Ensaio

19 – Ensaio

26 – Ensaio Aberto

Dezembro

3 - Ensaio

10 e 11 – Pré-estréia

17 e 18 - Microtemporada

Processo do Rato

2011-07-09T15:04:00.000-07:00

Foto divulgação do espetáculo "Cavalos"

Bem, criei esse marcador "Processo do Rato" pra começar a me exprimir de alguma forma em relação às andanças com "O rato entocado no canto", um conto que escrevi ano passado, e, no início desse ano se transformou num videoconto. Adiante, a meta é levantar um experimento cênico.

Hoje, me sinto completamente instigado a não deixar morrer esse algo artístico que criei em literatura e se metamorfoseou em obra cinematográfica. Minha ideia agora é investir num solo de teatro, efêmero como toda arte cênica. A meta é transformar O Rato em algo vivo. Pulsante, onde eu possa me entregar por inteiro a esse algo, sem estar escondido por trás do conto, de edições audiovisuais. O Rato agora serei eu, ali, de peito aberto, com a face dada às tapas, diante do outro.

Aos poucos vou publicando sobre aquilo que de alguma forma possa colaborar com meu processo de criação artística, minhas ideias incompletas e confusas. Que meu amigos blogueiros e os que comentarem avulsamente por aqui possam colaborar com a construção disso que está crescendo sem rédeas como um câncer e precisa ser exposto, antes que seja tarde.

Não sei quanto tempo isso vai durar, nem sei se um dia estará completo, mas acredito na força disso tudo. Avante! Dissequemos O Rato!

O que me incomoda é a Coisa

2011-06-16T20:58:00.000-07:00

Espetáculo Ivanov, do Teatro Máquina

A experiência Ivanov, do Teatro Máquina, pra mim foi uma coisa. Sim, essa é a palavra, por mais boba e bruta que pareça ser, eu repito: Coisa. Quando me vejo diante de uma sensação que não sei explicar, isso me incomoda, então na minha cabeça essa é a palavra que mais se encaixa.

Ao me ver diante de um Ivanov caminhando numa linha naturalista, um paradoxo novamente me tomou os pensamentos. Será possível o naturalismo (no sentido mais puro da palavra) no teatro? Penso logo na voz, porque no teatro é preciso se fazer ouvir e na vida cotidiana não se fala projetando a voz para um público. Então é preciso se fechar um pacto: o público ouve o ator projetar e finge que aquilo é normal. Eu não vi isso em Ivanov, que bom. As vozes não são projetadas e o tom da interpretação dos atores acaba sendo trilhado num caminho cada vez mais sutil e natural. Eu quis estar mais perto porque o espetáculo me chamou pra dentro dele, pro íntimo daquelas vidas expostas em cena, mas me questionei se ali no fundo da plateia era possível ouvir, porque mesmo de perto, perdi alguns momentos por não conseguir escutar. E não me refiro aos momentos estratégicos em que as vozes baixavam, aumentavam ou se sobrepunham umas sobre as outras, estabelecendo pequenos caos.

Cada vez mais eu venho percebendo que no teatro é preciso de calma para fazer as coisas. Ivanov é assim: uma coisa calma e incômoda, construída por belas imagens tediosas e fascinantes. Como a imagem virginal e vadia de Sasha à beira do casório, ou a imagem de Ivanov afundando na poltrona, ou mesmo as embaraçosas e encantadoras passagens de Gavrila pelas cenas. Sua figura estranha entrecortando o andar da carruagem talvez seja o que mais representa Ivanov, um homem que tilinta como taças de cristal numa bandeja sem nunca cair no chão e se espatifar. É agoniante.

Não há como falar de Ivanov sem evidenciar o trabalho do elenco, que, mesmo com as dificuldades que a proposta traz consigo, desempenha um bom papel e se mostra num caminho direcionado à ascensão, uns mais a frente, outros menos, mas todos na mesma direção. No meio de uma cena, certa vez, em algum ensaio alguém já me disse: “faça somente aquilo que lhe couber”. Os atores de Ivanov são assim, fazem o que lhes é cabível e essencial, na verdade até nos esquecemos dos atores em detrimento das suas personas, não há um esforço para “interpretar”, simplesmente se faz e aquilo já é o suficiente. Ana Luiza Rios, com seu jeito de bailarina bauschiana, é, sem dúvidas, o grande destaque do elenco, seu trabalho se mostra tão crível e maduro que até me gerou uma ansiedade de vê-la novamente em cena cada vez que ela saia, queria ler mais do âmago de Anna, que, mesmo diante de sua bondade doentia e santa, permite-se à explosão, enquanto Ivanov continua estático à beira do abismo sem nunca ter coragem de pular.

Para completar a Coisa, as portas posicionadas na minha frente me geraram uma raiva por não conseguir ver alguns momentos como eu queria e ao mesmo tempo me instigaram por me permitir presenciar cenas através das brechas entre elas. É interessante perceber que cada um, em determinado momento, dependendo da posição em que se está sentado na plateia, vai ter uma visão exclusiva da Coisa. Foi ali que percebi que eu tive um Ivanov só meu e me senti feliz e egoísta como uma criança comendo algodão doce.

Ivanov é uma Coisa porque é inegável que é um trabalho seguro ao mesmo tempo em que evidencia seu processo inacabado de edificação, afinal o bom teatro é aquele que se permite à mutação. Ivanov é uma Coisa porque é indefinível e me provocou sensações que não me foram cabíveis noutros momentos ou experiências artísticas que já vivi, é realmente estranho. E isso é louvável diante de muitas produções com “encaminhamentos sensitivos” pré-definidos que te levam para uma conclusão fechada e objetivada pela direção. Com o Ivanov eu não sei o que o Teatro Máquina e a Fran Teixeira querem, e essa dúvida é o que me faz escrever agora sem necessidade nenhuma de explicação, apenas de me expor. Talvez com o tempo eu me resolva diante dos meus questionamentos pós-Ivanovianos, porque, como um espetáculo, amanhã também não serei mais o mesmo. A Coisa-Ivanov está em transformação, oscilando entre comum da vida e a poesia.

Conheça mais sobre o espetáculo Ivanov e sobre o Teatro Máquina

Danilo Castro
17/06/2011

Dia das mães

2011-06-11T06:55:00.000-07:00

Conheci esse conto no blog Debaixo das Asas. Não sei bem porque estou postando-o aqui, mas o conto é de uma sutileza que dialoga com uma fortaleza rara. É Clarice mais uma vez me envenenando... Sei que é longo pra se ler em blogs e que já passamos do mês das mães, mas vale a pena.

- Eu - disse-me a bailarina do corpo de baile do Municipal – eu dancei uma vez sem saber que estava grávida. E depois me culpei tanto por isso, mas foi uma dança lenta que não fazia mal. Depois quando desconfiei, mandei fazer o teste. Você não imagina o que senti quando o homem me entregou o papel onde estava escrito positivo. Minha alegria foi tão intensa, mas tão doida, que abracei e beijei o homem espantado do laboratório e lhe disse: “Muito obrigada”. Imagine, como se aquele desconhecido fosse o pai.

O sol estava se pondo enquanto a bailarina falava. Ela era muito frágil, quase sem peso, com busto de menina-moça.
- Mas o médico me avisou logo de saída que eu podia perder a criança. Porque tenho o aparelho genital infantil, sou fértil mas não posso conceber, não tem lugar para o feto: Então passei meses na cama para ver se assim eu não perdia a criança. Eu ficava deitada, falando com o bichinho que estava dentro de mim. Eu lhe dizia: “Olha, bichinho, nós dois havemos de vencer e você vai nascer, é assim mesmo, é difícil nascer.” Parecia até que ele me ouvia e respondia: “Está sendo difícil”. Eu tinha tanta vontade de ouvir ele chorar... como forma de resposta à vida: chorar a vida é uma resposta. Conversávamos horas. Ninguém entendia o êxtase sofrido que me acontecia, e depois também ninguém entendeu.

Ficamos em silêncio. Ela estava sentada no tapete escarlate, toda leve, com as pernas cruzadas à moda budista. Mas o dorso mantinha-se suavemente ereto e hierático pelo hábito das poses de ballet.

- Foi então que comecei a perder sangue. Eu mal acreditava, não queria acreditar. E quanto mais sangue se derramava,mais desesperada eu ficava. Até que aconteceu: perdi meu filho. Era um menino. Cheguei a vê-lo, pedi para vê-lo: lá estava ele todo aconchegado dentro do óvulo. Lembrei-me de um passarinho recém-nascido que uma vez vi e que tinha o corpo mínimo quase transparente e um bico enorme. Parecia que eu dera à luz um passarinho. Comecei a chorar. Eu não chorava de desânimo, eu chorava a morte de uma criança. Todos me diziam: “Mas, Gisele, não era ainda uma criança, era apenas um feto...” Ninguém entendia que para uma mulher tão pequena como eu o feto era uma criança. E muito menos entenderam quando pedi a meu pai para enterrá-lo no jardim. Não queria que ele fosse jogado no lixo, o meu bicho. Parece que é proibido enterrar um feto no cemitério. Mas meu pai, vendo meu estado, me concedeu isto: plantou meu filho no jardim, embaixo de uma amendoeira grande que estava na época de folhas amarelecendo.

Enquanto ela falava eu imaginava a terra do jardim com o ser ali enrodilhado no seu frágil óvulo, murchando, murchando. Fiquei calada.

- O pior, como eu já disse, era o sentimento de culpa: imagine só, eu ter dançado ballet naquele estado. Mas às vezes eu conseguia raciocinar mais claro: você não tem culpa, eu me dizia, a causa da morte não foi a dança, foi aquela história de infantil. Mas eu achava que não tinha feito tudo por ele, que talvez tivesse faltado alguma coisa.
Já era o final do crepúsculo: estávamos na sombra mas não acendi nenhuma luz.

- Mas não desisto, disse baixo.

- Não desiste de quê?

- De ter um filho. O médico me disse que de novo eu poderia perder. Mas, mesmo que numa segunda gravidez eu perca, não desisto: ficarei grávida muitas vezes e aceito a possibilidade de perder. Até que um dia, lá para um dia, eu com muito cuidado conserve ele em mim nove meses, dando até então muita coisa boa para ele ir bebendo e comendo através do meu sangue que vou enriquecer. Até que ele nasça. E será uma vitória nossa, minha e dele. Porque eu sei: é mesmo difícil nascer.

Olhei-a quase no escuro. Sofrida, machucada, corajosa. Sim, ela era uma mãe, a dançarina de Degas.

LISPECTOR. Clarice, 1920 – 1977

A descoberta do Mundo: Dia das mães

Rio de Janeiro: Rocco, 1999, p. 416, 417

O teatro dos escravos independentes

2011-04-17T07:11:00.000-07:00

Espetáculo "Rebú" do grupo Teatro Independente, RJ

O épico (Brecht) e o pós-dramático (Lehmann) ressaltam a necessidade de se despertar outros tipos de sensações no espectador, que não aquelas que simplesmente o levem ao entretenimento puro ou à catarse, comoção. Diante do trabalho do Teatro Independente, caí na ratoeira, perfuraram-me o queixo com um anzol e vi que não tinha mais jeito de sobreviver.

Definitivamente: me rendi. O grupo surgiu há pouco tempo, seus membros são jovens, mas vê-se, pelo resultado dos seus trabalhos “Cachorro” e “Rebú” o quanto artisticamente estão interligados. Parece até que há uma pesquisa desenvolvida pelo grupo há muitos anos nessas linhas. Mas aquilo que vi nos dois últimos dias é a verdadeira força do teatro, isso explica a maturidade, não se trata apenas de talento. É o teatro que existe em cada um que os guia, que os leva, que está acima deles mesmos.

Não, eles não são Independentes, são escravos, rendidos em prol do verdadeiro teatro, assim como cá estou de joelho aos pés do grupo. É fascinante quando consigo me envolver dessa maneira, quando para além do artista, encontro em mim o ser humano, desprotegido, que arregala os olhos, tem medo, mas deixa-se levar.

Além de todo o refinamento, nos espetáculos do Grupo Independente são marcantes dois traços: a capacidade tragicômica que nos inquieta e nos deixa na dúvida como espectadores, se se é permitido rir ou se devemos chorar, ou se choramos rindo ao mesmo tempo. Não se tratam apenas de tragédias com alívios cômicos, está para bem além disso. A comicidade e o trágico são viscerais, indissociáveis, por isso ressaltei a nova sensação (cada vez mais clamada por novos teatrólogos) que o grupo conseguiu despertar em mim.

O outro ponto relevante é a codificação e a precisão dos gestos, dos movimentos que aqui acolá são como dança e extrapolam o cotidiano, mas as marcas, quebras, rupturas já estão incrustadas a ponto de tornarem-se extremamente orgânicas e, por isso, nós aceitamos aquilo como se fossem parte do nosso dia-a-dia, como se movêssemo-nos em poesia a todo tempo. Só mesmo renúncia, entrega e labuta para atingir esse nível de escravidão.

É louvável a passagem do repertório do grupo pelo Ceará e que nós, artistas, possamos embebermo-nos de um trabalho tão rico, que preenche, violenta e apaixona qualquer um.

Visite o site do Teatro Indepentente.

Danilo Castro
17/04/2011

A descoberta da superabundância no vazio

2011-03-24T19:47:00.000-07:00

Ator Julio Adrião em cena

Ali, para além do Atlântico, avistei o paraíso. Lá me rendi à pobreza valiosa para o teatro despojado do que não lhe é essencial. Julio Adrião levou-nos à "Descoberta das Américas" sem que saíssemos dos nossos cômodos assentos que, em nenhum momento, deixou-me em estado de comodismo. O espetáculo é um desafio ao próprio teatro e, desde os primeiros instantes, preenche em totalidade o vazio cênico. São justaposições gestuais e vocais simultâneas emanadas de um ator que faz o impossível tornar-se simples à beira dos nossos olhos. É preciso força para encarar o público numa proposta tão consisa e ousada, convencendo-o de que dali, a partir de si e mais nada, o mundo será criado para que nós completemos os vácuos de entendimento do que nos é proposto por um trabalho de mímica meticulosamente codificada e ao mesmo tempo visceral como nunca vi antes. É louvável que, diante de todas as possibilidades técnicas que a contemporaneidade teatral nos permite, sejam encontradas mil novas possibilidades dentro do vazio. É provocante, é fascinante, é desafiador, é contraditório. É disso que o teatro precisa: da espetaculosa magia dramática encontrada quando se opta por um teatro pobre, um teatro que superestima o ser humano em detrimento da engenhosidade técnica que muitas vezes o omite. Esse foi o ouro que encontrei nas terras prometidas que descobri.

Danilo Castro

24/03/2011

Espetáculo: A Descoberta das Américas

Atuação e Performance: Julio Adrião

Direção: Alessanra Vanucci

Texto: Dário Fo

Adaptação: Alessandra Vanucci e Julio Adrião

Figurino: Priscilla Duarte

Iluminação: Luiz André Alvim

Pus o meu sonho num navio

2011-03-19T20:08:00.000-07:00

Pus o meu sonho num navio
e o navio em cima do mar;
depois abri o mar com as mãos,
para o meu sonho naufragar.
Minhas mãos ainda estão molhadas
do azul das ondas entreabertas,
e a cor que escorre dos meus dedos
colore as areias desertas
O vento vem vindo de longe,
a noite se curva de frio;
debaixo da água vai morrendo
meu sonho dentro de um navio...
Chorarei quanto for preciso,
para fazer com que o mar cresça,
e o meu navio chegue ao fundo
e o meu sonho desapareça.
Depois, tudo estará perfeito:
praia lisa, águas ordenadas,
meus olhos secos como pedras
e as minhas duas mãos quebradas.

Cecília Meireles

Voltas

2011-03-12T18:13:00.000-08:00

“Você tenta construir um mundo
E luta para consegui-lo
Chora, ri, corre, cansa e luta
O seu mundo no mundo se perde.
Você procura, encontra, agarra e solta
Começa tudo outra vez...”

Maria das Graças Castro
22.11.1976

Matéria para caderno Vida e Arte - Jornal O Povo

2011-03-01T05:51:00.001-08:00

Cia. Sem Nome encerra temporada no Sesc-Senac Iracema

O espetáculo Uma Rapadura, 3 Atores e Uma História faz sua última apresentação hoje, às 16 horas, no Sesc-Senac Iracema, encerrando o projeto Sesc Criança

Danilo Castro, Larissa Cândido e Clark Ribeiro
em cena de Uma Rapadura, 3 Atores e Uma História
(ALINE SAMPAIO/ DIVULGAÇÃO)

O projeto Sesc Criança encerra o mês de fevereiro com o elenco da Companhia Sem Nome no espetáculo infantil Uma Rapadura, 3 Atores e Uma História hoje (27), às 16 horas, no teatro Sesc-Senac Iracema (Praia de Iracema).

Com direção coletiva do grupo, a montagem escrita por Danilo Castro (que também atua ao lado de Clark Ribeiro e Larissa Cândido) centra foco num trio de atores que, por meio da contação de histórias, vivem a rodar pela cidade dramatizando causos em que diversos personagens da literatura infantil reaparecem em contextos inusitados.

Surgida há três anos, a Companhia Sem Nome é formada por ex-alunos do Curso Superior em Artes Cênicas do IFCE (antigo Cefet/CE) que, à época, ganhou peso através da disciplina Interpretação II, ministrada por Fran Teixeira.

No currículo, a trupe - cujo título foi criado por acaso em decorrência da participação num festival - já coleciona participação em diversos festivais, como o de Esquetes da Cia. Teatral Acontece (2008) e da Cia. Bilu Bila, no mesmo ano.

Com Uma Rapadura, 3 Atores e Uma História, a Companhia Sem Nome já percorreu os palcos do Centro Cultural Banco do Nordeste-Fortaleza e Morro do Ouro (anexo do Theatro José de Alencar).

SERVIÇO

UMA RAPADURA, 3 ATORES & UMA HISTÓRIA

Quando: hoje (27), às 16h. Local: teatro Sesc-Senac Iracema (rua Boris, 90 C - Praia de Iracema).

Entrada: franca. Outras informações: 3252 2215 / 3452 1242.

Veja a matéria no Site do Jornal O Povo.

Matéria para Caderno 3 - Jornal Diário do NE

2011-02-12T03:48:00.001-08:00

Programação para todas as idades no SESC SENAC

Sesc Senac Iracema oferece programações para crianças e adultos, em duas peças que ficam em cartaz ao longo do mês

Repórter: EDMA CRISTINA DE GÓIS - ESPECIAL PARA O CADERNO 3

Espetáculo da Cia. Sem Nome revisita clássicos infantis

No texto escrito por Danilo Castro, a criança não é infantilizada. É tratada como gente séria, que entende e pode interagir com a narrativa apresentada. Assim, a proposta da Cia. Sem Nome quer fazer crianças de todas as idades pensarem nos personagens do espetáculo "Uma rapadura, 3 atores & uma história". A peça está em cartaz todos os domingos de fevereiro, sempre às 16 horas, no Teatro Sesc Senac Iracema (Rua Boris, 90, Praia de Iracema).

De acordo com Danilo Castro, que também assina a direção do espetáculo com os atores Clark Ribeiro e Larissa Cândido, a peça é acessível a todas as crianças que tenham tido contato com clássicos da literatura infantojuvenil. Assim, se torna fácil identificar as histórias conforme são contadas nos livros e a ruptura que o grupo pretende. "Fazemos questão de mostrar às crianças que são atores que interpretam os personagens. A gente quer elas percebam um ator por trás da personagem", explica o diretor.

A Cia. Sem Nome, em um trabalho semelhante ao que é feito na nova literatura que desconstrói figuras conhecidas como Rapunzel, Branca de Neve e Chapeuzinho Vermelho, propõe uma releitura dos clássicos, oferecendo ao público um exercício de nova interpretação dos textos.

Castro conta que a ideia para o espetáculo partiu de uma disciplina cursada, ainda na época do curso de graduação em Artes Cênicas no Instituto Federal do Ceará (IFCE), sobre interpretação. A espinha dorsal da pesquisa à época se baseou em métodos e práticas do teatrólogo Bertolt Brecht.

Quem quiser conferir a montagem também poderá participar da campanha de arrecadação de livros, coordenada pela companhia. Serão recebidos livros não-didáticos a serem doados para bibliotecas cearenses.

Também em cartaz no Sesc Senac Iracema, a peça "à2" é a opção para o público adulto hoje e nos dias 13, 19 e 20 deste mês. Da Cia. Xuxu Crocante, o texto mescla humor e drama em uma história que fala sobre os descaminhos dos relacionamentos afetivos na modernidade.

O texto convida o público para dar a sua própria interpretação ou seu desfecho narrativo. Sem fim, sem nomear os personagens, a história é posta em aberto, para que cada um possa preencher o final que lhe convém, sendo co-autor da obra.

MAIS INFORMAÇÕES

"UMA RAPADURA, 3 ATORES & UMA HISTÓRIA", dias: 13, 20 e 27, às 16h. Entrada franca

"À2", hoje, dias 13, 19 e 20, às 20h. Entrada: R$10 (inteira), R$ 5 (meia).

Teatro Sesc Senac (rua: Boris, 90- Praia de Iracema).

Conheça o Blog da Cia. Sem Nome!

Fonte: Diário do Nordeste - Caderno 3

NOTA DE REPÚDIO: BIENAL DA UNE É UMA FARSA

2011-01-26T10:26:00.000-08:00

A União Nacional dos Estudantes (UNE) promoveu um encontro para 15 mil estudantes de toda a América Latina. Música, Teatro, Esporte, Audiovisual, Intervenções, Shows, Tecnologia e diversas outras atividades em diferentes áreas eram o mote para a 7ª Bienal da UNE.

Ao todo foram selecionados 201 trabalhos para as mostras artísticas que o evento estimava reunir. No Aterro do Flamengo, uma estrutura grandiosa estava montada, várias tendas com equipamentos de primeira linha estavam instaladas para receber o evento, além das estruturas na Lapa, na Quinta da Boa Vista e no Museu da República.

É, mas parece que a imaturidade de muitos organizadores não deu conta do evento faraônico. O alojamento em que os estudantes foram abrigados estava em condições deploráveis, sim, é essa a palavra. Locais sem nenhuma estrutura para receber os 15 mil estudantes. Onde estava a Coordenação de Mobilização dos estudantes e artistas nessa hora? Banheiros em péssimas condições, cantinas com alimentação escassa, cara e ruim, nem telefone público havia nos alojamentos. Diversos foram os casos de estudantes que tiveram seus pertences roubados, máquinas digitais, notebooks, celulares, dinheiro... Estavam rasgando barracas para roubar os pertences. E onde estava a segurança? Dormíamos todos tensos, com medo de ladrões. Claro, qualquer estudante sabe que não se espera luxo num congresso, mas espera-se o mínimo de dignidade para recebê-los, atendê-los, entendê-los.

As oficinas e palestras aconteciam com presença mínima dos estudantes, que, em sua maioria preferiu ir ao Rio de Janeiro para fazer turismo, após se deparar com aquilo. E o retorno disso tudo? Chega onde, chega a quem, à imprensa? Porque para os estudantes a Bienal foi como um festival de música, afora os atrasos absurdos em praticamente todas as programações, somente os shows foram bons, somente. Mas uma Bienal não é só festa, entretanto, parece que foi só isso que importou para muitos dos organizadores, só isso que levamos dessa Bienal, uma festa como qualquer outra, regada a bebida e canabis, no caso, muita canabis.

Pior para os selecionados, que foram apresentar seus trabalhos e, para muitos deles, nem isso foi possível devido à desorganização dos coordenadores. Comigo, por exemplo, aconteceu que após produzir um videoconto com parceria da Universidade Federal do Ceará (UFC) e Vila das Artes (Casa de Cinema – Prefeitura de Fortaleza), não exibi meu trabalho porque um televisor no “Buteco Literário” quebrou e uma pessoa da coordenação da mostra de literatura a qual fui selecionado, me disse “Cara, não posso fazer nada!”. Imagine só sair da sua cidade, parar sua vida para apresentar um trabalho que te gerou custos, conseguir autorização para se ausentar do trabalho, desmarcar ensaios dos seus trabalhos artísticos e ouvir: “...não posso fazer nada!”.

É absurdo, mas pior é que nem desculpas eu ouvi, nem depois de gritar reivindicando por esse ato revoltante da Coordenação de Literatura. Havia projetor no Teatro Arena, na mostra audiovisual e em outros lugares, mas nenhuma solução foi encontrada por imaturidade da organização que pouco se importou com os trabalhos que eram ou não eram apresentados. Além disso, publicaram um pedaço no meu conto no jornal e assinaram “Danilo Lima”, mas meu nome é “Danilo Castro”. Além disso, meu conto no site foi publicado paragrafado, mas no meu conto não há parágrafos. Além disso, somente o nome de duas convidadas para mostra de literatura saiu na programação, nenhum selecionado de literatura saiu na programação, enquanto todos os selecionados das outras áreas teve seu nome publicado. Além disso, houve um atraso horrendo quanto ao pagamento dos 100 reais prometidos como pró-labore, que foi pago somente no último dia às 21 horas. Além disso, a Coordenação de Áreas, não foi tão cortês com muitos que reivindicavam o que nos era de direito. Além disso, nem certificados os selecionados receberam porque a Bienal não fez certificados para os selecionados. Se eu continuar, não pararei de citar a palavra “além”.

Se fosse um caso isolado, poderíamos pensar, em toda produção há falhas, mas não foi isolado, pelo contrário, todos que conversei detestaram a Bienal, estudantes do Mato Grosso, Rio Grande do Sul, Pará, Puaí, Brasília, etc.

E o que fazer agora depois da desmoralização? Será que um estudante dentre os 15 mil vai ter voz para alguma coisa? Será que a UNE vai me responder esta nota pedindo desculpas pelo ocorrido? Será que algum veículo vai dar espaço para esse manifesto? É completamente paradoxal um estudante ser lesado por uma entidade que luta pelos estudantes.

No 9º Distrito Policial do Rio de Janeiro, fui aconselhado pelo inspetor a ir ao Juizado Especial e à Defensoria Pública do Rio de Janeiro para mover uma ação contra danos morais. Então, estou tentando resolver por vias legais, é o mais sensato numa situação como essa.

Espero que a Coordenação Geral, numa outra oportunidade, possa repensar sua equipe e trabalhar com pessoas que tenham competência para arcar com um evento nessas proporções, pessoas humanizadas que, no mínimo, saibam respeitar o estudante.

Abaixo segue o meu trabalho audiovisual para quem tiver curiosidade:

Danilo Castro

26/01/2011

O rato entocado no canto - Videoconto

2011-01-14T05:08:00.000-08:00

Este é o videoconto "O rato entocado no canto" inspirado na obra homônima de minha autoria. O trabalho foi realizado para exibição na 7ª Bienal da União Nacional dos Estudantes (UNE), que acontece este ano (2011) no Rio de Janeio-RJ, entre 18 e 23 de janeiro. Os seis dias de evento terão atividades culturais, científicas e esportivas espalhadas por diversos espaços da capital carioca. O conto foi aprovado entre diversos trabalhos de estudantes de toda a América Latina e o videoconto será exibido num espaço titulado "Buteco Literário", destinado aos autores aprovados. Na ocasião, também acontecerão performances, intervenções, leituras dramáticas, videopoemas, o lançamento do livro "Os Lusófonos," de Martinho da Vila, além do intercâmbio literário entre os 20 selecionados para Mostra de Literatura. O vídeo foi produzido com apoio do Curso de Comunicação Social da Universidade Federal do Ceará (UFC), UFC TV e Vila das Artes.

Produção, texto e atuação - Danilo Castro

Direção e Edição - Andrei Bessa

Assistente de Produção - David Lima

Música 1 "Eu sei que sou fraco" - Andrei Machado

Música 2 "Deixando o Quintal" - Martin Eikmeier

Assistência de Câmera - Álvaro Graça Júnior

Agradecimentos

Glícia Pontes, Clóvis Markan, Universidade Federal do Ceará, UFC TV, Curso de Comunicação Social - UFC e Vila das Artes.

Clique aqui para ler o conto original.

O Ator

2010-12-11T11:17:00.000-08:00

Dramaturgo e teatrólogo, Plínio Marcos

Por mais que as cruentas e inglórias batalhas do cotidiano tornem um homem duro ou cínico o suficiente para ele permanecer indiferente às desgraças ou alegrias coletivas, sempre haverá no seu coração, por minúsculo que seja, um recanto suave onde ele guarda ecos dos sons de algum momento de amor que viveu na sua vida. Bendito seja quem souber dirigir-se a esse homem que se deixou endurecer, de forma a atingi-lo no pequeno núcleo macio de sua sensibilidade e por aí despertá-lo, tirá-lo da apatia, essa grotesca forma de autodestruição a que por desencanto ou medo se sujeita, e inquietá-lo e comovê-lo para as lutas comuns da libertação. Os atores têm esse dom. Eles têm o talento de atingir as pessoas nos pontos onde não existem defesas. Os atores, eles, e não os diretores e autores, têm esse dom. Por isso o artista do teatro é o ator. Mas o ator tem que se conscientizar de que é um Cristo da humanidade e que seu talento é muito mais uma condenação do que uma dádiva. O ator tem que saber que, para ser um ator de verdade, vai ter que fazer mil e uma renúncias, mil e um sacrifícios. É preciso que o ator tenha muita coragem, muita humildade e, sobretudo um transbordamento e amor fraterno para abdicar da própria personalidade em favor da personalidade de suas personagens, com a única finalidade de fazer a sociedade entender que o ser humano não tem instintos e sensibilidades padronizados, como os hipócritas com seus códigos de ética pretendem. Eu amo os atores nas suas alucinantes variações de humor, nas crises de euforia ou depressão. Amo o ator no desespero de sua insegurança, quando ele, como viajor solitário, sem a bússola da fé ou da ideologia, é obrigado a vagar pelos labirintos de sua mente, procurando no seu mais secreto íntimo, afinidades com as distorções de caráter que seu personagem tem. E amo muito mais o ator quando, depois de tantos martírios, surge no palco com segurança, emprestando seu corpo, sua voz, sua alma, sua sensibilidade para expor sem nenhuma reserva toda a sensibilidade do ser humano reprimido, violentado. Eu amo o ator que se empresta inteiro para expor para a platéia os aleijões da alma humana, com a única finalidade de que seu público se compreenda, se fortaleça e caminhe no rumo de um mundo melhor que tem que ser construído pela harmonia e pelo amor. Eu amo os atores que sabem que a única recompensa que podem ter – não é o dinheiro, não são os aplausos – é a esperança de poder rir de todos os risos e chorar todos os prantos. Eu amo os atores que sabem que no palco cada palavra e cada gesto são efêmeros e que nada registra nem documenta sua grandeza. Amo os atores e por eles amo o teatro e sei que é por eles que o teatro é eterno e que jamais será superado por qualquer arte que tenha que se valer da técnica mecânica.

Plínio Marcos

Do Ceará para o Mundo - Buchicho (O Povo)

2010-12-11T10:29:00.000-08:00

Mais uma vez o Ceará é cenário para a gravação de novelas. Desta vez, a novela teen portuguesa, Morangos com Açúcar- Geração Rebelde, aterrissou na cidade desde a última sexta-feira para finalizar a sexta temporada do folhetim. O Buchicho teen acompanhou um trecho das gravações no Porto das Dunas

Elisa Parente

12 Mar 2009

Praia, esportes radicais e gente bonita fizeram parte das gravações da telenovela portuguesa Morangos com Açúcar – Geração Rebelde, em Fortaleza. As gravações, que tiveram início na última sexta-feira, 6, fazem parte da temporada de inverno (!) do sexto ano de exibição da novela que é sucesso em Portugal. Os seis episódios gravados no Ceará serão exibidos durante a Páscoa no país. ôEste é mais um final de temporada que nós gravamos fora de Portugal. Já estivemos em Cabo Verde, na Inglaterra, na França, em Cuba e inclusive no Brasil. Na série 1 estivemos no Rio Janeiro, na série três fomos até Pipa e agora na sexta temporada viemos para Fortaleza®, explica o organizador e coordenador do projeto Hugo de Sousa.

A idéia de vir para Fortaleza surgiu de um interesse mútuo entre a telenovela e a Secretaria de Turismo do Ceará. ôA Secretaria de Turismo e o Beach Park buscavam um parceiro para divulgar o Estado na Europa e nós procurávamos uma nova locação para a novela. Deu certo®, afirma Hugo. ôEsta é a primeira novela européia a ser gravada no Ceará. Nós consideramos esta iniciativa como uma ação inovadora e de baixo custo, visando atingir novos turistas®, afirma o secretário adjunto de turismo do Ceará, Osterne Feitosa.

A equipe de cerca de 40 profissionais, entre diretores, fotógrafos e produtores, trouxe ainda oito jovens atores portugueses, entre 18 e 24 anos. Pedro Rodil, protagonista da série, vem pela primeira vez ao país. ôEu sabia que o Brasil era quente, mas não esperava que fosse tanto®, revela o ator em um dia de sol fraquinho, para o clima normal. Seu personagem se envolverá com Aline Pereira, a atriz cearense que, junto com o ator Danilo Castro, participará da novela. A cada final de temporada, a equipe de Morangos com Açúcar viaja para um destino para gravar as cenas de férias. ôNessas viagens sempre contratamos atores locais para contracenar com o elenco fixo. É importante para conhecermos melhor a cultura e os costumes locais. É divertido e emocionante®, ri-se Hugo. As gravações terminam hoje e a equipe volta para Portugal.

Do Ceará para o mundo

O ator Danilo Castro, 19, é um dos atores cearenses que participará das gravações de Morangos com Açúcar. Este é o primeiro papel do cearense em novelas, que estuda no Curso Superior de Artes Cênicas do Cefet. Danilo, que já trabalhou em curtas-metragens, comerciais e figurações em outras novelas, interpretará Elizeu, um funcionário do parque aquático onde os garotos portugueses se divertirão nas férias no Ceará. Elizeu se envolverá com Beatriz (interpretada pela atriz portuguesa Débora Ghira), mas os sentimentos da gringa não estarão lá muito voltados para o cearense, que sentirá ao ser descartado pela moça.

Clássico em releitura - Vida & Arte (O Povo)

2010-12-11T10:17:00.000-08:00

Inspirado na obra de Tenessee Williams, espetáculo que aborda a exploração sexual, volta a ficar em cartaz a partir de hoje, em montagem assinada por ex-alunos do IFCE

Thiago Barros

thiagobarros@opovo.com.br

especial para O POVO

14 Jan 2010

Dos corredores do Instituto Federal do Ceará (IFCE), antigo Cefet, surgiu a ideia. Raíssa Starepravo, então estudante de Artes Cênicas da instituição e dona da cabeça onde se deu tal fenômeno, juntou, por volta de dezembro de 2008, um grupo de colegas, com a intenção de montar uma peça baseada no texto de Esta Propriedade Está Condenada, de autoria do dramaturgo americano Tenessee Williams. Surgia aí o embrião para o grupo de teatro hoje conhecido como Grupo de Pesquisas e Experimentações Teatrais (GPet).

Criado especificamente para essa montagem, o GPet conta também, desde o começo, com Andrei Bessa e Danilo Castro, que se tornaram, respectivamente, o diretor e o parceiro de cena de Raíssa na montagem que ela imaginou. Com o passar do tempo, no entanto, os três viram a necessidade de abordar mais a fundo um ponto particular da obra original. Essa modificação no propósito da peça deu origem ao espetáculo Revoar, que fica em cartaz nas três quintas-feiras restantes do mês, no Teatro Sesc Senac Iracema, depois de duas apresentações em dezembro de 2009.

Em Revoar, Wille, interpretada por Raíssa, é uma adolescente lutando para se equilibrar nos trilhos de uma vida conturbada e desestruturada. Seu diálogo, inicialmente despretensioso, com o personagem Tom, vivido por Danilo, os permite redescobrir seus mundos e dilemas. ``O texto do Tenessee se desenvolve em torno das lembranças da protagonista. A história é focada na loucura dela e na postura de dúvida que Tom assume enquanto ela vai lembrando``, explica Andrei. No decorrer dessas memórias, Wille fala da irmã que se prostituía e, estendendo-se nesse assunto, dá a entender que já sofreu abuso sexual. ``Partimos, então, desse ponto. Fomos pesquisar o problema em Fortaleza e percebemos que era uma coisa séria``, revela o diretor.

Uma vez decidido o enfoque que iria ser dado à montagem, passou-se ao processo de adaptação em si. "Colocamos o que queríamos dizer e mudamos o que queríamos mudar", conta Andrei. Segundo ele, o espetáculo segue uma linha pós-dramática, dentro da qual o desenrolar das cenas nem sempre ocorre de maneira linear. "Há a conversa entre os dois, mas algumas cenas não têm nem falas", diz ele, explicando que se valeu desse recurso para ilustrar os momentos em que a personagem principal se refere às suas recordações. "Dentro da nossa proposta, nós nos utilizamos de recortes de cenas, que não necessariamente precisam ter sentido. Uma das formas que encontramos para fazê-lo foi através dos flashbacks, que retomam o abuso sofrido por Wille``, acrescenta Raíssa.

Tema difícil

Para compor a protagonista de Revoar, Raíssa, entre outras coisas, assistiu ao filme As meninas. "Aquilo tudo me chocou muito", afirma, ressaltando que a sensação que teve foi ainda mais poderosa devido à escassez de material produzido sobre a questão. A atriz revela que nunca antes havia incorporado uma garota tão jovem e que esse fator, somado ao peso da história, tornou o papel um desafio. "Ela não é uma menina normal, já passou por muita coisa", comenta. Para Andrei, a experiência não foi menos complicada, mesmo que por outro motivo. "O tema é forte. Por isso, tive muito cuidado para não tornar o espetáculo didático, cansativo. Desde as apresentações no fim do ano passado, nós reformulamos muita coisa para passar melhor o que queremos passar", explica.

SERVIÇO

REVOAR - Espetáculo do Grupo de Pesquisas e Experimentações Teatrais. Apresentações nos dias 14, 21 e 28 de janeiro de 2010 (quintas-feiras), às 20h, no Teatro Sesc Iracema (Rua Boris, 90 C - Praia de Iracema - ao lado do Centro Cultural Dragão do Mar). Ingressos: R$ 10 (inteira) e R$ 5 (meia). Outras informações: 3252 2215.

E MAIS

- O título Revoar remete ao significado múltiplo do termo. "Tornar a voar, voar novamente ou voltar ao ponto de partida" são algumas das definições que captaram a atenção do grupo, por todo seu caráter simbólico. Tendo em vista o abuso tematizado no espetáculo, Andrei explica a escolha. "Na peça, está-se diante de ações que já aconteceram e que acontecem novamente, num incansável movimento de "eterno retorno", diz.

Exploração sexual em foco - Arte & Diversão (O Estado)

2010-12-11T09:52:00.000-08:00

Nos dias 5 e 6 de dezembro, no Teatro Sesc Senac Iracema o espetáculo de teatro Revoar aborda o tema

Revoar, primeiro espetáculo do Grupo de Pesquisas e Experimentações Teatrais (GPET), estréia em dezembro de 2009 no Teatro Sesc Senac Iracema – apenas nos dias 5 e 6. Revoar aborda o universo da exploração sexual de menores de forma poética. Livremente inspirada na peça “Esta propriedade está condenada”, de Tennessee Williams, o espetáculo é um conjunto de cenas que retratam essa temática e vão sendo costuradas pelo texto de Williams. Direção de Andrei Bessa, com Danilo Castro e Raissa Starepravo no elenco.

“Tornar a voar, voar novamente ou voltar ao ponto de partida” são alguns dos significados que o dicionário dá para a palavra “revoar”. O público é tratado como pássaros que estão livres para ir e vir, diferentes dos personagens centrais – pássaros enfeites para apreciação dos demais. A peça começa com a inocente conversa de uma garota, Wille, com o menino Tom. Wille mora sozinha em um casarão abandonado, perto de um trem, e para sobreviver precisa dormir com os homens da ferroviária. Já Tom, que parecia ser apenas um garoto à procura de um bom lugar para brincar com sua pipa, não é exatamente quem nós esperávamos.

O espetáculo segue a linha pós-dramática, na qual os atores possuem uma maior liberdade de montar suas cenas. A temática da exploração sexual, um dos temas propostos nas entrelinhas do texto de Tennessee Williams, é tratada na peça de forma corajosa. Afinal, nossa cidade ocupa um lugar de destaque no triste ranking da exploração sexual, mas o tema é, muitas vezes, deixado de lado das discussões.

As cenas criadas pelo grupo e as adaptadas do texto de Williams fazem do espetáculo uma grande mistura, exigindo uma maior atenção por parte da platéia. Por isso mesmo, a peça é apresentada em um palco em forma de arena, mais próximo ao público, deixando a comunicação com os espectadores mais direta e com maior tensão.

GPET, Grupo de Pesquisas e Experimentações Teatrais, é composto por Andrei Bessa, Danilo Castro e Raissa Starepravo. Apesar de o grupo estar estreando nos palcos, os membros do GPET possuem diversas experiências na arte teatral e são formados pelo curso superior em Artes Cênicas pelo IFCE (antigo CEFET-CE).

SERVIÇO

Peça teatral Revoar. Dias 5 e 6 de dezembro de 2009, as 20h. R$ 10,00 / R$ 5,00. Teatro Sesc Senac Iracema (Rua Boris, 90 C – Praia de Iracema – ao lado do Dragão

Veja a matéria no site do O Estado

Ao ponto de partida - Caderno 3 (Diário do Nordeste)

2010-12-11T09:29:00.000-08:00

Peça aborda a exploração sexual infanto-juvenil. As apresentações acontecem no Teatro Sesc Iracema, amanhã e nos próximos dias 21 e 28

ANA CECÍLIA SOARES

REPÓRTER

13/1/2010

Em tempos que a exploração sexual de crianças e adolescentes se faz mais presente no noticiário, o espetáculo "Revoar" do Grupo de Pesquisas e Experimentações Teatrais (GPET) discute o tema. Aliando poesia e crítica, o grupo trata com sensibilidade um drama incorporado à rotina da cidade feito erva-daninha, sem perspectiva de desaparecimento, apesar das iniciativas de ao crime.

Como uma chaga aberta que não cessa de doer, sempre aninhada por lembranças de um dia que nunca passou para as personagens Tom e Wille, "Revoar" não subestima o público. "É o feto quase abortado, mas, como um miasma cancerígeno em ventre materno, sobreviveu para que a gestora sofresse até seus últimos dias. ´Revoar´ arde até não se sabe quando, ´Revoar´ me dói assustadoramente, mas eu o amo ilimitado", escreve o ator Danilo Castro no blog do grupo (http://espetaculorevoar.blogspot.com).

Narrativa

Nascido de uma releitura da peça "Esta propriedade está condenada", do norte-americano Tennessee Williams, o espetáculo gira em torno do diálogo de Wille (Will, no original) e Tom.

Willie é uma garota em constante luta para se manter nos trilhos de uma vida conflituosa e desestruturada. O encontro com Tom traz à tona lembranças confusas de um passado dolorido. Após uma conversa que inicia despretensiosa, os dois adolescentes redescobrem seus mundos e dilemas, sendo esta uma forma encontrada de não anular suas vidas aos caminhos do fracasso.

Sem seguir uma linha cronológica, o espetáculo é costurado por cenas oriundas do texto de Williams. "O espetáculo segue a linha pós-dramática, na qual os atores possuem uma maior liberdade de montar suas cenas. A temática da exploração sexual e da pedofilia é tratada na peça de forma corajosa. Afinal, nossa cidade ocupa um lugar de destaque no triste ranking da exploração sexual", explica o ator.

Problema social

De acordo com os dados da Secretaria Especial dos Direitos Humanos, de 2003 a 2006, foram registradas cerca de cinco mil denúncias de abuso sexual infantil. O Ceará aparece em quinto lugar, com 1.124 casos.

Muitos desses casos acontecem no próprio ambiente familiar, geralmente a vítima, por medo da reação da sociedade, omite os abusos e grande parte dos casos não vem à tona.

Em 2005, a Secretaria Especial dos Direitos Humanos denunciou a comercialização sexual de crianças e adolescentes em 927 municípios brasileiros (um sexto de todos os municípios) e há a estimativa de que cem mil crianças e adolescentes são explorados sexualmente.

A região que mais apresenta casos ainda é o Nordeste, com ocorrências em 289 cidades. Mas as regiões Sul e Sudeste, que concentram a maior parte da riqueza nacional, tiveram ocorrências em 402 cidades (de todos os municípios).

Mais informações:

Revoar - espetáculo do Grupo de Pesquisas e Experimentações Teatrais. Com sessões todas às quintas do mês, sempre às 20 h, no Teatro Sesc Iracema (Rua Boris, 90 C - ao lado do Dragão do Mar). Ingressos: R$ 10 / R$ 5. Contato: (85) 3452 1242

Veja a matéria no site do Diário do Nordeste

Palavras Debaixo das Asas

2010-11-27T17:31:00.001-08:00

"A vida não é em linha reta, nem em ordem direta se processam as histórias de cada homem [...]."

Oswald de Andrade.

"... brincar de fazer arte é muita desonestidade ...” Sua frase é tão forte que eu não encontro palavras ante a expressão da sua alma, rapaz. Sim, pois essa frase não procede de argumentos externos apenas, mas o coração fala. E é isso que me cativou, sua vontade de ir além do limite estabelecido. Não se perca, Danilo. Não deixe que as circunstâncias ofusquem o brilho do seu sonho.

yaagob.blogspot.com

O rato entocado no canto

2010-10-17T10:46:00.000-07:00

Fonte da Imagem

Aquele rato entocado no canto me era o impossível. Disseram-me firmemente como conselho de mãe selvagem que não se desvencilha da cria, que o rato entocado no canto era dos mais perigosos, que se ele me atacasse qualquer dia desses, graves problemas se desentocariam. Mas o rato era quieto, eu também. Quanto mais o ponteiro rodava, mais eu me acostumava com o perigo. Pouco tempo depois da chegada do rato à minha casa, eu já nem me importava mais, o rato ia e vinha da toca, vinha e ia pra toca e sua presença já não me era mais tão estranha, como por muito tempo alertaram. Nós sabíamos um do outro. O rato fingia que não me atacaria, eu fingia que nunca seria atacado, juntos éramos ótimos fingidores em felicidade clandestina, esperando até que alguém desse o primeiro passo. Seria eu a caça fácil? Seria o caçador adiantado demais? No meio da dúvida o relógio parou, e quando menos se esperou, o rato se desentocou e abocanhou meus dedinhos macios. Pronto, agora estava eu contaminado. Bem que as mães selvagens, que defendem os pedaços que nasceram de si, avisaram-me. Fui bobo demais. Agora era tarde. Que seria de mim, depois de abocanhado? Eu não contei pra ninguém, mas com o passar do tempo, meus dedinhos foram ficando cada vez menores, porque todo dia o rato malvado arrancava-me uns pedaços madrugada adentro. Eu estava tão condicionado, que minha obrigação de gente sã era repugnar aquilo, mas toda noite, quando todos iam dormir, eu cerrava os meus olhos aguardando ansioso o momento em que o ratinho apareceria para comer-me os dedos. Ele comia com tanto gosto que eu nem percebia meus dedinhos indo embora boca adentro. Em tantos anos, aqueles me foram os poucos momentos mais longos em que me senti amado. Aos poucos, os outros iam percebendo que meus dedos estavam ficando menores e eu, cada vez mais profissional na arte de fingir, fazia-me de desentendido. Certa manhã, depois de horas de amor entocado nos nossos próprios desejos impróprios, quando olhei para os meus dedos, vi que eles não mais existiam, e pior, nem as palmas das mãos me eram possíveis. Então corri furioso, procurei o ratinho por todo lado e quando finalmente enfiei-me braço adentro naquela toca suja a procura do meu amor, percebi que o ratinho não lá mais estava. Nem ele, nem meus dedos, nem as palmas das minhas mãos. Então olhei para o relógio imponente lá no alto, em cima da toca, parado outra vez desde não sei quando e marejei meus olhos atoleimadamente oblíquos, era o que me restava fazer. O rato desentocado do canto nunca mais se entocou. E eu, aleijado pelo meu desamor, nunca mais toquei alguém.

Danilo Castro

05.10.2010

Assista abaixo o videoconto "O rato entocado no canto"

Simplesmente Nós

2010-09-06T12:42:00.000-07:00

Simplesmente eu assisti. Como qualquer velhinha que volta a tomar banho de mar depois de anos de reclusão e privações por causa da idade. Simplesmente eu vivi aquilo como se aquele me fosse o último espetáculo possível. Fiquei estarrecido, o espetáculo me tocou de uma maneira inexplicável. Nunca havia acontecido aquilo comigo, nunca mesmo. Sabe quando um cirurgião de traumatologia não se afeta mais com o que vê? Quando crânios abertos ou clavículas quebradas são para o médico experiente como gravetos secos, duros, sem vida e só? Eu ando assim diante do teatro. Vejo tanta coisa que nada mais me afeta, quase nada. Estou perdendo a sensibilidade ou isso é normal? Minha vivência com o teatro vem me deixando mais exigente, cada vez mais, inclusive principalmente comigo mesmo. Beth é uma atriz inteligente. Usa seu corpo e sua voz de uma maneira extremanete precisa, codificada e virtuosa. Uma voz limpa, preparada para dominar os confins mais impossíveis de quem a assistia. Demorou cerca de 40 minutos para eu realmente ser fisgado, mas quando isso aconteceu, o anzol transpassou todo meu corpo, depois eu morri por tempo indeterminado. Era realmente impossivel sobreviver. Não consegui me desprender daquilo que eu não sei explicar. O teatro, o verdadeiro Teatro aconteceu ali, entre mim e Beth, numa conexão sacra, creio. Não só por se tratar de Clarice, não só por se tratar de uma maestrosa atriz, não só por se tratar de um mero espectador possivelmente tendencioso. Mas eu passei por um momento divino de catarse como nunca me aconteceu antes. Saí daquele território modificado, isso é o que mais me importa. Clarice viveu em mim por aqueles ínfimos momentos agora eternos. Era ela, eu sei, por intermédio de uma grande artista, simplesmente era ela me preenchendo mais uma vez como se fosse a primeira vez.

Danilo Castro

6 de setembro de 2010

Espetáculo "O Pagador de Promessas" na Mostra Brasileira de Teatro Transcendental - Dia 20/08

2010-08-08T13:15:00.000-07:00

Dia 20 de agosto "O Pagador de Promessas", clássico de Dias Gomes com direção de Fernando Lira, em cartaz na Mostra Brasileira de Teatro Transcendental em duas sessões: 19h e 21h. no maestroso Theatro José de Alencar. A entrada é 2kg de alimento não perecível. Esta grande tragédia de Dias Gomes conta a história de um típico homem do sertão nordestino, pleno de sua inocência, luta, em nome de sua honra, contra toda uma coletividade que, de maneira hostil, deseja destruí-lo. Tudo por causa de uma promessa feita para a recuperação da saúde de um animal, um burro. O fim trágico do ingênuo sertanejo torna-se sua própria redenção.

Maiores informações no site da mostra ou pelo telefone 85 32605140

Ficha Técnica:

Direção: Fernando Lira
Direção Musical: Simone Sousa
Produção: Larissa Cândido
Iluminação: Walter Façanha
Cenário: Luiz Carlos Pedrosa
Figurino: Dami Cruz

Elenco:
Felipe Franco
Jesuíta Barbosa
Rafaela Diógenes
Mara Alcântara
Dalton Bráz

João de Lima
Ana Paula Soares
Juliana Maia
Danilo Castro
Gustavo Lopes
Larissa Cândido
Elvis Jordan
Jeniffer Suzana
Chirliane Alves
Amidete Aguiar
Graco Alves
Juliana Maia
Bernardo Victor

Mundo GORDO

2010-07-06T12:20:00.000-07:00

Foi assim, como quem não quer nada, que as coisas começaram a inflar diante dos seus olhos. A vida toda João pensou enxergar como os outros, mas no dia em que as coisas ganharam volume ele percebeu que o seu mundo era chapado, coisa em cima de coisa, como um desenho num pedaço de papel. Literalmente, visualmente.

Nunca lhe disseram que era anormal ver assim. Criou-se na mente dele uma realidade corrompida de mundo. Assim viveu por longos poucos anos até o dia de sua alforria. Ou quem sabe a partir daquele dia ele aprisionou-se no comum do mundo. Talvez fosse um privilégio ser diferente.

Funcionava assim: só se sabia que algo estava na frente d’algo porque uma imagem contornava-se por cima d’outra, mas não havia profundidade entre as coisas. Por isso gerou-se em sua mente virgem outra forma de percepção, porque era necessidade pegar nas coisas para entender as coisas. O tato estava visceralmente ligado à visão. João era algo como um semi-cego, o que não lhe era possível por à mão, sua imaginação recriava completando os vácuos de e-n-t-e-n-d-i-m-e-n-t-o bem assim, como quem não quer nada. Este era o seu jogo solitário. Era rotina completar os espaços que entrecortavam a linha pontilhada que o mundo lhe oferecia. Esta era sua vida possível até o dia que o mundo engordou. Foi um encantamento indócil arregalando-lhe os olhos. Ainda comprimiu-se enterrando a cabeça entre os ombros e cerrando a vista, mas foi inevitável. O mundo intumescia-se sem pedir licença.

E assim, o mundo roubou seu mundo. Foi-se embora a simplicidade com que encarava as coisas em redor. Dali adiante só lhe restava fechar os olhos e intumescer-se de si mesmo, antes que não se reconhecesse mais. Porque do lado de fora, quando levantava as pestanas, era como se estivesse num lugar irreconhecível, no meio de lugar nenhum.

E as coisas continuaram seus rumos, menos para João, que nem parar no tempo, como de costume, pôde. As coisas não o deixaram respirar. João foi levado pela correnteza, nem deu tempo de dizer adeus. Agora não era mais necessário imaginar para entender. Esta foi a sua pior morte até então. Ninguém viu, ninguém sentiu, ninguém percebeu sua transição do infinito para o nada. As pessoas também engordaram, as pessoas também são coisas. Este era o seu novo destino possível. Bem assim, como quem não quer nada.

Danilo Castro
Ilustração de Gervásio Troche

A Saga Marcelo Tas

2010-05-28T13:01:00.000-07:00

Tudo começou quando soube que Marcelo Tas no dia 20 de maio estaria numa universidade particular em Fortaleza para uma palestra. Aquela seria a minha oportunidade de conhecer uma das figuras mais polivalentes da mídia brasileira, mas, compromissos artísticos me impediram de comparecer ao evento. Entretanto, a NOIX foi aprovada no Congresso InfoBrasil 2010 e neste mesmo congresso que ocorreria na semana seguinte, no dia 27 de maio, hoje, o Marcelo Tas marcaria presença com sua palestra de outrora.

Ontem arregalei os olhos e percebi que minha sede de estagiário aumentou quando surgiu a ideia: entrevistar Marcelo Tas. Revirei a noite estudando tudo sobre o cara e sobre mídias sociais, preparei o roteiro do nosso videocast NOIX Channel e no dia seguinte fui trabalhar e não contei nada ao patrão, queria trazer-lhe uma surpresa, combinei tudo com Washigton e Lahisla (Social Media Managers da NOIX) sobre a estratégia para mais tarde. Fui à UFC (Universidade Federal do Ceará), fiz minha prova de Psicologia e Comunicação, corri para o ponto de ônibus e depois de milênios de espera, o ônibus Circular II resolveu não parar pra mim, parece que quando a gente mais quer que as coisas dêem certo, elas insistem em dar errado...

O tempo passando e o medo de chegar atrasado no dia da minha principal entrevista foi tomando posse de mim como água penetrando em esponja. Alguns minutos depois peguei o ônibus e cheguei são e salvo à InfoBrasil. Encontrei meus companheiros de trabalho e começamos a gravar algumas tomadas do evento enquanto o Marcelo não chegava. Vozes disseram ao fundo “Marcelo chegou!”, “Ele não vai dar entrevista!”, “Marcelo ta abusado!”, “Ele não quer que filme!”, “Não pode bater foto com ele”. Enquanto uns alunos da FIC (Faculdade Integrada do Ceará) que trabalhavam no evento entravam em ebulição, aquelas frases ecoavam na minha cabeça em doses sucessivas, outra voz soltou: “Gente, ele vai dar entrevista sim, mas só pros alunos da FIC!” Neste momento a minha engrenagem parou e após meu processo epifânico, pensei: “agora é questão de vida ou morte.”. Era uma questão de honra entrevistá-lo, não só pela NOIX, não só por ser admirador do seu trabalho, mas por ter sido desafiado, pelo instinto de jornalista que busca o furo.

Sim, penetrei na sala VIP junto com a caravana da FIC, eu era o último espermatozóide buscando o zigoto que me parecia impossível, mas consegui, rompi aquela barreira e fecundei-me na sala onde estava aquela figura com a cabeça lustrada, camisa rosa, jeans, allstar e aspecto cansado. Cerca de 20 pessoas o cercaram e ele falou: "Podem começar". Advinha? Um monte de gente imatura, com aquele medinho bobo de iniciante ficou no zum-zum-zum, mas ninguém começava a entrevista.

A essa altura Washigton, nosso mega cameraman, também havia conseguido entrar no óvulo e ligou a câmera. Inspirei fundo e quando as primeiras palavras saltaram da minha boca as atenções daquela sala voltaram-se para o ser estranho, magro, esguio e de camisa xadrez que habitava aquele ninho sem ter sido convidado: eu. Então Marcelo Tas olhou pra mim e numa fração de segundos seu celular toca, ele pede um minuto e o atende. Eu com a cara de taxo, com sensação de coito interrompido, fiquei esperando ele terminar a ligação para continuar a pergunta pensei: “Não se deixe abater, Danilo, seja firme!” Não brochei, continuei assim que ele desligou e, como bebê em colo de mãe, senti que ali eu estava em terra sagrada, como me sinto em cima dum palco, em solo fértil, era exatamente aquilo que eu quero viver na minha profissão de jornalista daqui pra frente.

A conversa seguiu descontraída, fiz outras perguntas e todos olhavam pra mim, que roubei alguns preciosos minutos destinados aos alunos de Comunicação Social da FIC. Mas, quando olhei pro nosso mega cameraman e vi que ele não havia me filmado fazendo as perguntas eu pensei: “Quem vai acreditar que eu entrevistei Marcelo Tas?” Então quando tudo acabou, como um trombadinha de bom coração, tomei das mãos de Lahisla sua câmera fotográfica e corri seguindo o Marcelo Tas pelos corredores do Sebrae para conseguir uma foto que comprovasse que ele esteve ali, comigo, então eu disse com olhar de cão sem dono: “Marcelo, bate uma foto comigo?”. Me aproximei do seu ombro direito, o segurança tirou bruscamente minha mão de perto dele e quando já ia me empurrar (reveja na imagem a face macabra do segurança que quase me impediu de tirar a foto), consegui o registro, Marcelo Tristão de Athayde Souza parou, compadeceu-se e sorriu. Nada mais seria capaz de me impedir.

Então o Marcelo se foi e eu fiquei ali, parado, com vontade de gritar como Will Smith na última cena de “À Procura da Felicidade”. Corri alvoroçado para a palestra, fui barrado na portaria, mas ali já me sentia invencível, aquilo não era nada, passei por baixo do braço da mulher que barrava a entrada. Ela dizia: “Gente, tá lotado! Gente, não dá mais”. Mas nem ouvi nada, só a voz do Marcelo ao fundo e a salva de palmas vibrando o auditório que estava preenchido pela sua presença. Naquele exato instante, pensei num deslumbramento oportuno, como um herói que salva a pátria: “Obrigado pelas palmas, a Saga Marcelo Tas teve um final feliz!”. Agora é só relaxar e... Marta Suplicy que complete o restante desta frase!

Clique aqui para conhecer o Blog do Tas.

Clique aqui para conhecer o Portal NOIX.

Danilo Castro

27.05.2010

Canja de Galinha

2010-05-25T13:02:00.000-07:00

Foto: Google Imagens

...Caminharei. À passos de centopéia, caminharei incólume. E quando meus rastros desfalecerem com a força do vento, voltarei lentamente a cabeça para o que ficou, sorrirei um leve riso de canto de boca, marejarei os olhos e seguirei antes que as portas do infinito se fechem. Não existirá peso de sombra alguma sobre mim. Alguns poucos enxergarão minha ida. Estes, felizes, acenaram-me até que não haja mais nem a silhueta dos restos que se despedem em forma de mim. Quando absolutamente sozinho estiver, caminharei para uma eternidade que não existe além das minhas próprias fronteiras e lá, onde não se sabe o que é início ou fim, surgirá um espelho que refletirá um homem velho e esguio, que levantará calmamente as pestanas e sorrirá o meu riso infante perdido outrora. Caminharei, o espelho partir-se-á em mil pedaços, a luz me ofuscará noutros mil feixes luminosos até que a cegueira branca me acometa. Ainda assim, sem rumo, continuarei. As cortinas cairão das alturas e o barulho horrendo dos aplausos vazios não será suficientemente forte. Nada poderá me acordar das verdades irreais que o destino desvendou sob meus pés.

Caminharei.

Ca-mi-nha-rei

C-a-m-i-n-h-a-R-e-i...

D-a-n-i-l-o C-a-s-t-r-o
04.02.2010

O beijo no asfalto

2010-03-07T12:04:00.000-08:00

Foto do espetáculo Revoar - Por Luciana Gomes

"Ainda deu tempo de lhe lançar um último olhar. Foram dois gritos: o primeiro chamou-lhe como um pedido desesperado de socorro. O segundo foi um uivo ensurdeceDor de ossos quebrando. Por fim, dois corações estavam mortos. Um dilacerado no chão, o outro, batendo compulsivamente, num lapso angustiado de esperança clamou: Que faço? - O silêncio disse por si - Ele quis ser Deus, mas lágrimas grossas pesaram-lhe sobre a face anunciando sua impotência. O dia continuou igual, mas na cabeça dele a cena continuou a se repetir até o anoitecer."

Danilo Castro
04.03.2010

Aspas em "Alfa"

2010-02-28T10:35:00.000-08:00

Foto do espetáculo Revoar - Por Walmick Campos

"Entre a ignorância e o saber existe um v-á-c-u-o. É lá onde estou: num lugar que se chama Quase. Onde o caos de ambos os polos não existe. Imerso no silêncio do ventre de outrora."

Danilo Castro
02.02.2010

Lágrimas de avoante

2010-02-12T13:29:00.000-08:00

“Quando seria como os colegas das turmas de poesia e retórica? Eles tinham vozes grandes e botas grandes e estudavam trigonometria. Isso estava muito longe dele.”

James Joyce

Numa árvore quase morta perdida numa floresta densa para além-mar, vivia uma lagarta estranha chamada Stephen. A lagarta nasceu desengonçada e lerda como todas as outras e quando Deus lhe concedeu o momento certo, Stephen envolveu-se de si e aguardou com uma ansiedade imensurável o dia em que dali sairia para conhecer suas cores e o mundo a sua volta. Porque deveria haver flores dos mais diferentes perfumes para conhecer. Stephen deveria ter esperado mais, mas logo que o Sol aqueceu seu casulo e o calor não mais o segurava, Stephen, mesmo contra a vontade de Deus, resolveu desvencilhar suas asas - nasceu prematuro. Mas para sua surpresa, descobriu que ainda assim suas asas eram grandes e largas, poderia ele percorrer o mundo, caçar vida em seu bosque, sua terra, seu universo e... O que existiria além do universo? Nada. Mas onde fica a fronteira entre o fim do universo e o início do Nada? Stephen parou de pensar quando olhou suas asas largas e descobriu que infelizmente uma delas era torta, e pior, percebeu que suas asas eram cinza da mesma cor dos galhos secos que ele habitava. Stephen marejou os olhos, mas não chorou. Pobrezinho, quando uma antena enrolava para a direita, a outra espichava e vice-versa, por isso sua cabeça doía. Na verdade uma asa era boa, a outra meio quebrada. Mesmo assim, sem medo, Stephen voava. E o vento quando o emaranhava, deixava seu vôo esquisito, fazia-o sentir dores horrendas e a borboleta esguia, caía em melancolia e feito galinha afoita logo pousava, mais uma vez a borboleta quase chorava. Dali, Stephen não conseguia sair. Não demorou muito tempo para Stephen perceber que era rejeitado pelas outras borboletas, porque as outras achavam que conheciam o mundo e Stephen não conhecia Nada. Mas Stephen, ainda lagarta, aprendeu com a humildade do Sol que nem sempre a luz serve para enxergar, por vezes ela pode ofuscar e ver poesia na escuridão pode ser uma forma de amar. As românticas borboletas coloridas emanavam o brilho do Sol, enquanto Stephen, sem muito se importar, aquecia suas asas escuras e pensava no amanhã, matutava na cachola doída como faria para que chegasse o seu dia de voar. Um dia, quando Stephen olhava para o horizonte e de água seus olhos enchia, ele conheceu de súbito um beija-flor que o beijou até fazer cócegas. Stephen quase chorou, mas o beija-flor o fez engolir o choro e voou, e quando Stephen tentou segui-lo, pobrezinho mais uma vez caiu de tanta dor. Daquele dia em diante, todos os dias um beija-flor diferente aparecia na árvore seca e roubava um beijo de Stephen. Curiosamente os beija-flores o adoravam. Stephen respirou fundo e pensou “queria ter nascido beija-flor”, porque ser borboleta doía demais. Ser assimétrico e cinza nunca foi fácil diante de borboletas confeitadas. Dias depois, os beija-flores, feito formigas em cima de barata morta, habitaram a árvore e como água descendo em garganta ressecada, a árvore ficou encharcada de cor, encharcada de beijos, encharcada de uma efusão que Stephen, sem querer, provocou. Então, foi neste dia que as lágrimas de Stephen escorreram pelo rosto até tocarem o chão. Eram lágrimas de felicidade. Havia nele uma energia profunda, tons e mais tons das mais diversas cores escondidas no mais íntimo de seu âmago acinzentado. Foi essa energia inenarrável que transformou a rejeitada borboleta aleijada, em rei dos beija-flores das matas. Stephen não sabia, mas nasceu desabrochado, bastou apenas que fosse descoberto. Nem precisou ir tão longe, ali mesmo Stephen conheceu o mundo. A árvore retorcida e seca embebeu-se das lágrimas de Stephen e logo ganhou seu brio de outrora, e dali, feliz, ao lado de Deus e dos beija-flores, Stephen nunca mais foi embora.

Danilo Castro.
12.12.2009

O PAGADOR DE PROMESSAS

2010-01-07T14:50:00.001-08:00

O PAGADOR DE PROMESSAS

DE DIAS GOMES

apresentado pela décima turma de conclusão no Curso Superior em

Artes Cênicas do IFCE

Fotos de ensaio (Lorena Medeiros)

Identificação do Projeto

O Pagador de Promessas é a mais premiada peça do autor Dias Gomes. Nosso projeto remonta, numa versão contemporânea, esse clássico da dramaturgia nacional. O IFCE (Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do Ceará – antigo CEFET-CE) todos os semestres realiza um grande espetáculo de formação do Curso Superior em Artes Cênicas, estando em pauta no Teatro Dragão do Mar, um dos mais conceituados teatros da cidade.

O espetáculo está completamente fincado nas tradições nordestinas e possui um ecletismo cênico e lingüístico tornando singular a nova versão. Uma mistura de teatro, dança e música ao vivo são as bases que norteiam os rumos deste projeto artístico.

Com direção de Fernando Lira e direção musical de Simone Sousa, dois renomados profissionais nas suas respectivas áreas de atuação, o espetáculo está com estréia confirmada para o mês de janeiro e fevereiro de 2010 e seguirá pelo decorrer do ano.

Objetivos e Justificativa

Incentivar a formação de público para valorização das artes cênicas e dos artistas da cidade, explorando todos os campos que o teatro possibilita. Além de conceber a nossa identidade cultural como prioridade artística. O Pagador de Promessas conta a história do nosso povo, traz a crítica, incita questionamentos, repensa, recria e reconta o Brasil e suas dicotomias, sua complexidade e suas histórias.

Artes Cênicas no IFCE

O Instituto Federal do Ceará (IFCE) fundou em 2002 o primeiro Curso Superior de Tecnologia em Artes Cênicas do estado, promovendo o aperfeiçoamento da classe artística e a criação de espetáculos teatrais com base no conhecimento adquirido ao longo de todo o curso. Desde então, nove turmas graduaram-se, contribuindo com a qualidade e refinamento do mercado cultural de Fortaleza.

Serviço

O espetáculo “O Pagador de Promessas” encontrar-se-á em cartaz no Teatro Dragão do mar nos dias 13, 15, 20, 22, 27 e 29 de janeiro e 4 e 6 de fevereiro sempre às 20h.

Entrada Franca.

ELENCO

Amidete Aguiar, Bernardo Vitor, Chirliane Alves, Ciel Carvalho, Dalton Braz, Danilo Castro, Elvis Jordan, Emilena Cardoso, Felipe Franco, Glêycie Trigueiro, Graco Alves, Jeniffer Suzana, João de Lima, Juliana Maia, Larissa Cândido, Luiz Otávio Queiroz, Mara Alcântara, Paula Prudêncio, Rafaela Diógenes e Simone Sousa.

FICHA TÉCNICA

Direção – Fernando Lira, Direção Musical – Simone Sousa, Figurinos e Maquiagem – Dami Cruz, Cenário – Amidete Aguiar, Emilena Cardoso e Luis Carlos Pedrosa, Sonoplastia – O Grupo, Iluminação - Walter Façanha, Produção – Larissa Cândido, Equipe de Apoio – Circe Macena, Larissa Montenegro e João Machado, Designer Gráfico – Lucas Castro

Quase aborto

2009-12-08T14:55:00.000-08:00

Fotos de Walmick Campos

Sim, nasceu o filho bastardo de artistas ensandecidos por um novo modo de pensar e fazer o teatro. De tudo que o “Revoar” pode oferecer em dissipadas doses de uma energia incontrolável, o mais importante fica: a Dúvida - a mosca chata em cima da sopa, o dedo que cutuca o ombro alheio, o telefonema no último capítulo da novela, a pedra que não afunda, a água que não mata a sede - “Revoar” não subestima ninguém. “Revoar” é brasa em pés de criança. “Revoar” é o feto quase abortado, mas, como um miasma cancerígeno em ventre materno, sobreviveu para que a gestora sofresse até seus últimos dias. “Revoar” arde até não se sabe quando, “Revoar” me dói assustadoramente, mas eu o amo ilimitado.

Em breve nova temporada em 2010.

Danilo Castro
07.12.2010

Rebelado sem causa?

2009-11-21T19:38:00.000-08:00

Provedor Oi – 4002 3131

suporteadministrativo@oi.com.br
Atendente – Creusa
Supervisor – Maicon

Senhor Supervisor,

A pedido seu e com muito desgosto meu, envio-lhe em anexo 3 documentos de minha mãe, o RG, o Passe Livre (documento concedido apenas para portadores de deficiência) e a Carteira da Associação dos Surdos do Ceará. Isso prova que a minha mãe é surda e que eu respondo por ela em serviços por telefone.

O que me revolta é o fato de que, no momento que eu efetuei a contratação do Provedor Oi, não foi necessário que minha mãe “falasse” ao telefone, portanto, qualquer pessoa pode fazer a contratação do serviço, mas na hora de cancelar, por que somente a titular da linha pode fazer isso? É simplesmente equivocada a maneira como a empresa da qual o senhor faz parte trata o cliente, pois isso é um artifício ridículo para que o cliente permaneça mais tempo com o serviço, sem necessitar dele. Não estou questionando o fato de enviar os documentos que provam a deficiência da titular da linha, questiono o fato absurdo de que essa comprovação só foi exigida apenas para cancelamento.

Desejo com todas as minhas forças que este e-mail não pareça algo de um rebelado sem causa, mas que sirva como uma reflexão para a melhoria de normas que sejam viáveis e equivalentes em todos os setores da empresa (contratação e cancelamento), pois é bastante injusta a maneira a qual nós, clientes, estamos submetidos diante do Provedor Oi.

Senhor Supervisor, não seja apenas uma peça corporativa, uma máquina de sua empresa, pense como ser humano, pense como cliente, trabalhe em prol de uma sociedade mais justa, de relações melhores nesses tipos de serviço, oponha-se à idéia de lucro exacerbado que grandes empresas carregam como índole e busque a transformação dessa realidade deturpada e mercadológica a qual o senhor está inserido talvez sem perceber.

Se este e-mail atingir seu âmago, por favor, encaminhe-o para os outros cargos chefes da empresa e propague minha crítica, afinal, um dos principais falsos preceitos de qualquer grande empresa é o bom atendimento.

Aguardo uma resposta.

Muito atenciosamente,

Danilo Castro

Exercício, rascunho ou manifesto?

2009-11-12T10:45:00.000-08:00

GPET apresenta, com Danilo Castro e Raíssa Starepravo, REVOAR - Direção de Andrei Bessa

mais informações:

http://www.espetaculorevoar.blogspot.com/

Uma ansiedade (escrevi ansidade - devido à ansiedade que me doma, engoli a letra “e”) boba toma posse do meu corpo nesses últimos tempos. A típica ansiedade do artista inseguro consigo mesmo. Ao dormir, ao levantar vêm-me os fluidos devaneios da estréia de “Revoar”., uma releitura de "Esta propriedade está condenada" de Teneesse Williams. Li agora uma entrevista do Heiner Müller* e percebi o quanto o "Revoar" está embebido no veneno dos mortos do futuro, fantasmas que nos assombram e tomam posse de nós sem que nos demos conta. Meu corpo fala ou sou fantoche desses espíritos inquietos que viram em mim uma alma vulnerável, fácil de se corromper? Talvez os cânones do teatro clássico nos apunhalassem se pudessem, mas temos fantasmas protetores. A culpa pode se explicar nessa fragmentação louca que Brecht instaurou, deixando vácuos no nosso espetáculo, vácuos onde enxertamos a mais pura poesia de nós mesmos e nos permitimos algo estranho que dialoga com a performance. Sim, eu já consigo digerir perfeitamente, mas parece que ainda não tenho forças para acreditar que o que foi evacuado seja algo instigante para o outro, assim como é pra mim. Bem, alguém já disse que é preciso aceitar a presença dos mortos para entender o futuro, quem sou eu pra discordar? O que digo agora talvez sirva apenas como uma terapia para conter as energias que me arrastam para além de mim mesmo (devo saber usar a minha força criativa na cena e não agora, num momento inoportuno para a insanidade). Louco devo ser diante dos holofotes ou nos meus métodos anti-pedagógicos de treinamento teatral. Cá estou pensando... O que quero com o “Revoar”? A denúncia já existe, os problemas já são de conhecimento universal. Não quero apenas dizer o que já foi dito, quero encontrar a maneira certa de dizer para que eu, com o poder que me propus a tentar conquistar ao escolher ser ator, possa fisgar o mais íntimo pedaço do âmago alheio. Fisgar não para comovê-lo, mas para atordoá-lo. Quero ser pólvora, mas a explosão deve acontecer no meu espectador. Creio que já estamos caminhando assim desde os primórdios tempos de ensaio, mas vez por outra esquecemos disso. E é um medo bobo, o medo do imaturo em cena, o medo de cair aos primeiros passos, mas um medo que caminha junto à coragem, um medo que me propulsiona. Minha inexperiência me leva a pensar como minha família, amigos, classe teatral vai reagir a esse algo diferente a que estamos nos propondo. Para quebrar convenções é necessário ter ao menos tido, em algum momento da vida, a oportunidade de vivê-las. E nós estamos brincando feito crianças destemidas, inventando possibilidades. Lehman, em “O teatro pós-dramático”, já disse que não há necessidade de conexão e justificativa em tudo, isso é algo meio freudiano, esquizofrênico, não sei, mas é, no mínimo, libertador. É um processo de autoconhecimento, é transformador, é perturbador porque também sou público de mim mesmo. Almejo meu espectador não como um apreciador de um objeto estético, almejo-o rebelado junto a mim, só não sei se o meu poder de Cristo em cena é suficiente para laçar uma multidão de fiéis. Retornando ao que já disse, é medo de ser incapaz, de não atingir o conflito que Müller propõe entre espaço cênico e platéia, se a força confluir para um lado apenas, estaremos ainda convencionados ao teatrinho de mercado. É algo muito subjetivo, mas talvez este registro seja mais importante do que imagino. É um exercício, um rascunho ou um manifesto de mais um dos homens que existe em mim, porque acredito, sim, acredito na "arte como perturbação do consenso, como instrumento de subversão." - Heiner Müller

Danilo Castro

08.11.2009

Sebastião e Danilo

2009-10-20T05:19:00.000-07:00

Sebastião era um sapo. Danilo era um grilo. Simples assim. Enquanto no resto do mundo os sapos comiam os grilos e os grilos fugiam dos sapos, os dois viviam muito bem, obrigado, e eram felizes. A verdade é que Sebastião e Danilo eram amigos com muitas coisas em comum. Os dois eram verdes. Os dois viviam saltando. Os dois adoravam plantas de folhas largas. Os dois viviam na beira da mesma lagoa. Os dois adoravam cantar à noite. Aliás, foi essa história de soltar a voz que fez os dois ficarem famosos. Em noite de lua clara, vinha a bicharada toda para ouvir a cantoria. A coruja lá no alto da árvore, os peixinhos dentro da lagoa. Os bois bem grandes e fortes, os mosquitinhos pequenininhos. A lesma bem devagar e os coelhinhos correndo, correndo. Só que o sucesso era tanto que logo começou a confusão. Teve uma noite em que as libélulas, apaixonadas pelo grilo, começaram a gritar: "Danilo! Danilo! Danilo!" Os jacarés, que eram fãs do sapo, ficaram com muita raiva daquilo e logo puxaram o coro: "Sebastião! Sebastião! Sebastião!" A coisa foi esquentando e logo os bichos estavam divididos. Meio a meio, um tanto de cada lado. De uma hora pra outra começou a briga. Era pena voando daqui, água espirrando dali, miados, mugidos, piados, latidos, rosnados, tudo numa bagunça tão grande que ninguém escutava mais a música. No meio daquilo tudo, Sebastião e Danilo saíram de mansinho e nunca mais voltaram àquela lagoa, para a tristeza da bicharada. Mas se você for com cuidado, sem fazer nenhum barulho, em um certo brejo não muito longe dali, vai ouvir bem baixinho, quase um sussurro, a música mais bonita daquela região. Sem público, nem confusão, os dois continuam juntos, amigos, uma dupla de verdade. Cantando sempre, só mesmo porque cantar é muito bom.

Este conto foi publicado na revista ESCOLA da editora Abril em novembro de 2008 e tem autoria de Maurilo Andreas

www.pastelzinho.blogspot.com

Inenarrável

2009-10-09T04:44:00.000-07:00

Parafraseando Tom Jobim, eu afirmo conficto:
À BAHIA NÃO DIGO ADEUS, MAS ATÉ BREVE.

"Será preciso coragem para fazer o que vou fazer: dizer.
E me arriscar à enorme surpresa que sentirei
com a pobreza da coisa dita.”
Clarice Lispector

Quase todos os dias, uma bolsa se rompe e anuncia o parto. Nasce então das minhas entranhas, um pedacinho de mim metamorfoseado em letras compositoras de verdades, mentiras e dúvidas, porque eu nunca delimito até onde é imaginação ou realidade. Um broto está se desabrochando, nas próximas linhas, vai se transformar numa rosa linda, espero. Ou será que vou escrever asneira?

Meus poucos, mas importantes minutos em que estou diante do que escrevo, hoje são inteiramente dedicados a um Ser que me mostrou uma vida com outros olhos, que me fez despreocupar do amanhã, mostrou-me quão bom é viver o agora. Trata-se de algo além do que posso relatar não por não poder, mas por não saber. As palavras faltam ou os sentimentos são nobres demais ao ponto de serem impossíveis de limitarem-se aqui, neste papel?

Não sei escrever, talvez se eu desenhar na areia eu consiga representar melhor minha evasão, talvez se eu puder cavalgar num alazão branco sentindo no rosto o gosto do vento, eu possa dizer melhor. Talvez se numa noite fria chover forte e eu correr pelado pela madrugada banhado pela chuva e o luar, eu consiga representar a felicidade que reina aqui no meu céu.

Não sei escrever, nem as comparações me são dignas. Vou caçar incessantemente no dicionário todos os vocábulos que eu puder e procurar desvendar a melhor maneira de contar, ou melhor, vou tentar conhecer outras línguas e misturar todas elas para narrar numa epopéia essa sensação fresca no peito. Talvez nem assim funcione, idéia fracassada antes mesmo de se fecundar. Mas será que essa sensação seria boa se eu conhecesse plenamente tudo que me envolve a ela? Creio que não. Talvez bom seja ter vários “talvez” para ser hipotético e dar asas ao que não é palpável, mas é real.

Danilo Castro
07.10.2008

Os mundos de João

2009-09-10T19:30:00.000-07:00

É dia de festa, mas o homenzinho doente ainda não percebeu. Porque não é fácil viver algo que apenas um, e mais ninguém, sabe que vive. É tudo insanidade ou ser do mundo é mais difícil do que o homenzinho já pôde imaginar? Há um mistério escondendo as borboletas, há um mistério emparedando o homenzinho. Um enigma que o sugou e ele não mais têm forças para sair, desprender-se desse reino mágico que ele não conhecera o suficiente para poder habitar. Que seria do homem sem a dúvida? Uma maravilha. Mas ele está perdido como formiga fora da trilha, sendo perseguido como num sonho, correndo de alguém sem conseguir sair do lugar. É dia de festa, mas o homenzinho ainda não percebeu, por isso enclausurou-se em si mesmo e está prestes a estourar junto aos rojões que irão soltar em comemoração à sua alforria. Ali, no chão frio, o homenzinho chorou pelas borboletas que foram mortas antes de nascer, era consolo imaginar que dali elas iriam para além da gravidade, seria muito melhor. Emocionado pela ânsia de liberdade que em pouco tempo lhe seria concedida. Deparou-se com a Verdade, que nada lhe disse, apenas o esnobou com seu olhar soberano, e, sob os olhos esmagadores dessa mulher alta, ele percebeu que não lhe faltava muito tempo. Antes de a festa acabar, ela iria pôr-se à sua frente com as borboletas despedaçadas em suas mãos, desvendando o que por muito tempo torturou o âmago do homenzinho. Luzes coloririam de repente o céu e o homenzinho voaria indomado para o além, deixando cair todos os mundos escondidos em baixo das suas asas. Com o vento espancando-lhe o rosto, o homenzinho, aliviado, curado dos seus miasmas, abriria os braços e sorriria tudo que, por uma eternidade inteira, nunca pôde sorrir.

Danilo Castro
10.09.2009

Para além da ilusão

2009-09-06T06:44:00.000-07:00

“Conhece-te a ti mesmo.”
Sócrates

Então era só isso? Era apenas isso que há tempos me permeia e nunca soube dizer bem o que é? Sim, descobri. É como abrir um baú de antepassados num porão frio e seco e ainda assim encontrar resquícios de calor e umidade. É fado me ser porque vim ao mundo sendo humano, do espécime mais pesado que existe. Esse é o infortúnio que me atazana a vida. Sou um homem gordo com cabeça de bicho. Mas as normas da minha classe me impedem drasticamente de ser essa coisa que ama do seu modo puro e indócil. Estou domado, esse é o carma que há pouco concluí que há tempos me corrói. Domado por não poder viver em repetidas doses de uma embriaguez natural. Há sempre cascatas de águas gélidas acordando-me dos meus devaneios irracionais, e a cada gota dessas águas mórbidas, um pedaço do bicho é assassinado para dar lugar ao homem que nunca fui, mas que está sendo meticulosamente criado por mim à medida que sou ordenado a viver. E viver é um esforço que me arrasta para fora de mim mesmo. Bom seria se eu pudesse fazer do barro a obra de arte como expressão de mim, mas minhas mãos involuntárias apenas obedecem e fazem do barro mais uma bela cópia do que já existe. Seria uma dádiva se eu não me ocupasse com pensamentos inúteis e fizesse deles a realidade leve que nunca viverei. Por causa do Nunca escrevo, doeria mais se não houvesse como me expressar, porque em vida sou somente mimese, mas, diante da minha imaginação, vou fazer o possível para não deixar sucumbir o animal gordo que luta para nascer do útero indestrutível que criei. Dentro de mim há uma coisa órfã que grita sem nome, essa coisa é o que realmente sou.

Danilo Castro
25.08.2009

O Processo - Espetáculo REVOAR

2009-08-30T13:07:00.000-07:00

http://espetaculorevoar.blogspot.com

Fotos de Luciana Gomes

MAIS INFORMAÇÕES SOBRE O ESPETÁCULO

http://espetaculorevoar.blogspot.com

“A realidade é inacreditável.”
Clarice Lispector

Criar, buscar, estudar, trilhar caminhos, tudo para encontrar a melhor maneira de transformar em poesia um assunto não delicado, como muitos pensam, mas extremamente brutal. Rodear mil vezes para descobrirmos que o que se busca é enxergar de veras a realidade, esta por si só já é extraordinária. A arte não é nada perante a vida, entretanto é da arte que se pode extrair o sumo mais puro do que a vida nos entrega disperso, diluído em hipocrisia.

Estar num processo que não impõe rédeas à criação me deixa com um instinto completamente autoral diante da melodia composta. E amar algo construído por outro não é a mesma coisa do que amar algo que você mesmo criou. E quando a gente ama, faz-se com toda a intensidade que a arte merece. São idéias de artistas diferentes, com caminhos diferentes, mas idéias que se tornam unas.

O que resultará desses meses de preparação serão filhos bastardos, filhos que carregam na alma uma vontade de transgredir a normatividade a qual somos submetidos diante do conhecimento acadêmico. Romper com tudo isso é formidável. Denunciar o que está ao nosso lado e “ninguém vê”, gritar para sentir e provocar sensações múltiplas é fascinante.

Estar neste processo é trazer à tona realidades que existem em nós, mas quase são apagadas com o passar dos anos. É interessante investigar a delicadeza da criança, sem deixar de mostrar seus lados insanos esmagados pelo mito da infância que a sociedade impõe.

A mente não é um tabuleiro com engrenagens coordenadas. Tudo é um fluxo descontínuo, uma teia de paradigmas. Por isso podemos saber o que é o pensamento, mas não é fácil descobrir o que se esconde atrás dele. Não impor, não subestimar e trazer essa autonomia para um público, que pode criar a sua própria peça diante do que vê, é quebrar as barreiras que eu mesmo um dia pude construir. Só assim, eu, ator alforriado, me sinto um guerreiro invencível diante da realidade.

Danilo Castro.

Com direção de Andrei Bessa

Danilo Castro e Raíssa Starepravo no elenco,

Livremente inspirado em "Esta Propriedade Está Condenada" de Tenesse Williams,

algo novo está por vir.

Processo Colaborativo

2009-08-19T13:22:00.000-07:00

Certas vezes, o simples dizer é como apunhalar uma faca em ventre alheio e me autocondenar à guilhotina, por isso me calo.

Certas vezes, o simples calar é como apunhalar uma faca em ventre alheio e me autocondenar à guilhotina, por isso falo.

Danilo Castro

19.08.2009

Por favor, Luz para quem não vê.

2009-08-06T18:52:00.000-07:00

"Estamos como cavalinhos de carrossel. Corremos atrás dos outros e nunca nos alcançamos"

Jean-Paul Sartre

Sei com uma absoluta certeza que sou alforriado de amarras que pensei que pudera ter, mas por alguma dádiva nunca tive. Há em mim um ar soberano que reina venturoso, o mesmo ar que entrelaça o primeiro vôo de uma borboleta que há pouco descobriu o que é voar. E de cima, vejo quão distante ando de um mundo apenas imagético, lindo por fora e vazio por dentro. Percebo a imensidade do bem que experiências de uma vida aparentemente linear já me trouxeram. Eu, um ser com apenas duas décadas fincadas num paraíso errante, posso afirmar que sou hoje muito além do que um dia já pude desejar ser. Posso gritar que daqui há dez anos continuarei sendo o homem que sempre sonhei ser e quanto mais décadas se passarem, mais orgulho terei do que se consolidou em mim. Ao pensar que algum dia o destino poderia ter sido injusto comigo, vejo que fui tolo, porque sou agraciado. Pois ser o que me tornei não seria fácil se eu fosse apenas mais uma peça nesse tabuleiro de brinquedo. Minha vida é de verdade, diferente de outras vidas desperdiçadas que andam ocupando espaço no mundo. É bom conviver com a certeza de que estou além dessa bolha doente escondida por uma beleza plástica. Saber que mais valem rugas ou feridas na alma do que qualquer outra coisa que seja apenas superficial, retida nos poros. Há cortes na minha pele, hemorragias transbordando dor, mas em mim reina hoje uma felicidade indomável por cada uma dessas feridas expostas, disfarçadas por uma personalidade sólida. Eu sou assim e clamo: abram as portas da vida para os cegos que caminham ao meu redor, é preciso viver, é preciso que se beba mais luz, é preciso ver que brincadeira tem limite. Há tempos não mais estou brincando nesse joguinho leviano e circular, porque justamente após a linha tênue que demarca esse território vazio, posso encontrar a essência que sempre busquei.

Danilo Castro
06.08.2009

Diástole

2009-08-02T11:53:00.000-07:00

"Lá, no fundo, um certo receio da descoberta, o mesmo quando se arranca a primeira camada da pele."

Priscila Cáliga

Imagem: Google

Quando eu não mais escrever o Eu egocêntrico que me doma, poderei dizer que o que escrevo é arte. Porque escrever do Eu sem me preocupar com o eu de quem me lê, tem suas limitações. Meu Eu um dia há de vir grafado com essência de Nós para que eu não fique por aí perdido, cantarolando noutra língua, sem alguém para me entender. Mas Eu sou assim, um turbilhão de energia dissipada a procura da canalização das minhas forças. Preciso de outro tempo para que eu confie que consigo mais do que posso imaginar. Mas não adianta só cantar alto, tenho de cantar no tom. Este só poderá ser audível quando o que escrevo tocar as harpas insólitas de quem me lê. É uma pena esta utopia, pois são sístoles compulsivas os meus grafos desafinados. A melodia que me doma tem dois tempos, mas estou condenado a andar somente num.

Danilo Castro
02.08.2009

Dormir, talvez sonhar...

2009-07-24T21:04:00.000-07:00

Precisamos enlouquecer qualquer noite dessas. Esquecer um pouco do mundo e viver tudo de peito aberto, sem medo da repressão. Ser ou não Shakespeare? Trazer não uma representação da poesia, mas a própria vida, que, quando exposta de maneira absoluta e extraordinária, pode tornar o cotidiano espetacular. Misturar o “irreal” à luz da verdade é confundir a percepção do mero apreciador ou protagonista involuntário? Mas onde está o teatro? O que é a vida? Que manifesto é esse? Isso é performance? Não importa. Tudo é loucura, transgressão. Nós somos assim, mas é preciso que se chegue ao nirvana para extravasar e perceber isso. O Hamlet desalmado deu lugar ao Rãmlet Soul. Fortaleza tem um marco nas artes cênicas. Basta passar às 21 horas à Rua José Avelino, 563, misturar-se à algazarra "improvisada" e se deixar contaminar pelo ritual selvagem em favor da vida.

Danilo Castro.

Direção de Thiago Arrais

Dramaturgia de Potyguara Alencar

Livremente inspirado em "Hamlet-Máquina" de Heiner Müller
Rãmlet Soul, 30 e 31 de julho, às 21h no Mocó Estúdio - Praia de Iracema
R$ 10,00 e 5,00

Confissões de um aleijadinho

2009-07-19T09:12:00.000-07:00

Imagem de Areia Hostil

Eu não sei como começar mais uma vez, como em tantas outras vezes em que tentei e não mais consegui escrever. Houve vezes também em que tentei parar e só depois de muita luta consegui. Não sei bem sobre o que discorrer e nesses últimos tempos tive o azar de a inspiração ter-me ocorrido em momentos inoportunos, quando nem lápis, nem papel estavam à volta. Daí perdi o tesouro em poucos minutos e sinto que não mais vou recuperá-los.

Um dia, num calor infernal, passei por uma ponte com um lago em baixo e com um vento forte que quase me derrubava... Senti-me tão bem, a infância me acalentou de novo. Naquele instante, quase que minha coragem infante quebrava convenções e, num ímpeto incomum à minha passividade, me fazia pular nu naquela água fresca contrastando com o calor revigorante... E como o que mais importa agora é desembocar a escrever sem rédeas, mudo a conexão para outro dia, outro pequeno momento iluminado em que minha cabeça desvairou a produzir reflexões sobre o amor. Tão monótono falar de amor, tão batido, pilado, remoído. Entretanto pensei no amor não como uma dádiva, mas como um cruel inimigo. Um inimigo porque eu tenho medo de amar, acho que é o mesmo medo de morrer que citei na primeira frase desse escrito, mas acabei apagando-a por insegurança, por medo de ser repetitivo, mas o que é a vida senão uma repetição? Tenho medo de amar porque sempre me achei do mundo e para o mundo e me amo mais do que qualquer outra coisa. Não acho que pertenço unicamente a alguém, sou de todos. E o amor, o clássico amor shakespeariano exige entrega, renúncia. Sinto-me vadio por me citar assim, como um objeto de manuseio descartável. Pareço até uma prostituta que ama descomedidamente seu ofício, mas quem me dera se eu conseguisse ser intenso como tal. Intimida desnudar a alma assim, pois o que escrevo nunca, em nenhuma hipótese, são somente ramos imaginativos, mas fica sendo como já disse noutro filho meu: é impossível delimitar o que é e o que não é de mim no papel. Talvez o maior dos temores é o medo de que descubram os homicidas que caminham comigo, escondidos por mocinhos de tramas televisivas. Minha identidade secreta ninguém conhece, nem eu mesmo. De vez em quando desconfio de mim, como se eu estivesse armando algumas siladas categóricas para me destruir. Mas eu sei também que minha morbidez põe ordem na bagunça que faço toda vez que me ponho a criar, e que boa parte disso tudo é o meu instinto poético barato e melodramático aguçando minha escrita.

Medo. Essa repulsa ao amor me torna tão incompleto, que não consigo viver tudo que deveria viver, vivo as coisas com desconfiança, vivo as coisas pela metade. E ser incompleto é terrível já que meu medo é maior do que a vontade de recuperação, o que é pior, sou um enfermo sem remédio, incurável. Vivo experiências diversas, mas quase nada adianta, todas são pela metade.

As coisas já estão fugindo, mas eu não quero parar a turbina que começou a rodar há pouco. As pontas dos meus dedos estão relutando, mas acho que esgotei. Pena. Estava quase lá, todavia tive a sensação de coito interrompido novamente. Meu amor sempre é assim, um coito interrompido, amputado.

Danilo Castro
16.07.2009

Amor e Morte se confundem...

2009-07-11T19:58:00.000-07:00

"...o ator tem que se conscientizar de que é um Cristo da humanidade e que seu talento é muito mais uma condenação do que uma dádiva."

Plínio Marcos

IKEBANA, em cartaz no Teatro Dragão do Mar - 15,22,29 de julho às 20h,

espetáculo de conclusão da nona turma do Curso Superior em Artes Cênicas do Instituto Federal do Ceará

Direção de Danilo Pinho

Produção de Felipe Sales

Iluminação de Walter Façanha

Figurinos e Maquiagem de Dami Cruz

Composição musical de Juliana Veras

Edição de áudio de Felipe Revuelta

Operação de Luz e Som por Jonathan Pessoa

Criação Visual de Felipe Revuelta

“Por favor, abram-se as cortinas.”
É hora do show! Hora de mostrarmos o que foi aprendido durante anos de estudo. Estamos prontos? Não. A formação na arte de ator leva uma vida inteira. E para alcançar a maestria é preciso viver a vida como o teatro exige, intensamente. Experiências, traumas, saudades, alegrias e tristezas, encontros e desencontros, realidade e fantasia são um pouco dos muitos ingredientes necessários para formar uma alma madura e interessante o suficiente para ser exposta. Desnudar a alma, revelando a mais sublime intimidade, onde público e ator comungam da verdadeira poesia, é o ofício do intérprete dos tablados. Teatro é para corajosos, já dizia um sábio. Coragem para mergulhar nas águas profundas, por vezes turvas, do eu, e bem lá no fundo fisgar com a sensibilidade o “peixe dourado” que será ofertado ao público. Coragem também para estar sob o olhar do outro, com a alma nua para a apreciação da platéia, não é nada fácil. E, finalmente, coragem para escolher viver de teatro, uma vida sem estabilidade, sem conforto, sem reconhecimento e sem glamour. Mas uma vez feita a escolha, dançamos com a instabilidade, cantamos a rejeição do comodismo, e, no palco, ao tornamos sonhos em realidade, proclamamos que a vida pode ser extraordinária! Na arena sagrada, banhados pelos refletores, nós, atores, somos guerreiros invencíveis. Nós podemos tudo.

Felipe Sales

Falta muito pouco para chegar a minha hora de livrar-me da faculdade e encarar o mundo. A próxima peça que irei divulgar do Curso Superior em Artes Cênicas será a peça da minha turma. A décima turma de conclusão.

Danilo Castro

Velha gorda

2009-07-01T03:17:00.000-07:00

imagem de Lucian Freud

"... a fama é uma senhora muito gorda que não dorme com a gente, mas quando a gente desperta ela está sempre olhando para nós aos pés da cama."

Gabriel Garcia Marques em "Memórias de Minhas Putas Tristes"

Sadomasoquismo

2009-06-25T20:51:00.000-07:00

"s. m. Perversão sexual que consiste na conjugação do sadismo e masoquismo, ou seja, no prazer tanto em sofrer como em fazer sofrer."

Silveira Bueno

Quadros de Frida Kahlo

Estou precisando injetar Clarice em minhas veias novamente. Há uma boa temporada saí do meu coma alcoólico e não mais voltei à Neverland. Há em mim uma coisa que grita porque há tempos nada me dói, e quando nada me dói, nada escrevo, entro em crise. Viro pedra polida, inquebrável, impenetrável, seco. Donde estão as lágrimas que tanto amo? Preciso encharcar-me delas como ontem, soluçar sem fim, remoer-me em dor. A Felicidade é minha maior inimiga. Sim. A Felicidade usurpa de mim o direito que sempre tive de cuspir minha arte amadora e desconexa. Minha perversidade clama. Preciso o quanto antes achar motivos para torturar a vítima indócil que sou. É fome de criação. Sou amador. Amo a dor.

Danilo Castro

26.06.2009

O Médico

2009-06-08T18:46:00.000-07:00

"Já tentei parar com o teatro, mas ele não parou comigo, é algo vivo, que consome suas entranhas e lhe domina. É uma droga, é um demônio a quem se vende à alma, é uma mola propulsora, são os aparelhos de uma UTI que mantêm vivo um indivíduo..."

Sheila Paiva da Paz

Acho que nunca fiz desse blog um diário. Hoje quebrarei minhas próprias convenções, porque eu sou inconstante mesmo e tenho que me aceitar assim. Ai de mim se eu não me ser, sozinho ou não, preciso me ser. Há algumas horas estava eu em minha aula de Pré-Montagem, apresentando-me num exercício de concepção da nossa peça de encerramento de curso, prevista para o próximo semestre. O público era somente minha própria turma, meus atores-colegas de sala. E, não tão incrivelmente, senti-me nervoso, de tremer as pernas, com a adrenalina à mil. Fernanda Montenegro certa vez disse que no dia em que ela subisse num palco e não se sentisse nervosa, com um frio na barriga, ela deixaria de fazer teatro. Essa sensação é maravilhosa, vivo a magia que antecede o pulo no abismo, e, quando pulo, vou caindo, caindo, caindo sem nunca encontrar o chão... O palco ainda é um dos meus maiores mistérios. Lembrei que, no início do curso, certa vez chorei em sala de aula, diante de todos, diante de Danilo Pinho, na época, professor da cadeira de Técnica Vocal. Chorei porque depois de ter lido um texto do Grotowski, vi que ele falava de dois tipos de atores, o Santo e o Cortesão. O Santo é aquele que se deve ser, que consegue se neutralizar após cada personagem, após cada peça, e construir um corpo, uma voz, uma personalidade diferente, mortificando-a, ao término do trabalho, para que nunca faltem possibilidades novas. Já o Cortesão é aquele que tem um curto acervo de opções e, quando julgar necessário, faz as devidas combinações possíveis no seu corpo, dentro de suas limitações e, ainda assim, mesmo que falsamente, consegue convencer. Mas isso é arte? Isso é interpretação? Chorei porque me vi Cortesão desde que comecei a me interessar pela arte de representar, aliás, hoje vejo que representar não é um termo bom, arte de viver uma vida em poesia é melhor, porque o que acontece num palco não é a imitação da realidade, mas a realidade poetizada. Nadei contra a correnteza, águas mais fortes quase me sufocaram, mas ainda estou aqui, vivo e sempre buscando o meu melhor, buscando não os meus limites, mas o que existe além deles. Um amigo já me disse que para ser um grande ator, é necessária uma vida inteira de dedicação. Stanislaviski fala que um ator, o Santo, requer conhecimento na área do canto, da dança, até das artes marciais, e, claro, na área da interpretação. Além de tudo isso, Teatro pede experiência de vida, nós trabalhamos com sentimentos, sensações, emoções. Mas como ser um grande ator se não há tempo para fazer tudo isso? Se não há apoio para ser tudo isso? Na China, os pais têm orgulho quando um filho resolve ser artista e, ainda cedo, as crianças ingressam em escolas de artes quando mostram aptidão. Teatro por lá é milimetricamente pensado, um ofício repetido perfeitamente igual quantas vezes forem necessárias. Por aqui, quase tudo ainda é meio impulsivo, desregrado. Por aqui, ninguém educa um filho para que ele seja ator. Isso não significa que não sou apoiado pela minha família, mas se eu, desde pequeno, quisesse ser um médico, apoio nunca, em nenhuma hipótese, faltaria-me. Parece que o mundo conspira em favor da Maldição Teatral, ainda mais aqui, no Ceará, onde muito não acontece por uma série de motivos que não pretendo repeti-los. Só é possível reconhecimento, se houver esforço, dedicação. Reconhecimento não é fama ou glamour, é ser bom o suficiente para viver do trabalho, para ser valorizado por isso. E se eu quiser abandonar tudo? Meter-me daqui para o Sul? Dormir em baixo de pontes como Jackson Antunes e tantos outros já fizeram um dia? Entretanto, beberam do que há de melhor em cursos, oficinas e mercado. Não é apenas o Sul a solução, mas boa parte de tudo encontra-se por lá. É fato. É preciso tentar. Mesmo que eu quebre a cara. Como alerta, Marcelo Costa, ilustre figura da História do Teatro Cearense, sempre diz que "é preciso coragem para viver dessa Maldição." Bem, se teatro fosse como meu irmão vez por outra brinca “É muito fácil, é só decorar as falas e dizê-las em cima dum palco.” eu, em absoluta certeza, teria me tornado médico. Aliás, por que não? Se um médico, no seu ofício, pode salvar vidas, eu tenho nas mãos o poder de, através da minha arte, salvar almas.

Danilo Castro

08.06.2009

A Surpresa do Clark

2009-06-03T19:01:00.000-07:00

Por Clark Ribeiro

Pequenas coisas me fazem ganhar o dia.

"Uma Rapadura, 3 atores & uma História" em breve retornará aos palcos de Fortaleza!

Fim do Mundo

2009-05-31T17:52:00.001-07:00

-Eu quero conhecer o mundo, mãe!

Suplicava em tom de revolta o moço de pele amarela, tez queimada, olhos secos e vivos, quase esbugalhados de tanta vontade de hidratar seu ócio. Ele não suportava mais o chão rachado aos seus pés sujos de roça. Queria sair dali o quanto antes, olhava para o horizonte e imaginava o que havia do outro lado daquele mundaréu de galhos secos e terras acobreadas.

Dias iam, vinham e por todas as manhãs ele percorria o mesmo caminho, equilibrando-se nas trilhas que fincavam suas pernas naquele amplo lugar que o engaiolava. Ordenhava a magricela cabra que lhe dava o pouco alimento que nutria seu já encurvado corpo. Depois capinava, semeava o roçado e esperava incessantemente brotar sequer um raminho de feijão para ao menos encher a barriga da pobre mãe de pescoço fino, olhadela funda e clavículas salientes. O pai morrera desgostoso, abatido e atoleimado. Aquelas bandas foram roubando-lhe o tiquinho de vontade de comer, andar e piscar os olhos. Impossível encontrar felicidade num lugar onde somente ventos e luz pairam pelos arredores.

O púbere, que deveria ser cheio de vida, transformava-se aos poucos na mesma máquina em que seus pais se metamorfosearam. Ele passava a ser só carapaça, um corpo vazio, mas pulsante, pois ainda latejava-lhe os restos de sonho de ultrapassar as longínquas fronteiras daquele fim de mundo. As circunstâncias doíam-lhe o peito, porém o jovem nunca caía aos prantos, não por ser forte, mas por faltarem-lhe lágrimas. Não sabia ler, não sabia calcular, não sabia viver. Sua mãe o acorrentara àquelas terras. Ela não queria sair de lá, ele não podia deixá-la sozinha. Pobre moço, desprovido de companhia, no auge da vida, teve de conhecer o leitoso prazer da perpetuação humana com a dona de sua ordenha.

Nenhuma gota d’água caía do céu branco para lavar a tristeza daquele translúcido oceano de areia encarnada ou para intumescer a alma do rapazote, refrescar-lhe o espírito e renovar-lhe as esperanças de arrebentar as suas algemas.

Certa vez, em meio a tanta solidão, sua cabeça vã desejou que a mãe morresse para que ele pudesse partir rumo ao mundo, sentiu-se mal, confuso, por isso tentou ajuizar com força outras coisas para preencher sua mente indigesta e livrá-lo daqueles sórdidos pensamentos, mas não adiantou, seu desejo de evasão era mais efervescente que o amor maternal.

Poucos meses depois, parte do seu anseio concretizou-se. A mãe teve sua alma usurpada às alturas, num êxodo repleto de felicidade de ambas as partes, pois só assim ela deixou de ser objeto da vida, enquanto ele viu-se com o pé no futuro. Enterrou, com um leve sorriso de canto de boca, o corpo da mãe, que já era quase um pedaço de carne ressecada. Cada centímetro de terra seca que cobria a rede envolvida no cadáver era como se fosse um degrau que ele subia na infinda vontade de escapar dali. Enquanto exercia o serviço fúnebre, ponderava à defunta sussurrando: “Eu quero conhecer o mundo, mãe!”.

Sozinho, fitou o horizonte, arrumou as malas, abortou da sua vida a casa de taipa e todas as outras lembranças mórbidas das suas raízes, que agora foram arrancadas do solo de pedra. E feliz, minuto a minuto, cobiçava o amanhã. Partiu junto à sua fiel e leiteira concubina. Dali a muitos dias caminharam, caminharam, ca-mi-nha-ram, mas parecia que o horizonte estava cada vez mais distante. O leite secou. Então, numa das tardes, quando o sol começou a se preparar para sua dormida, a cabrinha titubeou, derrapou as bambas patas na areia seca e não mais levantou. A sua leal parceira, que tanto o saciava, não resistiu à interminável marcha. Foi neste dia ele desabou, explodiu de dor. Enfim choveu, no entanto a água não caía do céu, mas transbordava dos seus olhos.

Inspirou fundo, enquanto o sol e o agressivo vento carcomiam a epiderme do avelhantado moço que, em poucas semanas, havia arruinado uns dez anos da sua existência. Estava cansado, abandonado, esmorecido, mudo, com sede. Mas, numa boca de noite, quase instantaneamente ele arregalou seu semblante chocho quando avistou o matagal de cimento que tanto procurava. Maravilhou-se. Luzes coloriam o lugar, diferentemente das lamparinas que mal alumiavam a escuridão no seu antigo lar. Feixes de fumaça, doença, corrupção, fome, violência, desigualdade e hipocrisia formavam um belo crepúsculo. Finalmente ele conseguiu, depois de muito peregrinar, realizar seu sonho. Chegou ao Fim do Mundo que tanto almejava conhecer. Alguns segundos depois, encandeado, expirou.

Danilo Castro

02.08.2007

Feliz Aniversário

2009-05-17T12:31:00.000-07:00

"A maturidade do homem consiste em recuperar a seriedade com a qual brincava quando era criança"

Nietzsche

A disputa

2009-05-07T05:05:00.000-07:00

"... o homem estava enfermo, sofria de uma espécie qualquer de enfermidade, da alma, do espírito ou do caráter, e me defendi de tudo isso com meu instinto de pessoa sã."

Hermann Hesse

Bem, há pouco, por mais uma noite, a bebida foi minha melhor amiga. Pondo-me assim pareço até um alcoólatra irremediável, mas, pelo que conheço de mim, ontem encarnei essa personagem pândega beirando o ridículo. Um homem que estuda, que preza pela imagem e vive enclausurado pelas normas da boa educação, encontra refúgio na bebida. Não consigo me ser de outra forma, uma pena. Somente sob efeito etílico posso voltar a ser o que já fui noutros remotos tempos: um ser humano, sem complicações maiores, feliz por uma bola de futebol nova ou uma bicicleta com buzina. Posso ser o que nunca poderei de outra forma. É uma viagem no tempo, a diferença é que os fatos não são os mesmos, mas simplesmente as sensações antigas voltam a me habitar e as engrenagens do pensamento param. Viro um animal pulsante e não pensante. Apesar da minha admiração pelos felinos, eu, quando em estado não sóbrio, sou um filhote de cão vira-lata brincando com restos de lixo, desengonçado, indolor e venturoso.

O cão com a língua de fora, babando sobre um pedaço de osso. O cão correndo atrás de carros em alta velocidade. O cão sendo enxotado pela vizinhança e sem nenhum remorso ou rancor por isso. Hoje, ao me ver sob a luz da realidade, ao cair da minha terra sem gravidade, sinto um nojo de mim, um nojo pela minha covardia que de tanto pensar, não consegue viver. Um nojo por ser incompleto, podre, porque nada do que vivo é inteiro, sou sempre o Homem fingindo que não é Cão. Isso é o pior, fingir ser quem você não é, ou talvez mais doloroso seja enganar a si mesmo ao acreditar que nunca vou tropeçar e cair com as quatro patas no chão.

Meus olhos lacrimejam e um bico infante se instala formatando mais uma das minhas máscaras gregas. Pergunto-me (in)docilmente se sou Homem ou se sou Cão. Aqui, quem escreve agora? É tão angustiante não se saber quem é, porque quando escrevo vem tudo num impulso só, como um cuspe pegajoso, como um assassino desesperado prestes a cometer seu maior ato.

Ao mesmo tempo, o momento em que me ponho diante de um papel é quando mais ativo as turbinas dos pensamentos, das sensações... Como ser essa ambigüidade ambulante? É possível? Talvez estas mal escritas linhas estejam mal escritas porque a cada palavra dita quero gritar umas dez. Estão todas carregadas com o peso de suas sombras, é fatalidade.

A coleira me sufoca enquanto suplico para que minha insônia se vá e para que eu consiga tentar me ser daqui pra frente, ser-me sem precisar de álcool correndo em mim. Eu não sei como terminar, estou com medo do fim e ao mesmo tempo disposto a lutar, mas não tenho a mínima noção de qual dos meus Eu’s vencerá a guerra.

Cão que ladra não morde.

Danilo Castro
01.02.2009

Cenas de Danilo Castro (Eliseu) em MCA 6

2009-04-22T15:00:00.000-07:00

Danilo Castro e Débora Ghira (Foto Divulgação - Imprensa Portuguesa)

ASSISTA OS VÍDEOS DA NOVELA MORANGOS COM AÇÚCAR AQUI!

Alguns fãs da série juvenil MCA 6 postaram a temporada de páscoa no Brasil, por partes, no youtube. Abaixo estão links onde se é possível encontrar algumas das minhas principais cenas.

ENTREVISTA PARA PROGRAMA DELUXE

Cai-no-Poço

2009-03-21T10:57:00.000-07:00

As sobras da criança que mora em mim, hoje se inquietou a perguntar onde é o fim do poço. Pobrezinha caiu lá dentro de tanto em redor brincar. E afunda como uma moeda graúda carregada de desejo. O estranho é vê-la afudando sem nem mesmo sufocar. E é porque a água invade suas entranhas como quando um navio a naufragar. A água veio sem pedir licença e está a muito bem se instalar, dentro do corpo do menino que até já aprendeu a nadar, mas, por enquanto, continua imóvel, despencando por além das águas que se pode imaginar.

Danilo Castro

04.03.2009

Doce Talento - Zoeira (Diário do Nordeste)

2009-03-14T19:59:00.000-07:00

Tipo Exportação

Repórter Karine Zaranza

(14 de março de 2009)

As gravações do folheteen português ´Morangos com Açúcar´ no Ceará terminaram na quinta, mas deixaram um gostinho especial em dois atores locais: o cearense Danilo Castro e a paulista radicada em Fortaleza Aline Pereira

Portugal vai conhecer, além das belezas de nossa terra, o talento cearense de interpretar. Os atores Danilo Castro, 19 anos, e Aline Pereira, 24, foram selecionados entre vários atores da terrinha para participarem do folheteen ´Morangos com Açúcar´ - uma espécie de ´Malhação´ portuguesa. Os dois participaram da novela da TVI, cujos episódios gravados aqui irão ao ar na semana da Páscoa por lá.

Danilo - que está no último ano do Curso Superior de Artes Cênicas do Cefet - explica que soube da seleção através de um e-mail que recebeu de Aline, que, por sua vez, tinha recebido de outro amigo. ´Tive sorte porque eu vi o e-mail um dia antes do teste. Muita gente não compareceu porque só foi olhar o e-mail depois´, conta o ator.

O teste aconteceu há três semanas em um hotel de Fortaleza. Eles receberam, na hora, um trecho da principal cena que os cearenses teriam que gravar na novelinha. ´A gente não sabia nada da história, o que tava acontecendo. Só entendi que ele estava se declarando para uma menina. No fim, ficamos eu, a Aline e outros atores. E uma pessoa da produção veio falar com a gente dizendo que tínhamos ficado com o papel´, lembra.

Intercâmbio

Apesar de já ter experiência no teatro, tanto como atriz e diretora, e fazer propagandas para a TV, Aline confessa que teve a oportunidade de aprender muita coisa nessa semana de gravações. ´Em TV é tudo muito rápido. É diferente de gravar comercial. Mas o que me deixou mais feliz foi quando, depois que gravei a primeira cena com o protagonista da novela, ele veio me perguntar quantas novelas tinha feito. Ele disse que não parecia que era a primeira porque mostrava muita segurança no vídeo´, vibra.

Danilo confessa: ´Deu medo. No caminho para as gravações eu dizia: Aline, tu tá nervosa? Eu tô!´. A amiga rebate na hora: ´Medo não, ansiedade! É que tudo era novo´, justifica com a certeza do talento.

E os cearenses (sim, porque ela se considera cearense de coração) não fizeram bonito só no vídeo. Puderam também ensinar algumas técnicas de interpretação que aprenderam em seus estudos. Vale ressaltar que Aline leciona Teatro em uma escola e promove cursos de interpretação para profissionais das mais diversas áreas. Danilo, além de estar concluindo o curso de Artes Cênicas, também fez diversas oficinas - inclusive de cinema.

´Muitos dos atores de ´Morangos...´ não passaram pelo teatro nem tiveram formação. A maioria, assim como em ´Malhação´, está tendo essa experiência pela primeira vez. Só que o elenco está junto desde agosto e já aprendeu muito. Mas a gente pôde mostrar alguma coisa para eles também´, conta Aline.

O diretor do projeto, Hugo de Sousa explica que todos os anos, uma equipe viaja para outro país para mostrar as férias dos alunos. ´Já estivemos em Cabo Verde, na Inglaterra, na França, em Cuba e no Brasil (Rio de Janeiro e Natal) duas vezes. Esta é a terceira´, conta. Para Hugo, a iniciativa de trabalhar com atores dos locais da gravação é uma oportunidade de intercâmbio e de promover mais veracidade à história. ´É muito bom trabalhar com eles. Está sendo ótimo´, rasga a seda.

Expectativa

Mesmo sabendo que a novela não passa no Brasil, apenas na Europa, os dois têm a certeza que muitas portas podem se abrir agora. ´É uma experiência no curriculum. É um aprendizado de vídeo que quase ninguém aqui tem´, reconhece Danilo.

Para ele, que planeja ir para o eixo Rio-São Paulo em busca do sonho de trabalhar em grandes produções teatrais e televisivas, o folheteen português serviu como um estágio. ´As pessoas têm preconceito com quem trabalha no teatro quando vão para a televisão. Acha que vai ficar muito grande... A gente se deu bem. Isso mostra a qualidade do trabalho feito aqui. Além do mais, já temos essa experiência a mais´, defende ela.

Ficou com vontade de conferir o trabalho de nossos novos astros? Pois Danilo e a Cia. Sem Nome se apresentarão no próximo dia 21, no Teatro do Dragão do Mar, às 20h, com a peça ´Uma rapadura, três atores e uma história´. Já Aline, prevê que, em maio, entrará em cartaz com o ´teatro-festa´ Rãmlet Soul, baseado em Hamlet-Máquina, de Heiner Muller. O projeto foi aprovado pela Funcet e tem a direção de Thiago Arraes.

Trama

A novela ´Morangos com Açúcar – Geração Rebelde´ já está em seu sexto ano de exibição e é considerada um sucesso em Portugal. Voltada para o público jovem, a trama se passa na Escola Secundária D. Sebastião. Lá, os alunos se envolvem com aulas de artes, dança, música, fazem esportes dos mais variados (voleibol, karatê, le parkour e motocross) e, assim como em ´Malhação´, têm até uma banda.

Desde setembro de 2008, quando a temporada de inverno começou, os atores Pedro Rodil e Laura Galvão interpretam os protagonistas Rodrigo e Madalena. Depois de muitos desentendimentos, os personagens estão namorando.

Na história, os oito alunos que vieram ao Ceará estão de férias e vão viver grandes aventuras, inclusive amorosas. Rodrigo se interessa por Gisele, interpretada pela cearense Aline, e Beatriz (personagem de Débora Ghira) se envolve com o personagem de Danilo, o Eliseu, funcionário do parque aquático.

´Essa atração que meu personagem, sentirá pela cearense vai desestabilizar o namoro com Madalena´, conta Pedro. Aos 20 anos, ele não esconde a empolgação de estar conhecendo, pela primeira vez, o Brasil. ´Queria ver como era aqui. As pessoas são muito afáveis. Sabia que o Brasil era quente, mas não sabia que era assim´, conta o ator que gravava suas cenas apenas de calção de banho e na piscina.

Entre uma cena e outra, Débora Ghira, 21, conversou sobre sua personagem Beatriz. A adolescente se envolverá com o brasileiro após passar por um drama pessoal - um acidente que deixou marcas em seu pescoço. ´Ela tem um trauma e ele veio para dá um consolo e um carinho para ela. Quando ela voltar, eles vão ficar se falando via messenger e e-mail´.

O diretor também antecipa que os alunos vão encontrar um teatro abandonado e começarão a desenvolver vários projetos lá. O que não vai faltar é aventura para essa turma. E ela começou aqui!

Veja a matéria no site do Diário do Nordeste

Morangos com Açúcar Série VI - TVI

2009-03-10T11:08:00.001-07:00

"Morangos com Açúcar é uma série portuguesa que já está na sexta edição, sendo a novela juvenil de mais audiência na Europa (TVI). Parte da trama ocorre no Brasil - CE, e Danilo Castro (Eliseu), juntamente com Aline Pereira (Gisele) são os atores do Ceará que estão fazendo uma participação especial na série"

ASSISTA OS VÍDEOS DA NOVELA MORANGOS COM AÇÚCAR AQUI!CENAS DE DANILO CASTRO
http://daniloalfa.blogspot.com/2009/04/cenas-de-danilo-castro-eliseu-em-mca-6.html

Notas da imprensa

(Entrevista para o programa português DELUXE)

http://www.youtube.com/watch?v=tnXJSSGi7TM

(Zoeira - Diário do Nordeste)

http://diariodonordeste.globo.com/materia.asp?codigo=622216

Doce Talento - Tipo Exportação

(Buchicho - O POVO):http://www.opovo.com.br/opovo/buchicho/861937.html

Do Ceará para o mundo

(Correio da Manhã - Portugal)

Actores brasileiros animam nova série de 'Morangos'

http://www.correiodamanha.pt/noticia.aspx?channelid=00000092-0000-0000-0000-000000000092&contentid=F5816B3C-FBB7-49F6-9175-44972E4D05FB#comentarios

(Site da TVI)

http://www.tvi24.iol.pt/moda-e-social/morangos-com-acucar-morangos-gravacoes-resort-brasil-luxo/1048402-4061.html#

(Blog Sempre Actual)

http://lili18.blogs.sapo.pt/276234.html